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La Política me da risa
 

Por GLEN RODRIGO MAGAÑA

LA CULTURA RETROFUTURISTA DEL STEAMPUNK (II PARTE)

29-Aug-2016

Tiempos que revolucionaron al mundo, la segunda mitad el siglo XIX con su elegancia, góticos sonidos, mentes brillantes y el esplendor del conocimiento, pero visto desde el futuro… el steampunk, que para esta segunda y última entrega homoespaciera la entintamos con arte y los diversos festivales que envuelven a este movimiento contracultural, así como el cierre de las entrevistas con nuestros expertos la materia: Johannes Serpens, Brianda Zareth Huitrón y el Colectivo Seffir Arte Lúgubre.

Hablemos de arte retrofuturista, expresiones del steampunk que naciera en la literatura en los años ochenta, inspirado por escritores de la ciencia ficción del siglo XIX y que evolucionara entre las artes visuales, la música y el cine.

La historieta suele ser un gráfico ejemplo, algunas de las más famosas creaciones son The Adventures of Professor Thintwhistle and His Incredible Aether Flyer (1980), realizada por Richard A. Lupoff y Steve Stiles; el comic francés Las extraordinarias aventuras de Adéle Blanc-Sec (1976), llevado a la pantalla grande en el 2010, o en la corriente japonesa, Steam Detectives (1994) de Kia Asamiya.

Musicalmente, la rítmica del steampunk varía desde rock gótico, ópera hip-hop, dance industrial y hasta electroswing. Mientras que en el cine, algunos retrofuturistas le rinden homenaje al mago fílmico Georges Méliès, cineasta galo que creara la primera cinta de ciencia ficción Le Voyage dans la Lune (1902), pero en un contexto más acercado al steampunk, algunas referencias históricas serían los rollos Chitty Chitty Bang Bang (1968), Una invención diabólica (1958) o Master of the World (1961).

Bajo la filosofía “Hazlo tú mismo”, el diseño del steampunk ha contado con grandes artistas como el grupo Kinetic Steam Works, Five Ton Crane Arts Group o el teletroscopio de Paul St George en el City Hall de Londres.

Algunos de los principales eventos entorno al steampunk son el SalonCon (Estados Unidos), el Festival Eccentrik de música gótica e industrial (Estados Unidos), el L'Extraordinaire Uchronie (España) o en nuestro país el UCRÓMATA Festival Steampunk.

Después de conocer algo del arte en el steampunk, continuemos con nuestros tres entrevistados.

Johannes Serpens, la pluma del steampunk mexicano

Entintado representante del steampunk, Johanes es uno de los difusores más importantes de este sub-género literario en nuestro país, al involucrarse con la comunidad retrofuturista nacional con su web site FIUSSS.

Homo Espacios (H.E.).- ¿Cuáles son las principales manifestaciones artísticas en las que se involucra el steampunk?

Johannes Serpens (J.S.).- “Literariamente podemos mencionar las novelas que se consideran como las que inauguran este subgénero de ficción, como Noche Morlock, originalmente pensada como continuación de La Máquina del Tiempo de H. G. Wells y primera obra con temática Steampunk; La Máquina Diferencial, donde surge la especulación sobre la máquina analítica concebida en el siglo XIX por Charles Babbage; Las Puertas de Anubis, que trata de una fantasía mágica ubicada en Egipto o más actual, la novela gráfica La Liga de los Hombres Extraordinarios, que tiempo después llegara al cine con el título de la Liga Extraordinaria”.

“En cuanto a la escultura, consideraría la madura obra de Ring Von Bante; el arte objeto del argentino Osvaldo Sulfaro y de Gustave Morbeus; la música de Abney Park, Dresden Dolls, Rasputina, The Clockwork Quartet o Blazko Scaniglia; los diseños del Dr. Pek S´Kool; filmes como Steamboy (2004), La Máquina del Tiempo (1960), La invención de Hugo Cabret (2011) o La Mecánica del Corazón (2013)”.

H.E.- ¿Cómo aparece y se desarrolla este movimiento retrofuturista en México?

J.S.- “El mérito corresponde al jalisciense Daniel Malagón o ‘Lukyan Corvinus’ con el Foro Steampunk México, primera comunidad que surge en el año 2010, presentada oficialmente en junio del 2011, en el marco del evento “Cronopia, encuentro de Literatura e Historieta”, celebrado en Guadalajara”.

“En el 2011 “Lukyan Corvinus” decide dejar el steampunk creándose varias comunidades que salieron de este foro, mientras que en internet nacen varios grupos en las redes sociales y para el 2012, se presentan tres eventos encabezados por ex-integrantes del foro: La Feria Internacional Neo-victoriana en la Ciudad de México, Retrofuturismo. Steampunk México también realizado en la capital y Sueños en Ebullición en Guadalajara, Jalisco. Estos festivales, dieron paso a que se crearan comunidades en Aguascalientes, Chihuahua, Baja California, Monterrey, Puebla, Querétaro, Sonora y otros estados. Finalmente, el Festival Steampunk Ucromata, celebrado el pasado mes de julio, estableció lazos de contacto entre grupos nacionales, con el fin de difundir el Steampunk mexicano. Todo esto, se ha vivido en un breve periodo de seis años...“

H.E.- ¿Qué es FIUSSS?

J.S.- “Es una revista virtual mexicana creada en el año de 2012, bajo el slogan de “Opinión Steampunk”, fue concebida para la difusión del Steampunk en español, especialmente para aquellos materiales de autor que tienen poco alcance y contiene planteamientos que llegan incluso a oponerse a la información que comúnmente se consulta en la web. FIUSSS ha buscado generar artículos con plumas mexicanas, por ejemplo la serie de textos HAZ STEAMPUNK, NO LA GUERRA, donde se pretende analizar las ideas que comúnmente son aceptadas, comprobar su veracidad con una óptica objetiva y valiéndose del llamado método analítico planteado por el escritor Arthur Conan Doyle. Nuestros principales lectores, son de países como México, España, Estados Unidos, Argentina y Colombia”.

Brianda Zareth Huitrón y el UCRÓMATA Festival

Considerada como la gestora cultural de este movimiento, Brianda diseño un sueño… realizar el principal festival de steampunk en México.

Homo Espacios (H.E.).- ¿Cuál fue el proceso para realizar el UCRÓMATA Festival Steampunk?

Brianda Zareth Huitrón (B.Z.H.).- “UCROMATA Festival es un proyecto de difusión cultural steampunk, para realizarlo se pensó en un objetivo en común que fuera el hilo conductor de todos los artistas plásticos , escénicos y músicos interesados en este movimiento, nació como respuesta a la necesidad de expresar y llegar a otras instancias que no fueran las anteriores reuniones en cafeterías o bares muy limitados, así que se buscó un espacio cultural de renombre, donde se diera oportunidad para el surgimiento de nuevas corrientes y fuera un semillero para dar a conocer, así como atraer a nuevos públicos. Con el apoyo de la Secretaría de Cultura y el Faro de Indios Verdes se reunió el talento y por fin, se llevaron a cabo todos los preparativos para este gran evento, que además marcó un antes y un después dentro del steampunk en México”.

H.E.- ¿Cómo se eligió al talento del Festival?

(B.Z.H.).- “Ya se tenía identificado el talento de algunos artistas conocidos dentro del medio, después en vista del apoyo y la buena respuesta al Festival, se decidió hacer una convocatoria nacional. Por cuestiones de tiempo, muchos artistas y creadores del interior de la República se les dificultaba venir a la Ciudad de México, así que muchos de ellos enviaron fotografías para exposición, algunos otros llegaron a visitarnos. Después, la noticia del Festival se hizo más grande y así fue como se hizo contacto con artistas latinoamericanos como es el caso de Argentina, Costa Rica y Colombia, quienes cordialmente enviaron fotografías de su trabajo y todos estuvieron al pendiente de la información en torno al evento. La convocatoria fue totalmente abierta e integró propuestas con una alta calidad”.

H.E.- ¿Algún adelanto de la próxima edición?

(B.Z.H.).- “Ya se están proyectando muchas sorpresas para la siguiente edición, en dónde cada artista pondrá el corazón para garantizar que sea un evento inolvidable.  A los seguidores y creadores del steampunk interesados en participar, se pueden poner en contacto conmigo”.

Seffir Arte Lúgubre, creatividad colectiva

Artesanos del futuro, este colectivo proyecta la belleza del diseño lúgubre y sus obras son muy valoradas entre los retrofuturistas.

Homo Espacios (H.E.).- ¿Cómo se encuentra actualmente el diseño del steampunk en México?

Seffir Arte Lúgubre (S.A.L.).- “Aunque tal vez no es una comunidad demasiado grande, se compensa con la gran imaginación de sus participantes, a fin de cuentas, nadie puede superar la creatividad del mexicano y éste es uno de esos casos donde la calidad supera la cantidad”.

H.E.- ¿Dónde podemos conseguir tus obras?

(S.A.L.).- “Nos pueden contactar por nuestra fan page en Facebook”.

Estimados homoespacieros, les comparto los medios de contacto de nuestros tres entrevistados:

-Johannes Serpens (Sitio web). https://fiusss.wordpress.com/

-Brianda Zareth Huitrón (Feacebook).

 https://www.facebook.com/MademoiselleBriandaZareth?fref=ts

-Seffir Arte Lúgubre (Fan page). https://www.facebook.com/SeffirSmirncraft/?fref=ts

Amigos, los invitamos a que visiten www.homoespacios.com así como ver el programa Espacios Vintage de Televisión Educativa por las redes sociales tveducativamx en YouTube, Facebook y Twitter, todos los domingos a las 20:00 horas; las cápsulas “Homo Espacios” por el canal de YouTube del Noticiero México al Día PM y a escuchar las cápsulas homoespacieras dentro del programa “El Poder de la Palabra” en Radiocapital 830 AM, todos los miércoles y viernes de 16:00 a 17:00 horas. Pueden contactarme  a través de:

E-mail: glen@homoespacios.comhomoespacios@gmail.com

Twitter: @HomoEspacios / @glenrod85                                    

Facebook: homoespacios

YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCEqcZzyiOGLoUyw5Jd__H-A

 

 

 

 

 


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29-Aug-2016

Tiempos que revolucionaron al mundo, la segunda mitad el siglo XIX con su elegancia, góticos sonidos, mentes brillantes y el esplendor del conocimiento, pero visto desde el futuro… el steampunk, que para esta segunda y última entrega homoespaciera la entintamos con arte y los diversos festivales que envuelven a este movimiento contracultural, así como el cierre de las entrevistas con nuestros expertos la materia: Johannes Serpens, Brianda Zareth Huitrón y el Colectivo Seffir Arte Lúgubre.

Hablemos de arte retrofuturista, expresiones del steampunk que naciera en la literatura en los años ochenta, inspirado por escritores de la ciencia ficción del siglo XIX y que evolucionara entre las artes visuales, la música y el cine.

La historieta suele ser un gráfico ejemplo, algunas de las más famosas creaciones son The Adventures of Professor Thintwhistle and His Incredible Aether Flyer (1980), realizada por Richard A. Lupoff y Steve Stiles; el comic francés Las extraordinarias aventuras de Adéle Blanc-Sec (1976), llevado a la pantalla grande en el 2010, o en la corriente japonesa, Steam Detectives (1994) de Kia Asamiya.

Musicalmente, la rítmica del steampunk varía desde rock gótico, ópera hip-hop, dance industrial y hasta electroswing. Mientras que en el cine, algunos retrofuturistas le rinden homenaje al mago fílmico Georges Méliès, cineasta galo que creara la primera cinta de ciencia ficción Le Voyage dans la Lune (1902), pero en un contexto más acercado al steampunk, algunas referencias históricas serían los rollos Chitty Chitty Bang Bang (1968), Una invención diabólica (1958) o Master of the World (1961).

Bajo la filosofía “Hazlo tú mismo”, el diseño del steampunk ha contado con grandes artistas como el grupo Kinetic Steam Works, Five Ton Crane Arts Group o el teletroscopio de Paul St George en el City Hall de Londres.

Algunos de los principales eventos entorno al steampunk son el SalonCon (Estados Unidos), el Festival Eccentrik de música gótica e industrial (Estados Unidos), el L'Extraordinaire Uchronie (España) o en nuestro país el UCRÓMATA Festival Steampunk.

Después de conocer algo del arte en el steampunk, continuemos con nuestros tres entrevistados.

Johannes Serpens, la pluma del steampunk mexicano

Entintado representante del steampunk, Johanes es uno de los difusores más importantes de este sub-género literario en nuestro país, al involucrarse con la comunidad retrofuturista nacional con su web site FIUSSS.

Homo Espacios (H.E.).- ¿Cuáles son las principales manifestaciones artísticas en las que se involucra el steampunk?

Johannes Serpens (J.S.).- “Literariamente podemos mencionar las novelas que se consideran como las que inauguran este subgénero de ficción, como Noche Morlock, originalmente pensada como continuación de La Máquina del Tiempo de H. G. Wells y primera obra con temática Steampunk; La Máquina Diferencial, donde surge la especulación sobre la máquina analítica concebida en el siglo XIX por Charles Babbage; Las Puertas de Anubis, que trata de una fantasía mágica ubicada en Egipto o más actual, la novela gráfica La Liga de los Hombres Extraordinarios, que tiempo después llegara al cine con el título de la Liga Extraordinaria”.

“En cuanto a la escultura, consideraría la madura obra de Ring Von Bante; el arte objeto del argentino Osvaldo Sulfaro y de Gustave Morbeus; la música de Abney Park, Dresden Dolls, Rasputina, The Clockwork Quartet o Blazko Scaniglia; los diseños del Dr. Pek S´Kool; filmes como Steamboy (2004), La Máquina del Tiempo (1960), La invención de Hugo Cabret (2011) o La Mecánica del Corazón (2013)”.

H.E.- ¿Cómo aparece y se desarrolla este movimiento retrofuturista en México?

J.S.- “El mérito corresponde al jalisciense Daniel Malagón o ‘Lukyan Corvinus’ con el Foro Steampunk México, primera comunidad que surge en el año 2010, presentada oficialmente en junio del 2011, en el marco del evento “Cronopia, encuentro de Literatura e Historieta”, celebrado en Guadalajara”.

“En el 2011 “Lukyan Corvinus” decide dejar el steampunk creándose varias comunidades que salieron de este foro, mientras que en internet nacen varios grupos en las redes sociales y para el 2012, se presentan tres eventos encabezados por ex-integrantes del foro: La Feria Internacional Neo-victoriana en la Ciudad de México, Retrofuturismo. Steampunk México también realizado en la capital y Sueños en Ebullición en Guadalajara, Jalisco. Estos festivales, dieron paso a que se crearan comunidades en Aguascalientes, Chihuahua, Baja California, Monterrey, Puebla, Querétaro, Sonora y otros estados. Finalmente, el Festival Steampunk Ucromata, celebrado el pasado mes de julio, estableció lazos de contacto entre grupos nacionales, con el fin de difundir el Steampunk mexicano. Todo esto, se ha vivido en un breve periodo de seis años...“

H.E.- ¿Qué es FIUSSS?

J.S.- “Es una revista virtual mexicana creada en el año de 2012, bajo el slogan de “Opinión Steampunk”, fue concebida para la difusión del Steampunk en español, especialmente para aquellos materiales de autor que tienen poco alcance y contiene planteamientos que llegan incluso a oponerse a la información que comúnmente se consulta en la web. FIUSSS ha buscado generar artículos con plumas mexicanas, por ejemplo la serie de textos HAZ STEAMPUNK, NO LA GUERRA, donde se pretende analizar las ideas que comúnmente son aceptadas, comprobar su veracidad con una óptica objetiva y valiéndose del llamado método analítico planteado por el escritor Arthur Conan Doyle. Nuestros principales lectores, son de países como México, España, Estados Unidos, Argentina y Colombia”.

Brianda Zareth Huitrón y el UCRÓMATA Festival

Considerada como la gestora cultural de este movimiento, Brianda diseño un sueño… realizar el principal festival de steampunk en México.

Homo Espacios (H.E.).- ¿Cuál fue el proceso para realizar el UCRÓMATA Festival Steampunk?

Brianda Zareth Huitrón (B.Z.H.).- “UCROMATA Festival es un proyecto de difusión cultural steampunk, para realizarlo se pensó en un objetivo en común que fuera el hilo conductor de todos los artistas plásticos , escénicos y músicos interesados en este movimiento, nació como respuesta a la necesidad de expresar y llegar a otras instancias que no fueran las anteriores reuniones en cafeterías o bares muy limitados, así que se buscó un espacio cultural de renombre, donde se diera oportunidad para el surgimiento de nuevas corrientes y fuera un semillero para dar a conocer, así como atraer a nuevos públicos. Con el apoyo de la Secretaría de Cultura y el Faro de Indios Verdes se reunió el talento y por fin, se llevaron a cabo todos los preparativos para este gran evento, que además marcó un antes y un después dentro del steampunk en México”.

H.E.- ¿Cómo se eligió al talento del Festival?

(B.Z.H.).- “Ya se tenía identificado el talento de algunos artistas conocidos dentro del medio, después en vista del apoyo y la buena respuesta al Festival, se decidió hacer una convocatoria nacional. Por cuestiones de tiempo, muchos artistas y creadores del interior de la República se les dificultaba venir a la Ciudad de México, así que muchos de ellos enviaron fotografías para exposición, algunos otros llegaron a visitarnos. Después, la noticia del Festival se hizo más grande y así fue como se hizo contacto con artistas latinoamericanos como es el caso de Argentina, Costa Rica y Colombia, quienes cordialmente enviaron fotografías de su trabajo y todos estuvieron al pendiente de la información en torno al evento. La convocatoria fue totalmente abierta e integró propuestas con una alta calidad”.

H.E.- ¿Algún adelanto de la próxima edición?

(B.Z.H.).- “Ya se están proyectando muchas sorpresas para la siguiente edición, en dónde cada artista pondrá el corazón para garantizar que sea un evento inolvidable.  A los seguidores y creadores del steampunk interesados en participar, se pueden poner en contacto conmigo”.

Seffir Arte Lúgubre, creatividad colectiva

Artesanos del futuro, este colectivo proyecta la belleza del diseño lúgubre y sus obras son muy valoradas entre los retrofuturistas.

Homo Espacios (H.E.).- ¿Cómo se encuentra actualmente el diseño del steampunk en México?

Seffir Arte Lúgubre (S.A.L.).- “Aunque tal vez no es una comunidad demasiado grande, se compensa con la gran imaginación de sus participantes, a fin de cuentas, nadie puede superar la creatividad del mexicano y éste es uno de esos casos donde la calidad supera la cantidad”.

H.E.- ¿Dónde podemos conseguir tus obras?

(S.A.L.).- “Nos pueden contactar por nuestra fan page en Facebook”.

Estimados homoespacieros, les comparto los medios de contacto de nuestros tres entrevistados:

-Johannes Serpens (Sitio web). https://fiusss.wordpress.com/

-Brianda Zareth Huitrón (Feacebook).

 https://www.facebook.com/MademoiselleBriandaZareth?fref=ts

-Seffir Arte Lúgubre (Fan page). https://www.facebook.com/SeffirSmirncraft/?fref=ts

Amigos, los invitamos a que visiten www.homoespacios.com así como ver el programa Espacios Vintage de Televisión Educativa por las redes sociales tveducativamx en YouTube, Facebook y Twitter, todos los domingos a las 20:00 horas; las cápsulas “Homo Espacios” por el canal de YouTube del Noticiero México al Día PM y a escuchar las cápsulas homoespacieras dentro del programa “El Poder de la Palabra” en Radiocapital 830 AM, todos los miércoles y viernes de 16:00 a 17:00 horas. Pueden contactarme  a través de:

E-mail: glen@homoespacios.comhomoespacios@gmail.com

Twitter: @HomoEspacios / @glenrod85                                    

Facebook: homoespacios

YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCEqcZzyiOGLoUyw5Jd__H-A

 

 

 

 

 

22-Aug-2016

Bienvenidos al futuro del ayer, atemporalidad con estilo victoriano y el vapor de la Revolución Industrial, y que en este artículo sobre el steampunk, conoceremos algo de sus orígenes, su ideología y otras curiosidades. Además, integramos tres entrevistas con algunos representantes mexicanos de este subgénero de la ciencia ficción, desde la óptica de un antropólogo retrofuturista, una musa inventora de artilugios surrealistas y el lúgubre diseño de un colectivo.

La fascinación artística, fantástica y contracultural que envuelve a este movimiento retrofuturista, se basa en una ideología que destaca al individuo entre la masificación, critica al consumismo, destaca el valor del conocimiento, utiliza la tecnología como una herramienta artesanal y el vestuario da vida a personajes de la época victoriana.

El steampunk, nace como un subgénero literario de la ciencia ficción, influenciado por las letras tanto de Julio Verne, con sus obras Veinte mil leguas de viaje submarino (1869) o su olvidado París en el siglo XX -que fuera publicado más de cien años después, hasta 1994-, así como por H.G. Wells, que escribiera La máquina del tiempo (1895) o La guerra de los mundos (1898).

Dentro del arte escrito, toma elementos del romanticismo con su intrínseca sensibilidad; la ucronía, que se ubica en una época pasada donde algún acontecimiento sucedió de forma diferente a como ocurrió en realidad; la novela de suspenso y la citada ciencia ficción. En el steampunk, el elegante periodo victoriano converge con una simulación futurista, es donde los hijos del vapor (“Steam” en inglés) se elevan, expresiones que ligan a la ciencia con el arte, diseños de un mañana que pudo ser, testigos del ayer, la ficción en la Revolución Industrial como presente y entre líneas un pensamiento perdido: “La nostalgia de esos pasados que soñaban con futuros brillantes”.

Otras corrientes son el cyberpunk, cien por ciento futurista; el diselpunk, situado en las décadas de los años veinte a los cincuenta; el biopunk colocado a finales del siglo XX, se desarrolla durante la “revolución biotecnológica” y el Teslapunk, que homenajea al inventor, ingeniero mecánico, ingeniero eléctrico y físico de origen serbio Nikola Tesla.

Respecto a sus categorías, el steampunk cuenta con el histórico, donde el futuro es retratado por máquinas de vapor sofisticadas y ucrónicos personajes victorianos; con entorno fantástico, donde conviven criaturas mitológicas o legendarias; el steamgoth, de un corte más lúgubre y el Weird West, donde el “extraño oeste” es protegido por vaqueros futuristas.

Después de esta introducción, en Homo Espacios realizamos un especial sobre el steampunk, donde entrevistamos a tres representantes mexicanos de este movimiento contracultural y subgénero de la ciencia ficción.

 

Johannes Serpens, el antropólogo del steampunk

Licenciado en Derecho por la Universidad Nacional Autónoma de México, este antropólogo del retrofuturismo es director de la revista virtual de Steampunk FIUSSS y un experto de la onomatopeya de la salida del vapor a presión.

Homo Espacios (H.E.).- ¿Cuál es la ideología del steampunk?

Johannes Serpens  (J.S.).- “Muchos atribuyen su esencia ideológica a Bruce Sterling, coautor de la novela La Máquina Diferencial, obra considerada como uno de los pilares del Steampunk literario con su ‘Guía de usuario del steampunk’”.

“El Steampunk busca desde su especulación de un alternativo siglo XIX, realizar un ejercicio de revaloración de lo humano, destacando atributos como: voluntad, inteligencia y habilidad manual, elementos que son destinados a tareas de transformación del entorno y respecto al consumismo, el steampunk no se opone, más bien propone un consumo racional”.

H.E.- ¿Quiénes son los principales representantes de este movimiento?

J.S.- “Algunos personajes destacados por cuyas venas corre el vapor y que tengo a la mano son: Daniel Malagón o mejor conocido como “Lukyan Corvinus”, única persona que eligió retirarse conscientemente del steampunk nacional, no obstante, su trabajo por introducirlo a México dio forma a la primera comunidad virtual en nuestro país; Sebastián Mires y Silvia Cantú de Steampunk Monterrey, administradores de las primeras comunidades formadas después de la fragmentación del Foro Steampunk México”.

“Respecto a las genialidades internacionales, se encuentran: el destacado escritor inglés Alan Moore, creador de la novela gráfica La liga de los Hombres Extraordinarios (1999); Bruce Sterling, activista estadounidense de los medios informáticos y coautor de la novela La Máquina Diferencial; Alexander Peña, Andrés Felipe Cardona Peña y Carmen Alicia Guaracao, administradores de la comunidad Steampunk Colombia o el escritor Félix J. Palma, autor de la Trilogía victoriana”.

Continuará…

Brianda Zareth Huitrón: La musa retrofuturista

Diseñadora de moda, modelo y directora del UCRÓMATA Festival Steampunk, celebración que reunió a más de treinta artistas en el Foro Indios Verdes de la Ciudad de México el pasado 9 de julio.

Homo Espacios (H.E.).- ¿De dónde surge tu interés por este movimiento retrofuturista?

Brianda Zareth Huitrón (B.Z.H.).- “Todo comenzó desde el momento en que me sentí identificada con la belleza y nostalgia por las épocas pasadas, en especial de los estilos como rococó, barroco, victoriano, eduardiano, el art noveau, y el art decó; cada detalle que retorna en el tiempo, tal como apreciar detalles en piezas de antigüedades, obras de arte, la música, la literatura, el romanticismo, el imaginario de los grandes genios y científicos de antaño, los grandes inventos que transformaron el mundo, los mecanismos de relojes, las primeras máquinas de vapor, en sí toda la atmosfera del pasado, la encontré en éste movimiento cultural, ya que no sólo retoma el pasado, sino que lo reconstruye con un toque contemporáneo de tecnología y ciencia ficción, que dio como resultado algo totalmente nuevo y atemporal, algo surrealista. Cuando lo conocí me inspiré totalmente y me enfoque en la proyección visual del steampuk, ya que reúne todos los elementos que me atraen”.

H.E.- Platícanos sobre tu faceta como diseñadora y modelo dentro del steampunk

B.Z.H.- “Es importante mencionar que en el steampunk se vive el papel de un personaje con toda una historia que con el tiempo se va construyendo, en lo personal mi creación es un álter ego, por así llamarlo, de una dama victoriana que puede viajar a través de los tiempos… Mademoiselle Zareth es una inventora de artilugios extraños y surrealistas, a través de éste personaje, también llevo mi faceta de diseñadora Steampunk, ya que lo relaciono con las piezas de arte objeto que realizó, así como a los diseños de vestuario y tomando esto es que yo misma modelo mis creaciones, ya que como lo mencioné, la idea es recrear totalmente un personaje del cual me pueda dar a conocer como diseñadora y a la vez divertirme. Es apasionante cuando realizo proyectos pensando en esta idea, estar dentro de una historia de ciencia ficción, ya se sabe que no hay límites para la creatividad, también llevo a cabo proyectos y pedidos especiales para quien encargue, ya que cada diseño es único y lleva un trabajo muy artesanal en cada pieza”.

“Actualmente estoy trabajando en mi marca independiente de diseño y estoy interesada en llevar proyectos de producción y difusión cultural dentro de este movimiento Steampunk para llegar a nuevos públicos”.

Continuará…

Seffir Arte Lúgubre: Química por el diseño

El Colectivo Seffir Arte Lúgubre, lo conforman Yamel Valenzuela y José Luis Suastes, pareja de químicos multidisciplinarios que realizan facepainting, vestuario, accesorios, arte objeto, escultura y fotografía, enaltecimiento del Día de Muertos con el steampunk, reflejando su amor por la ciencia y la tecnología desde un lado creativo con un artístico toque lúgubre.

Homo Espacios (H.E.).- ¿Cuándo inició esa química con el arte retrofuturista?

Seffir Arte Lúgubre (S.A.L.).- “Nuestra "química" por el arte retrofuturista inició mientras estudiábamos precisamente en la Facultad de Química de la UNAM, en el steampunk encontramos la manera de poder crear arte sin dejar nuestra alma científica, logramos una simbiosis utópica entre ciencia y arte”.  

H.E.- ¿Qué tipo de creaciones realizan?

S.A.L.- “Creamos vestuarios, accesorios, fotografía y arte objeto”.

H.E.- ¿Quiénes han sido sus principales influencias artísticas dentro de este movimiento?

S.A.L.- “Nuestra principal influencia ha sido Leonardo Da Vinci, que aunque no se le considera steampunk propiamente, sus bocetos de máquinas adelantadas a su época nos han inspirado mucho”.

Continuará…

Estimados homoespacieros, no se pierdan la segunda parte de este especial retrofuturista, donde conoceremos algo sobre las distintas manifestaciones artísticas donde se involucra el steampunk, algunos festivales y el cierre de nuestros tres entrevistados, pero mientras tanto, les comparto algunos enlaces dentro de la web:

-Steampunk (Reportaje). https://youtu.be/O4U1gAjsA5U

-Steampunk: Anacronismos en el arte del s XIX (Charla). https://youtu.be/ty6UcwL0r60

-Fanboy Confessional – Steampunk (Reportaje). https://youtu.be/RU43ayoBrvw

-SteamPunk Anything. Nerf Gun (Diseño). https://youtu.be/we0HMFxYziY

Amigos, los invitamos a que visiten www.homoespacios.com así como ver el programa Espacios Vintage de Televisión Educativa por las redes sociales tveducativamx en YouTube, Facebook y Twitter, todos los domingos a las 20:00 horas; las cápsulas “Homo Espacios” por el canal de YouTube del Noticiero México al Día PM y a escuchar las cápsulas homoespacieras dentro del programa “El Poder de la Palabra” en Radiocapital 830 AM, todos los miércoles y viernes de 16:00 a 17:00 horas. Pueden contactarme  a través de:

E-mail: glen@homoespacios.comhomoespacios@gmail.com

Twitter: @HomoEspacios / @glenrod85                                    

Facebook: homoespacios

YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCEqcZzyiOGLoUyw5Jd__H-A

 

 

 

 

 

 

15-Aug-2016

Sonidos fantásticos de cinco representantes de la música en el cine de ciencia ficción, es lo que preparamos para esta tercer entrega sobre bandas sonoras originales (BSO), donde uno de los pioneros líricos del cine sonoro, nos armonizará con su única creación en la pantalla grande; una trilogía referente de este género fílmico revolucionará nuestros sentidos con su lírica incidental; conoceremos algo sobre la faceta cinematográfica del “Duque Blanco”; viajaremos en el tiempo con los ecos entintados de una saga muy conocida de los años ochenta; mientras que un Maestro de los acordes galácticos en el séptimo arte, cerrará este artículo homoespaciero.

Adentrarnos a la ficción es una de las mejores formas de interpretar la realidad, mensajes con ciencia que interpretan nuestras emociones cuando los sonidos hablan por sí mismos, filosofías proyectadas en la pantalla grande para abrir los ojos, prestar atención al hoy para permitir que llegue un mañana, genialidad que fusiona con gran exactitud el séptimo arte,

Dentro de la historia fílmica, en el cine mudo Le Voyage dans la Lune (1902) de Georges Méliès es el referente de la ciencia ficción, y con la llegada del sonido, este género fílmico se convirtió en clase B o de bajo costo, por ahí se veían algunos seriales de Buck Rogers y Flash Gordon a inicios de los treinta, pero fue King Kong en 1933, el que abriera el camino a este género de la pantalla grande, además de ser el primer largometraje estadounidense.

Seleccionar algunos de los principales representantes sonoros en la ficción científica cinematográfica, no fue sencillo, así que esperemos te agrade nuestra elección homoespaciera.

Arthur Bliss y sus sonidos futuristas

Sir Master of the Queen's Music, Director Musical de la BBC, creador de innovadoras piezas como Concierto para voz de tenor sin letra, piano y cuerdas o la pictórica Sinfonía de los colores, este gran compositor británico, fue el encargado de musicalizar una de las iniciales joyas del cine sonoro en lo que a su lírica respecta… Things to Come (1936), único filme donde participó el Maestro londinense.

Respecto al filme, contó con un guion adaptado de la novela The Shape of Things to Come (1933), realizado por el mismo H.G. Wells, bajo el lente del cineasta estadounidense William Cameron Menzies que narra el holocausto de una guerra mundial en su futuro temprano… el año de 1940 con el anhelo de paz en una humanidad amenazada, 26 años de masacres, del cual nace una nueva sociedad y que ya para el año 2036, no existen armas pero sí inconformidad hacia un gobierno tecnócrata, muestra un viaje lunar y el mensaje de supervivencia que se menciona al final de este rollo, ejemplifica de alguna manera la cara de la ambición: “El hombre debe aspirar a vivir feliz, pero la humanidad debe aspirar siempre a llegar más allá. Un día la Luna, otro los planetas… y luego, las estrellas”.

 

Matrix y los revolucionarios ecos de Don Davis

Referente fílmico de la ciencia ficción vanguardista, ese cibernético mundo concebido en la mente de los hermanos Wachowski y que inmortalizara al actor canadiense Keanu Reeves en su papel de Neo. Reflejo de un mundo que vive de simulaciones, dominado por máquinas y donde permanecer a la mentira, es para muchos… mejor que despertar.

El encargado de comunicarse con las emociones audibles de toda la trilogía, fue el compositor estadounidense Donald Davis Romain, creativo del Original Motion Picture Score de este filme y quien lograra integrarse a la Matrix, por un proyecto anterior con los Wachowski, la cinta de 1996 Bound.

David Bowie y su legado cinematográfico

David Robert Jones, el alienígena del art rock “Ziggy Stardust”, el “Duque Blanco”, entre otros alter ego, fue un ícono también para la ciencia ficción, un ejemplo reciente es el tema “Starman”, que se escucha en el filme The Martian (2015) protagonizado por Matt Damon.

En su carrera, Bowie actuó en 36 películas, algunas de las más recordadas son Labyrinth (1986), donde protagonizó a Jareth the Goblin King, fue el Poncio Pilato en La última tentación de Cristo (1988), Andy Warhol en Basquiat (1996) o Nicola Tesla en The Prestige (2006).

Muchos fueron los aportes de este célebre artista británico al mundo fílmico, el singular groove de “Fame ’90” formó parte del soundtrack de Pretty Woman (1990), en Inglourious Basterds (2009) se escucha “Cat People”, y más acercado al género de la ciencia ficción, su principal composición es “Space Oddity”, que ha sido utilizado en varios filmes y fue el tema oficial del aterrizaje en la Luna por el Apolo 11.

Back to the Future y la genialidad de Alan Silvestri

Tan solo escuchar el tema original emociona, eso sin mencionar la música incidental que integra el rock, R&B y una edición de sonido impecable en toda la trilogía (1985, 1989 y 1990), genialidad audible realizada por el compositor y director de orquesta estadounidense Alan Anthony Silvestri, que nos hace viajar con su banda sonora junto al “Doc” Emmett Brown (Christopher Lloyd) y Marty McFly (Michael J. Fox) de la década de los ochenta a los cincuenta y en el tablero del DeLorean, otra fecha… 21 de octubre de 2015 a las 16:29.

Silvestri, quien solo cuenta con dos nominaciones a los Oscar y dos a los Premios Grammy, ha musicalizado otras películas emblemáticas como Forrest Gump (1994), Depredador (1987), Depredador 2 (1990), Contact (1997) o Polar Express (2004).

John Williams Maestro de la lírica fílmica galáctica

Padre de la banda sonora original de toda la saga de Star Wars, donde se escucha una fuerte influencia del romántico tardío del afamado director de orquesta alemán Richard Strauss, así como de los pioneros en la composición musical cinematográfica hollywoodense Erich Korngold y Max Steiner, es la Guerra de las Galaxias, la que regresa la música de cámara a la pantalla grande con el profesionalismo de la Orquesta Sinfónica de Londres.

En total, más de quince horas de duración… y lo que le falta al emperador del cine de ciencia ficción, mientras que su director orquestal, acumula más de cincuenta nominaciones al Oscar, de las cuales obtuvo cinco y ha realizado la banda sonora de más de cien películas, entre las que destacan títulos como Tiburón, E.T.: El extraterrestre, Superman, Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, Harry Potter o Inteligencia Artificial.

Estimados lectores de Homo Espacios, les comparto los enlaces cinco temas originales de estos genios de la música con ciencia ficción… y que “la lírica los acompañe”, digo:

-Things to Come (Arthur Bliss). https://youtu.be/JPPB90N_4nk

-Matrix (Don Davis). https://youtu.be/LSrxtiFanHE?list=PL505114E182286752

-“Space Oddity” (David Bowie). https://youtu.be/cYMCLz5PQVw

-Back to the Future (Alan Silvestri). https://youtu.be/MPphWCr4ba8

-Star Wars (John Williams). https://youtu.be/bxhrgCyl6Og

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08-Aug-2016

Las costas guerrerenses cuentan con varios arenales aún vírgenes, sitios donde el lujo es otorgado por la propia naturaleza y tradiciones resguardadas desde hace varias centurias. Tres destinos que muestran la belleza de la antigua Zihuatlán: el primero, es el último poblado de la Costa Chica en el Estado de Guerrero, el “Municipio Negro” le llaman, ya que la mayoría de sus pobladores son afrodescendientes, sus playas tan bellas que hasta el mar se pone bravo, ahí se bailan las chilenas, festivos sones que suenan bajo la sombra de una parota y en la “artesa”, el zapateado con desvelos de fandango; en Costa Grande, una hermosa laguna tipo estuario es el capricho natural de Técpan de Galeana, sus visitantes acampan en la playa y en la noche, un espectáculo cósmico con sonidos marítimos; mientras que nuestro tercer embeleso, es una tranquila playa que se encuentra a diez minutos del pueblo de Copala, allá por el “Faro de piedra”, se distingue por sus pintorescas casas, restaurantes rústicos y un ambiente digno para dejar la piel cobriza.

Lo que escondes agraciado estado costeño, más allá de tus hijos asesinados injustamente, lágrimas de impotencia ante tanta impunidad, dolores de un pueblo que aun así… ¡sonríe, danza y canta!, lejos de la conveniencia política, fuera de invasores que intoxican a tu gente, apartado de la violencia y el racismo se escucha el “Sabor a mar, residuos de arena… besos de mi hermosa morena”, al son de una chilena de Costa Chica. Trigueños arenales, nubes carmesí, mestizaje cultural, el vicio de bailar, atardeceres tan tuyos, honor, canción y caricia, eres… ¡Guerrero!

La belleza de lo intacto, naturaleza que muestra la pureza de su gente y que en esta ocasión, mencionaremos tres de sus escondidos destinos: Cuajinicuilapa, la antigua “Isla de Pájaros” y Playa Ventura.

Cuajinicuilapa y sus afrodescendientes

Dicen que llegaron por el Nao Chino, ese que navegaba de las Filipinas al Puerto de Acapulco, marcados como mercancías del virreinato español, algunos eran cimarrones y otros explotados en haciendas desde el siglo XVI, la razón, una cruel epidemia que sacudió a nuestra ancestral raza, casi sin indígenas, los esclavos traídos de áfrica eran la mano de obra barata en la provincia de Ayacastla, localidad convertida en uno de los principales centros ganaderos y textiles.

Tiempo después, Don Mateo Anaus y Mauleon ofrecía protección a los esclavos africanos que escapaban del abuso de los españoles, a cambio de que trabajaran para este hacendado de la Costa Chica.

La segregación pronto se hizo notar, los blancos con enormes casonas y los hermanos de piel obscura en un “redondito” o casa de zacate, pero el mestizaje entre ibéricos, africanos e indígenas también llegaría a estas tierras, mientras que el latifundio Miller (fábrica de jabones, cría de ganado y siembra de algodón), se extendía en este poblado a finales del siglo XIX.

Cuajinicuilapa, el pequeño África mexicano cuenta con playas agitadas por su encanto virginal, la laguna de Santo Domingo con sus etéreos manglares o la Barra de Pío, donde los pescadores montan viviendas mientras la temporada deje peces.

En San Nicolas, las fiestas con danzas como la Conquista, los Diablitos o el Torito; en los fandangos, la celebración dura hasta tres días, en los que muchos de sus habitantes no paran de bailar y entre algunos de sus ecos se encuentran el son de cajón, el de artesa o la popular chilena.

El Museo de las Culturas Afromeztisas o de la Tercera Raíz, resguarda varias piezas de aquellos primeros hermanos africanos que fueron esclavizados por los españoles en el periodo virreinal.

Respecto a su gastronomía encontrarán las delicias del África a la mexicana, como el Caldo de Machuco, Tamales de carne cruda, Barbacoa de armadillo y otros exóticos platillos.

La Laguna Míchigan y el capricho de la antigua “Isla de Pájaros”

Originalmente su nombre era “Isla Pájaros”, pero desde hace más de veinte años, después de un huracán, unos extranjeros la bautizaron como laguna Michigan, por su parecido al homónimo estado estadounidense.

El acuático edén guerrerense, es un capricho de la naturaleza, ya que es bañado por el rio Técpan con una barra que divide a esta laguna con el mar de Costa Grande, brindándole diferente forma dependiendo la estación del año en que se visite.

Considerado como un santuario natural, entre los manglares podrás ver diversos tipos de aves en medio de su vegetación tropical, el destino solo cuenta con un modesto hotel en la Técpan de Galeana, pero lo acostumbrado es acampar en algunas de las enramadas entre la laguna y el mar, disfrutar de un delicioso pescado a la talla que preparan en pequeños establecimientos.

En la noche, te recomendamos encender una fogata, usar un poderoso repelente de mosquitos, disfrutar del sonido del mar y un cielo completamente estrellado a la luz de la luna.

Playa ventura Relajación costeña

Hacia Pinotepa Nacional, a 150 kilómetros de Acapulco, se encuentra esta cautivadora playa que fue fundada por la Familia Ventura, un rinconcito guerrerense que presume sus arenales intactos de los grandes complejos turísticos, coloridas casitas, hoteles boutique, restaurantes económicos con exquisitos platillos y el tranquilo oleaje que acaricia los calurosos arenales, es la opción perfecta para broncearse y darse un chapuzón en el mar.

Famoso por ser el sitio donde las tortugas dejan sus huevos, Ventura cuenta con unas místicas cuevas en la Bahía Casa de Piedra, una linda laguna donde puedes hacer kayak, cabalgar por la costa o disfrutar de las distintas muestras gastronómicas, artesanales y artísticas que ofrecen los lugareños.

El encanto nocturno suele vivirse en la playa, donde se realizan lunadas con sonidos de reggae, pescados cocinados en una fogata, y si tienes suerte, alguna joven belleza que acompañe tu desvelo.

Estimados homoespacieros, les comparto algunos enlaces para que continúen el recorrido por estos tres escondidos paraísos guerrerenses:

-Cuajinicuilapa (Pueblos Afromexicanos). https://youtu.be/QygIji-rGbI

-Laguna Míchigan. https://youtu.be/1kDj4pPMCnk

-Playa Ventura. https://youtu.be/NI6WRJuWGII

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01-Aug-2016

Cuarta entrega de los femeniles encantos fílmicos, divinas artistas del séptimo arte, de quienes para este artículo, mencionaremos a dos afamadas actrices del cine silente. La primera, considerada como la “Reina del cine mudo”, la inocente imagen de esa “Chica de los rizos” en un melodrama que iría más allá del guion, con una infancia sin padre y en la escasez económica, su temprana aparición en la pantalla grande, tres matrimonios, uno de los pilares de la United Artistist, co-fundadora de los AMPAS, dos premios Óscar, más de 200 películas y un depresivo declive que llevo a la “Novia de América” al aislamiento total. Mientras que nuestra segunda diva, fue una seductora vamp conocida como la joven “It”, quien sufriera en sus primeros años el abuso emocional y físico en una familia disfuncional, la psicosis de su madre, un padre alcohólico, el rechazo social del género femenino desde niña, ella… la rechazada de Hollywood que abarrotaba las salas de cine, amante de famosos, inspiración para la caricatura de Betty Boop, un escándalo mediático de los años veinte, su intento de suicidio y la pesadilla de un insomnio que la devastó. 

La fama, aparentemente, es una de las “glorias” que más obsesionan al ser humano. Sin embargo su entre líneas, en repetidas ocasiones, es tan doloroso que solo la simulación sirve como consuelo. El capricho por tener todo es la quimera de aquellos que se sienten en la nada, una tramposa confusión de poseer al crear, aunque la verdadera plenitud de un artista es cuando imprime su esencia a la obra que ejecuta, un éxtasis que recorre el cuerpo, un divino placer expresado por emociones tan profundas que elevan, apasionan y curan al interno.

La maravilla del silencio es lo que conduce el ritmo de la inspiración, una interpretación de la belleza significativa, secreto para la invención artística, conexión de lo intangible y que en el cine, le otorgara las bases para su éxito. Ahí donde el guionista, director y actor proyecta un psicoanalítico “sin decir”, mientras los rollos suenan el andar del celuloide.

Así, el interpretar lo “no dicho” es uno de los talentos que solo la mujer logra transmitir, vestidas por la fascinación, las féminas fueron el imán de esta industria, más allá de sus atributos físicos, su arte es el verdadero hechizo de la pantalla grande. Algunas mostraron la pureza en una tierna interpretación y, otras, se burlaban de la hipocresía con una insinuante arrogancia en su actuación… ¡Divas! les llaman, y dos claros ejemplos son: Mary Pickford y Clara Bow.

Mary Pickford: La reina del cine mudo

Hija mayor del matrimonio entre John Charles Smith y Charlotte Hennessey, Gladys Louise Smith nació un 8 de abril de 1892 en Toronto, Canadá; tenía dos hermanos menores, Lottie y John Charles Jr.

A la edad de seis años, el señor Smith, quien tenía problemas con la bebida, abandona a la familia y al poco tiempo, fallece en un accidente de trabajo dentro de un buque a vapor. La apretada situación financiera provocó que la pequeña Gladys, con tan solo siete años iniciara su carrera artística con dos pequeños papeles, que su madre le consiguió en una compañía de teatro local.

La llamada “Baby Gladys”, viaja sola a Nueva York para conseguir empleo con el productor escénico David Balasco, quien la bautizó artísticamente como Mary Pickford en 1907, y para 1909, la joven Pickford consigue su primer papel fílmico en los Estudios Biograph de David W. Grifith, en la cinta The Violin Marker of Cremona, que dio paso a 52 cortometrajes más donde apareció la novel actriz del cine silente.

En 1911 se casa con el joven actor Owen More y según cuentan algunos biógrafos, la joven pareja sufrió la pérdida de su hijo, dejando a Pickford sin posibilidades de embarazarse nuevamente, aunado al alcoholismo violento por parte de More, poco a poco desbarató su matrimonio.

Nombrada como la “Novia de América”, la inocente chica de los rizos de oro se posicionó como una de las actrices mejor pagadas de Hollywood en 1914, con su prototipo erótico de niña buena. Un año después, ya era la dueña de su propia productora, con la que realizó grandes cintas como The poor little rich girl (1917) y Rebbeca of sonnybrook farm (1917).

La célebre United Artist, fundada el 17 de abril de 1919 por Chaplin, Fairbanks, D.W. Griffith y Pickford, fue también el inicio del romance con Duglas Fairbanks, uno de los galanes hollywoodenses que dejó a su esposa e hijos para casarse en 1920 con la belleza más exitosa de la época… Mary Pickford, quien en 1923 contrata al reconocido director alemán Ernst Lubitsch para rodar Rosita (1923).

Fairbanks y Pickford, considerados como la realeza de Hollywood, grabaron juntos la cinta La Fierecilla Domada (1929) y prácticamente dominaron la industria en los años veinte.

Después de la muerte de su madre en 1928, la “Reina del cine mudo”, cayó en una profunda depresión, dejó atrás la imagen de chica ingenua e interpretó el papel principal de Coquette (1929), primera cinta sonora protagonizada por una mujer, con la que ganó el Oscar a Mejor Actriz. Paradójicamente, este rollo fue la cima desde donde vislumbró su caída, ya que solo realizó tres cintas más, de las cuales, Secrets (1933), fue su última película, dedicándose posteriormente solo a la producción y en 1976 recibió un Oscar Honorífico

El fallecimiento de su madre, la muerte de sus hermanos, la exigencia del nuevo cine sonoro y el divorcio con Fairbanks en 1936, detonaron inestabilidad emocional y un creciente problema de alcoholismo en la “Novia de América”.

En 1937 contrae matrimonio por tercera vez -con Charles Rogers-, doce años menor que ella, adopta dos hijos, quienes comentaron en algunas declaraciones que sufrieron la carencia de amor maternal, un estado constante de depresión, intentos de quemar sus propias películas por el temor de que la chica de los risos fuera olvidada y un aislamiento total en el cuarto de su mansión de Beverly Hills, con el embriagante aroma de la soledad, todo ello provocó que un 29 de mayo de 1979, Mary Pickford falleciera en el Hospital de Santa Mónica a causa de un derrame cerebral.

Clara Bow: La Vamp

Neoyorquina del barrio de Brooklyn, Clara Gordon Bow fue la única hija que sobrevivió del complicado matrimonio entre Robert Bow y Sarah Gordon, ya que sus dos hermanos murieron al nacer.

En una entrevista, Clara comentó que su madre le dio la vida entre una de las peores oleadas de calor que ha sufrido Nueva York, el médico recomendó a la señora Gordon que no se embarazara de nuevo, bajo la amenaza de que el producto no se lograra. Con todas las probabilidades en contra y en la lucha por vivir… Clara Bow, vino al mundo sin un registro o fecha exacta, algunos documentos de la época indican que nació en 1905, aunque existen otras versiones de que fue en 1907.

Miseria, el dolor de un padre que ahogaba el desamor de su mujer en alcohol y golpes, fue lo que vivió la hija de los Bow. Algunos de los tristes recuerdos de sus primeros años fueron vestir ropas desgastadas, usadas y viejas; la descuidada niña de la colonia, que provocó rechazo y burlas por parte de las infantes vecinas de su cuadra, aunque fraternizó mejor con los chicos. Su mejor amigo era el pequeño “Johnny”, a quien vio morir entre sus brazos después de sufrir graves quemaduras en un incendio.

Los inicios de su carrera artística fueron en un concurso publicado por la Fame and Fortune, que daría un pequeño papel en la película Beyond the rainbow (1921) a la joven más bella.  Clara, que a sus 16 años era una amante el atletismo decidió participar, un amigo de su padre le tomo dos fotografías, a ella no le agradaron pero ya estaban pagadas y las entrego en la oficina de esta revista.

Ganadora del mediático certamen de belleza, grabó con mucha emoción sus primeras escenas fílmicas, pero su decepción fue cuando la Paramount Records decidió eliminar su participación en la edición final.

En aquel año, la madre de Clara se cayó de un segundo piso. Después del incidente, la señora Grodon sufría ataques de epilepsia y una terrible psicosis; la gravedad de su estado hizo que Bow despertara en una ocasión con un cuchillo en su garganta, con amenazas de muerte por parte de su madre al considerarla una prostituta por querer ser actriz. En 1923, Sarah Gordon fallece y Clara se siente culpable de la muerte de su madre por su decisión de ser artista.

El debut de Bow fue en el filme Down to the Sea (1922), donde obtuvo buenas críticas a pesar de ser considerada como una mala película, participó en Maytime (1923) y en 1924, formó parte de las trece famosas Baby Stars de la Western Association of Motion Pictures Advertisers.

La película Mantrap (1926) fue su primer éxito, aunque el filme por el cual sería recordada fue It (1927), dirigida por Clarence G. Badger, el sexual “Ello” en español que atraía tanto a hombres como mujeres y que la colocó como la “vamp” fílmica de la época. También formó parte del elenco de Alas (1927), primera cinta en ganar el galardón de los AMPAS.

Apodada como la “Chica it”, la actriz neoyorkina tuvo algunos amoríos con varios famosos de la época; las artistas hollywoodenses la veían como una amenaza para su vanidad y temían que sus esposos cayeran en los encantos de la Bow, tanto, que la Paramount incluyó un bono de moralidad en su contrato. En poco tiempo, la hipocresía del miedo llego a tal grado, que su secretaria vendió historias a los periódicos tachándola de promiscua por acostarse con todo un equipo de futbol de la Universidad de California, lo cual llego a los juzgados declarándola inocente, entre algunos otros chantajes mediáticos.

Bow, con el desprecio de su propio género y la afinidad con los varones, contrae matrimonio con el reconocido actor de películas del viejo oeste, el vaquero fílmico Rex Bell un 3 de diciembre de 1931, con quien tuvo dos hijos, Tony y George.

La película Hoop-La (1933) fue el cierre de su carrera como actriz. Al concluir este rollo, Rex le solicitó que dejara de actuar. Algunos biógrafos afirman que esto fue un preventivo por los rumores pasados de Clara, así como por la carrera política que comenzaba Rex Bell, quien posteriormente llegó a ser Gobernador de Nevada.

Los terribles traumas de su niñez, humillantes acusaciones en su periodo como actriz, un terrible insomnio que empeoraba día a día, el sufrimiento de dejar su carrera artística, la muerte de su esposo Rex Bell en 1962 y una afectación cardiaca que nunca fue detectada, hicieron que el corazón de la “Chica it” se detuviera un 27 de septiembre 1967.

Estimados homoespacieros, les comparto los tradicionales enlaces de estas dos divas del cine silente:

-Mary Pickford (American Hollywood History Documentary). https://youtu.be/NDZLfhs5gLQ

-Rebecca of sunnybrook farm (1917). https://youtu.be/z7qCmBGPFYw

-Coquette (1929). https://youtu.be/ishTSGFPuKM

-Clara Bow (Documental). https://youtu.be/xCMn-FEVYV8

-It (1927). https://youtu.be/S4MOQSRC_bM

-Call Her Savage (1932). https://youtu.be/iCIZgrvmT58

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25-Jul-2016

Dos encantos tropicales de Sudamérica embelesan la homoespaciera magia de América, donde el suspiro de la perla del caribe venezolano nos deleitará con su gastronomía marítima, insular encanto con arquitectura colonial, famoso destino del windsurf, 17 hipnóticos arenales, la belleza de sus mujeres y más; mientras que nuestro segundo regodeo, es un Parque Nacional ubicado en la capital del estado de Magdalena, cubierto de selva, una playa al natural y paisajes quiméricos.

Las fronteras solo existen en la mente del humano, naturalmente éstas barreras no existen, así afirmaba el primer hombre que cruzó la ionósfera al admirar nuestro planeta… aún azul. La agresión acelerada de tóxicos ambientales, el calentamiento global y el aumento de basura no renovable, son una preocupación mundial, ya que el fin de los días de la humanidad o el de nuestros descendientes, dependerá de lo que hagamos hoy.

América, belleza continental que integra varios ecosistemas, culturas, tradiciones, historias y otras bellezas, elegimos en esta décimo tercera entrega de nuestra sección turística internacional homoespaciera, la seducción caribeña de la Isla de Margarita en Venezuela y el colombiano Parque Nacional Natural Tayrona.

 Isla de Margarita: Perla del caribe venezolano

Fue en el tercer viaje de Cristóbal Colón al entonces “Nuevo Continente”, un 15 de agosto de 1498, cuando vislumbraría por primera ocasión tierras venezolanas, tres hermosas islas que los indígenas de la entidad nombraban “paraguachoa” o “gente de mar”, pero el explorador peninsular lo bautizó con el nombre de La Asunción y en 1499, los ibéricos conquistadores Pedro Alonso Niño y Cristóbal Guerra le cambiaron el nombre por La Margarita, palabra de origen griego que significa “perla”.

Después del periodo independentista, a esta región caribeña, por su valor y similitud a la Esparta griega, se le nombró Nueva Esparta, único estado insular de Venezuela, que integra a la Isla de Coche, Isla de Cubagua, así como la imponente Isla Margarita.

El paraíso margariteño, es reconocido por ser una de las provincias más antiguas que formaron parte de la Capitanía General de Venezuela en 1777, de ahí sus fortificaciones estilo virreinal, como el Fortín La Galera en el puerto Juan Griego, sitio donde tuvo lugar la Batalla del Fuerte en 1817, gesta que fue clave para la independencia de este país sudamericano; la Iglesia del Buen Viaje, de estilo barroco, que expone el hermoso óleo “El Juicio Final” que data del siglo XVIII o el soberbio Castillo de San Carlos Borromeo, construcción militar del siglo XVII que sirviera de protección a los ataques piratas de aquellos tiempos.

Respecto a sus beldades naturales, el Parque Nacional Laguna de la Restinga cuenta con un hermoso espectáculo de fauna y flora nativa, manglares dominados por pelícanos y enormes tortugas marinas, forman parte del recorrido en lancha; 17 pálidas playas, donde se puede practicar surf, buceo o el windsurf que es el deporte acuático preferido; un recorrido aéreo al archipiélago Los Roques; así como enamorarte con el atardecer de bahía Juan Griego, lugar que según cuentan sus habitantes, debe su nombre a un capitán español que fue el primer poblador de este rinconcito caribeño en 1545; también puedes visitar la vecina Isla de Cubagua, donde podrás realizar algo de snorkeling para disfrutar de su arrecife coralino o purificarte en su laguna de fango.

La gastronomía es otra de sus delicias, ya sea que deleites al paladar con una torta de cazón, unos hervidos de pescado o un pabellón margariteño, pero el goce aún no termina, ya que entre los secretos nocturnos… las venezolanas, mujeres monumentales que danzan entre los bares de la entidad, esperan más diversión.

Parque Tayrona: Ecoturismo a la colombiana

Magdalena de Colombia, tropical destino explorado en 1499 por navíos europeos, que perteneciera en 1533 al Nuevo Reino de Granada, uniéndose como Gobernación de Nueva Andalucía, el Virreinato de Santa Fe en 1724, estado de la Nueva República de Granada el 17 de noviembre de 1831 y Estado Soberano de Colombia el 15 de junio de 1857, cuenta con un oasis selvático acariciado por el mar caribe.

El Parque Nacional Natural Tayrona, elevada a reserva ecológica por el Instituto Colombiano para la Reforma Agraria, el 24 de abril de 1964, cuenta con más de 15 mil hectáreas terrestres y 4 mil 500 hectáreas marinas, 770 especies de plantas, formaciones coralinas, litorales rocosos, manglares, lagunas y relajantes playas tropicales.

Algunas de sus atracciones son: la prehispánica ciudad de Tayrona, que en su Museo Arqueológico de Chairama en el Cañaveral, podrás enterarte de las civilizaciones milenarias que habitaron esta zona; el novelesco mirador de Cabo San Juan; La Piscina con su sector de arrecifes; practicar buceo en Bahía Concha, Naguanje o Cañaveral; un recorrido a caballo por este místico fragmento del Amazonas, o bien visitar Playa Nudista, que como su nombre lo indica, el único vestido será el adentrarte al mar caribe.

El hospedaje de este Parque Nacional colombiano, ofrece desde zona para acampar, sitio de hamacas y rústicas cabañas estilo playero, donde el sugestivo paisaje, algo de lírica insinuante, bebidas exóticas y otros femeniles regodeos, podrían ser tu realidad en esta quimera a la colombiana.

Estimados homoespacieros les comparto los tradicionales enlaces web de estos dos seductores destinos caribeños:

-Isla de Margarita. https://youtu.be/mX3f0dZ7bRM

-Parque Nacional Natural Tayrona. https://youtu.be/3ezYX4TTYTE

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18-Jul-2016

Nos adentramos entre dos beldades rivereñas de Nayarit: la primera es una mágica localidad donde el surf reina, con un ambiente relajado, nocturnales fiestas en la playa, una cálida armonía con la naturaleza y atardeceres inolvidables; nuestro segundo destino es un bohemio poblado donde la tranquilidad hospeda a sus visitantes con virginales playas, hermosos manglares, galerías de arte y que, además, contará con el primer festival de swing en México.

Más de 300 kilómetros de costa, el estado con el mayor número de playas categoría de excelencia, decorado con artesanía Huichol, el sabor marítimo en sus delicias gastronómicas, un pacífico respiro pintado con atardeceres de ensueño, hippies con estilo, dorados arenales, agitación nocturna y otros íntimos secretos… es parte de lo que encierra la Riviera Nayarit.

Algunos de sus edenes son: Nuevo Vallarta, con sus grandes complejos hoteleros, campos de golf y vida nocturna; Punta Mita, el lujo nayarita donde te puedes encontrar algunas celebridades; la quietud de Chacala, entre una abundante vegetación selvática; San Blas, con su nostálgico embarcadero; las hermosas Islas Marietas, o el pintoresco poblado de Bucearías.

Complejo seleccionar a dos bellezas naturales de esta costera del Océano Pacífico enclavada en la Sierra Madre Occidental, en esta ocasión, nuestra elección fueron los mágicos arenales de Sayulita y San Francisco.

Sayulita: Ensueños del surf

Cuentan que eran más de 100 mil antepasados indígenas distribuidos en cuarenta poblados que habitaban las costas nayaritas, eso hasta que el peninsular Fernando de Cortés de San Buenaventura, llegó a estas playas habitadas por los Tecosquines en 1524.

Virginal, con tan solo unas cuantas cabañas, la comunidad de cocoteros a inicios del siglo XX trabajaba el aceite del “coquito” en la legendaria Hacienda Jaltempa, para obtener el viscoso líquido, los trabajadores respiraban un tóxico polvo que arrancó muchas vidas en aquellos ayeres. En la década de los cuarenta, la producción del aceite de coco disminuyó notablemente y sus habitantes recurrieron a la pesca, así como a la agricultura, y fue hasta 1965, con la construcción de la carretera La Varas – Vallarta, que el desarrollo turístico inició en Sayulita

Relajación con elegancia hippie, surfistas de todo el mundo para un certamen veraniego, la leyenda del Dios de las olas “Oz”, el alivio de un atardecer que en verdad estremece,  montar a caballo a un costado del mar, avistamientos de aves en el Cerro del Mono, un recuerdo huichol o cora, bellas piezas en plata o el espectáculo marítimo de la ballena gris, son algunos de los motivos para visitar este Pueblo Mágico.

La noche anuncia sus desvelos, la causa… las mujeres, que con su piel cobriza atraen a los vagabundos caballeros a distintos bares o clubs playeros, que con un poco de suerte encontrarán, en sus entretelas, un mejor amanecer con la lírica oceánica.

San Pancho: Artístico secreto rivereño

En 1524, tras la llegada de Fernando de Cortés, San Francisco o cariñosamente llamado “San Pancho”, era conocido originalmente como Azapan, y en 1936 con la fundación de Sayulita, es que esta localidad recibe el nombre que actualmente conocemos.

Paraíso oculto de Nayarit, San Francisco es catalogado como destino cultural en esta Riviera, cuenta en su Casa de Arte con la famosa galería Haus de Kunst, entre otras exposiciones, así como una gran variedad de artesanías huicholes

Las desoladas playas con aroma floral de este rinconcito tropical, son una excelente opción para desconectarse del caos urbano, visitar sus hermosos manglares en kayak, relajarse en su pequeña laguna o recorrer en lancha las hermosas Islas Marietas, son algunas de sus atracciones.

Otras delicias que puedes saborear en “San Pancho” son: el Pescado Zarandeado, Aguachile o la famosa Lisa tatemada en leña de mangle, que te dejará chupándote los dedos.

Además, este artístico secreto nayarita será la sede del Swing Break México -primer festival dedicado a ese lírico género hot- que del 5 al 12 de marzo contará con clases de lindy hop, podrás disfrutar diversidad de tacos, cocktails al atardecer y fiestas nocturnas al aire libre con el sonido de grandes bandas como la Swing México Jazz Band, así como con la increíble multiinstrumentista, cantante y bailarina Gunhild Carling, quien puede tocar tres trompetas al mismo tiempo.

Estimados homoespacieros, les comparto los tradicionales enlaces web para que continúen este viaje por secretos de ensueño en la Riviera Nayarit:

-Riviera Nayarit. https://youtu.be/raKu3gEwE24

-Sayulita. https://youtu.be/kdm8BuPwi_A?list=PL4069B57B7CB38575

-San Pancho. https://youtu.be/LD6_TsGIKJA?list=PL4069B57B7CB38575

Amigos, los invitamos a que visiten www.homoespacios.com así como ver el programa Espacios Vintage de Televisión Educativa por las redes sociales tveducativamx en YouTube, Facebook y Twitter, todos los domingos a las 20:00 horas; las cápsulas “Homo Espacios” por el canal de YouTube del Noticiero México al Día PM y a escuchar las cápsulas homoespacieras dentro del programa “El Poder de la Palabra” en Radiocapital 830 AM, todos los miércoles y viernes de 16:00 a 17:00 horas. Pueden contactarme  a través de:

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11-Jul-2016

Artículo homoespaciero dedicado al Festival de Rock Progresivo y Jazz Fusión (FestProgJazz), que celebrará su tercera edición el próximo 16 de julio a partir de las 11:00 horas en el Foro Cultural  “Fausto Vega” de la Delegación Iztapalapa, en el que integramos: una entrevista con sus organizadores, cinco breves reseñas sobre el talento nacional de su cartel, así como los patrocinadores que formarán parte de este libre encuentro sonoro y cultural para los melómanos capitalinos.

La música, democracia perfecta ante la tiranía que actualmente azota a nuestro pueblo, un momento de alivio cuando esa composición nos toca por dentro, alguna lírica letra que nos hace reaccionar, ese místico lenguaje que nunca miente, una fraternidad de razas que hospeda a todos los tonos de piel, arte milenario de un idioma que todos podemos sentir y ante el caos, el escape de tanta podredumbre social, política y mediática que enferma.

Emancipados, locos, agitadores, rebeldes… ¡verdaderos populistas!, esos que hacen que las voces desfavorecidas se eleven en un proyecto y si es cultural, mucho mejor. El otro lado de la moneda, una escena “artística” que encuentra favores entre los monopolios del entretenimiento, el compadre funcionario, un amigo con posición o lo superficial enaltecido, tan ignorante y prostituido como de costumbre. Es verdad, lo bonito cuesta muy caro para lograr destacar, pero lo bello, se encuentra escondido en el talento auténtico, que por fortuna cuenta con ello lo independiente.

Así, con un formato comunitario, estándares realizados por la calidad artística y no la cantidad monetaria o la conveniencia del poder, es que el FestProgJazz llega a su tercera edición, para brindarnos sonidos progresivos, que aportan mucho a la escena musical de nuestra capital.

FestProgJazz: Una entrevista independiente

Desde el 2014, el Foro Cultural “Fausto Vega” de la Delegación Iztapalapa, ha sido la casa del FesProgJazz, en el que han participados distintas bandas independientes, al ser éste rockero encuentro con la síncopa, el único en su tipo de nuestro país. Mucha dedicación, un genuino amor al arte y la entrega por brindar un espacio al talento nacional inclinado a estas vertientes melódicas, son parte del gran trabajo realizado por los organizadores del festival… Mauricio Hernández Quintanar (Director artístico) y Ezequiel Mendoza Tapia (Director Estratégico), nos platican un poco de esta lírica odisea en una entrevista exclusiva para Homo Espacios:

-Homo Espacios (H.E.).- ¿Cómo ha sido el desarrollo del Festival para llegar a esta tercera edición?

-FestProgJazz.- “Hemos tenido la fortuna de integrar grandiosos compañeros de trabajo para la infraestructura del proyecto y sobre todo, nos desapegamos también de integrantes que no cumplieron con las expectativas de un equipo de trabajo autónomo. Nos encontramos con mucha emoción rumbo a una tercera edición, que con un poco menos de dos años de trayectoria, mantenemos el formato de entrada libre, con medios de comunicación aliados al espíritu del FestProgJazz, con quienes compartimos el objetivo de fortalecer la infraestructura cultural del país. Contamos con un equipo de multimedia integrado por Tania Velasco y Mónica Almereyda, el gran ingeniero de audio Marco Antonio Luis Solano y Alonso Sánchez como stage manager; mucho trabajo de scouting con el equipo de producción de Cultura Algazara, que logró elegir la cartelera de este encuentro melómano con agrupaciones de talla internacional, pero de manufactura mexicana como lo son Remi Álvarez, Mx Fusión, La Orquesta Vulgar, Parazit y Anima Tempo. Además, para esta tercera edición contamos con el enorme apoyo de tres patrocinadores oficiales: Luciérnaga Productions, Pieza Estudios y The Contemporary Music School”.

-H.E.- ¿Cuál es el proceso de selección para el talento en el FestProgJazz 2016?

-FestProgJazz.- “Abrimos una convocatoria a principios del año en redes sociales, para que las propuestas artísticas nos enviaran su press kit vía mail, nos dimos a la tarea de asistir a los conciertos de las bandas que nos enviaron sus datos y de las que hemos rastreado en la escena nacional, apegados a proyectos muy bien definidos en tendencia de mercado, tanto por la calidad de sus presentaciones en vivo como en sus composiciones, sin importar que tengan un sello discográfico que las respalde o sean independientes. Dimos una profunda leída a las carpetas de cada banda participante, en donde ellos mismos como grupo, se encargan del diseño y contenidos, así con toda esta recopilación de información, incentivamos a la creatividad de las distintas propuestas musicales”.

-H.E.- ¿Cómo se encuentra la escena del rock progresivo y el jazz fusión actualmente?

-FestProgJazz.- “La escena del jazz, hoy en día, notamos que han arropado poco a poco un espíritu colaborativo y de reconocimiento al trabajo musical de las propuestas que ya tienen trayectoria, así como de la nueva oleada de músicos que emergen a lo largo de toda la República Mexicana. Poco a poco, se nota que el jazz mexicano recibe aún más el reconocimiento a nivel nacional y deseamos que a nivel Latinoamérica sea un logro a mediano plazo y que la internacionalización sea a largo plazo, prácticamente, que el orden de los sumados no altere la suma… ¡que viva el jazz mexicano!”.

“Por su parte, el rock progresivo es una de las vertientes que más adoramos, honestamente aún no cuenta con la misma tendencia que se está desarrollando con el jazz nacional, la mayoría de las audiencias siguen teniendo un referente del rock progresivo que se hacía hace más de veinte o treinta años, con esta referencia, nos gustaría aclarar que las bandas que fueron pioneras en su momento en el 'progre' mexicano, hicieron una gran labor artística para sobrevivir y proponer tal vertiente en la época social en la que se encontraban, sin tantos medios tecnológicos para materializar su música, sin tantos espacios para tocar y sin los canales, así como medios de comunicación que hoy en día existen, pero, el gran desafío que vemos ahora es para las propuestas emergentes de rock progresivo, pues sin duda, se tiene un amplio terreno por desarrollar musicalmente, tanto en tendencia de mercado como artísticamente. Todo lo anterior, ha hecho que como producción nos cueste más trabajo a lo largo de cada edición encontrar las propuestas más contemporáneas y activas del país, sobre todo activas musicalmente hablando”.

-H.E.- ¿Cuáles son los principales obstáculos a los que se han enfrentado como organizadores?

-FestProgJazz.- “Para empezar, al comité de selección creo que ya es todo un tema -entre risas-. Luchamos por mantener el formato de entrada libre, proponer bandas nuevas, no repetir la cartelera artística y sobre todo superar las expectativas del público tan fiel a este festival”

“Por otra parte, hemos descubierto sobre la marcha que hay personas en la industria musical que trabajan bajo promesas y no ayudan mucho a la escena, así como algunos espacios públicos que parece que están manipulados a un sólo sector de “amigos”. Respecto a la escena, es un gran sueño que los cuatro pilares: medios, artistas, industria y el público, crezcan en función de un beneficio comunitario para fortalecer la infraestructura cultural del país, ahí seremos perseverantes, ante el espíritu que hemos tenido desde el principio”.

-H.E.- ¿Qué tienen preparado para el 2017?

-FestProgJazz.- “Ya hemos avanzado un poco en el próximo cartel de bandas, aunque no revelaremos las propuestas artísticas con las que ya hemos charlado, les compartimos que habrá grandes bandas para la cuarta edición. Vamos a mantener de manera perpetua el formato de entrada libre y pensamos incluir otras manifestaciones artísticas como pintura y fotografía”.

El cartel

Cinco proyectos musicales integran el cartel del FestProgJazz 2016, todos ellos mexicanos, que con su genialidad lírica sorprenderán sus oídos el próximo 16 de julio.

-Mx Fusión (jazz fusión). Cuarteto integrado por David Rosas (bajo eléctrico), Bruno Ramirez (batería), Misael Pacheco (piano) y Miguel Covarrubias (saxofón), que bajo la influencia de grandes gigantes de la síncopa como Chick Corea Electric Band, Dennis Chambers o Victor Wooten, logran reunión de sonidos frescos, delirantes y llenos de energía. Creativos del ritmo roto entrelazado con ecos latinos y algo de rock, que hasta el momento cuentan con su álbum debut Incertidumbre (2012), disco que has presentado en diversos festivales nacionales y en Rusia.  Disfruta https://youtu.be/-seyNYrfw_4 

-Parazit (progresivo). Oriundos de la “Perla tapatía”, Kello González (bajo), Christian Gómez (batería) y José Macario (guitarra), muestran una miscelánea de sonidos progresivos, que han materializado en los discos A Fractal Journey Of Light And Noise (2012) y Amateur Radio in space (2015). Escucha https://youtu.be/3OpCGh4BeKo

-La Orquesta Vulgar (jazz fusión). Jóvenes que interpretan los sonidos de calle con el groove del latin swing. Banda fundada en el año 2010 por el frenético Luis Flores (batería), Fer Santandreu con su insinuante bajo eléctrico, el Cuau Mercado para darle a las cuerdas eléctricas, Lucas Moreno en el saxofón alto de arrabal y el selecto Asaph Sánchez (saxofón tenor), que con su Víctima del Canibal (2015) provocarán la fiesta sincopada… sin inhibiciones. Gózalo https://youtu.be/Pu0V8I9788Q 

-Remi Álvarez (free jazz). Reconocido flautista y saxofonista de jazz; ha participado en diversos escenarios nacionales, europeos, latinoamericanos y estadounidenses; cuenta con once álbumes de estudio y ha formado parte de seis ensambles. Adéntrate https://youtu.be/7adEZJj7uUs

-Anima Tempo (metal progresivo)… Experimental progressive death metal, es la descripción en el press kit de esta banda integrado por Gian Granados (voz y guitarra), Dante Granados (guitarra líder), Daniel González (guitarra), Pedro Vera (bajo) y Antonio Guerrero (batería), quienes le darán la explosividad a este festival. Estalla https://youtu.be/gNuEevmozws

Los patrocinadores…

-Luciérnaga Productions: Equipo de producción en contenidos audiovisuales como video clips, comerciales, promocionales, entrevistas y conciertos. Contacto: luciernagaproductions@gmail.com

-Pieza Estudios: Sala profesional de ensayo, diseño sonoro THX, producción y post producción de audio y  proyectos musicales. Contacto: www.pieza.com.mx

-The Contemporary Music School: Centro de enseñanza integrado por profesores del más alto nivel, ofrecen certificaciones internacionales, carreras musicales con especialidades académicas, excelentes instalaciones e inclusión al mundo laboral.  Contacto: www.tcms.com.mx 

Toda la información de este encuentro con el “progre” y el jazz fusión, lo encontrarás en facebook, twitter, instagram y soundcloud  como FestProgJazz, que bajo la  producción de Cultura Algazara, el evento será de entrada libre y se realizará en el capitalino Foro Fausto Vega, recinto que abrirá sus puertas el próximo 16 de julio a partir de las 11:00 horas. La dirección es: Calle Alfonso del Toro s/n esquina con Fausto Vega en la Colonia Escuadrón 201 de la Delegación Iztapalapa -a cuatro minutos del metro Escuadrón 201-.

 

Les compartimos algunos enlaces sobre este festival, como sus organizadores señalan… “de la comunidad para la comunidad”:

-FestProgJazz (Evento). https://plus.google.com/109418687139322898782/posts/7Wzr5owME3h

-FestProgJazz (Canal de YouTube). https://www.youtube.com/channel/UC-nsQ4ZGbt877VY7QPFjYbQ 

-Festival de Rock Progresivo y Jazz Fusión 2015 (Evolución TV). https://youtu.be/2MRTSd9i-Sk

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27-Jun-2016

Aderezado con letras, el menú homoespaciero presenta en este comestible artículo tres deleites para complacer a cualquier paladar: el primero es una precolombina salsa, conocida como “mole de aguacate”; nuestro plato fuerte es una receta virreinal, que preparada al estilo Michoacán, te dejará chupándote los dedos; mientras que el complemento perfecto para este banquete entintado es una bebida de dioses, famosa por los rumbos de la “Verde Antequera”.

Séptima entrega de los sabores preferidos de Homo Espacios, y que entre nuestra reconocida cocina, preparamos un convite de letras, números y otras curiosidades. Platillos típicos ensalzados con guacamole, la delicia virreinal michoacana de las carnitas y un celestial mezcal, para digerir este gourmet festivo.

El guacamole: Salsa prehispánica

Catalogado como la salsa más popular de México, el guacamole surge entre la mitología prehispánica, cuando el dios tolteca Quetzalcoatl ofreció esta receta a su pueblo, quienes la extendieron por el territorio de Mesoamérica y era originalmente conocido como guacamol, además de que el aguacate tenía un significado erótico para los aztecas, relacionándolo principalmente a la virilidad y era recolectado solamente por los hombres.

Tradicionalmente el “ahuacamolli” o “mole de aguacate”, es preparado con aguacates machacados con chile, revuelto con cebolla y jitomate picado, un poco de cilantro, jugo de limón y sal; en la cocina colombiana suele emplearse para acompañar los tradicionales asados y en Estados Unidos se popularizó como aderezo o salsa para totopos.

Nuestro país es el principal productor de aguacate en el mundo, cuenta con 176 mil hectáreas de siembra de este producto agrícola, la mayoría se encuentran en Michoacán, Jalisco y el Estado de México, y nuestro consumo per cápita es de 6.5 kilogramos al año.

Algunas de las curiosidades musicales de esta espesa salsa, es que existe en Xalapa, Veracruz una banda llamada Guacamole, que mezcla en su molcajete rítmico el nu jazz con el hip-hop y otros sonidos urbanos.

Las carnitas: Receta virreinal

Maciza, cuerito, buche, nana, trompa, costilla, chamorro o de cualquier otra parte del puerco, las carnitas es un platillo representativo de la cocina virreinal y algunos arqueólogos del sabor, afirman que fue Cristóbal Colón, quien en su segundo viaje trajo ocho cerdos, pero la versión de Bernal Díaz del Castillo, en su Historia verdadera de la conquista de la Nueva España, documenta que después de haber aprehendido a Cuauhtémoc y a su familia, el día trece de agosto de 1521, Hernán Cortés mandó traer unos puercos desde Cuba para hacer un banquete en Coyoacán, pero el hecho, es que este platillo es uno de los consentidos de los mexicanos.

Al “estilo Michoacán” la capital gourmet de esta delicia porcina, es el municipio de Quiroga, aunque en la perla tapatía lo ocupan como el principal relleno de sus tradicionales tortas ahogadas y en Querétaro, Durango, Aguascalientes y hasta en la capital mexicana son muy apreciadas por los comensales, como menciona un dicho popular: “Las carnitas, de cabo a rabo, mi felicidad lleva tu nombre…”.

En materia de cifras, nuestro consumo anual per cápita de este cárnico es de  15.1 kilogramos, en promedio producimos 1.3 millones de toneladas, las principales exportaciones mexicanas de carne porcina es a países asiáticos, especialmente al mercado nipón y se ubican a los estados de Jalisco, Sonora y Yucatán como los principales productores.

El primer Festival de las Carnitas, se llevó a cabo del 9 al 11 de octubre del  2015 en el municipio de San Francisco de los Romo, Aguascalientes, donde se colocaron cuarenta stands con artesanías tradicionales, así como degustación de platillos y bebidas típicas de la región, talleres didácticos y espectáculos al aire libre.

Mezcal: Bebida de dioses

“Para todo mal mezcal y para todo bien también…”, dicen allá en la Verde Antequera y la leyenda cuenta que es una bebida celestial, ya que un rayo al golpear un agave, fue quien hizo la primera tatema.

El tipo de mezcal depende del maguey, el clima, la técnica de destilación y el recipiente donde se le deja reposar, ya sea tipo corriente o chaparrose, que se fermenta en cueros; el de puntas, de la primera destilación; añejo, blanco, reposado, el minero del norte, de pechuga, el de gusano o muchos otros más, y las únicas zonas donde se puede producir este ceremonial licor prehispánico es en Oaxaca, Durango, Guanajuato, Guerrero, Michoacán, San Luis Potosí, Puebla, Tamaulipas y Zacatecas.

Respecto a los números, en el 2015 se destilaron 2.3 millones de litros de mezcal y el 97.3 por ciento de la producción nacional, es realizada por el estado de Oaxaca. En materia de exportaciones, México obtiene más de 40 millones de dólares anuales de este producto y nuestro principal cliente son los Estados Unidos.

Por cierto, las dos últimas semanas de julio en la capital oaxaqueña se lleva a cabo la Feria Internacional del Mezcal, donde podrás disfrutar de esta bebida, así como participar en concursos, bailes, admirar los fuegos artificiales y disfrutar de muestras gastronómicas de la región.

Estimados lectores de Homo Espacios, les comparto los tradicionales enlaces web, para que continúen saboreando este gourmet festivo:

-El guacamole. https://youtu.be/AZKQJDm0bWM

-Las carnitas. https://youtu.be/JZbBvzj-1xI

-El Mezcal. https://youtu.be/gq9ciFK7cOo

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20-Jun-2016

Revista cultural, artística, turística y musical en la pantalla chica, que en su estructura presenta una entrada que simula aquellos programas de televisión que nostálgicamente, guardamos en nuestro recuerdo; cápsulas informativas sobre la historia de algunos géneros musicales, manifestaciones artísticas, líricas recomendaciones de álbumes y algunos destinos relacionados al tema de cada episodio; invitados de lujo, como cineastas, actores escénicos, pintores, fotógrafos, paisajistas y más; bandas en vivo que interpretan mágicamente los ecos del swing, tango, bolero, bossa nova, funk, jazz, entre otros estilos rítmicos; un sonoro bloque web y muchas otras sorpresas, es lo que integra el programa Espacios Vintage, que estrenará Televisión Educativa el próximo 26 de junio a las 20:00 horas.

Reconocer al talento independiente y brindarle un espacio televisivo, es lo que muchos artistas enfatizan en cada entrevista a la prensa cultural. Actualmente, prender el televisor es para encontrarse con acontecimientos relacionados con la violencia, asesinatos, lucha de cárteles, basura dramatizada llamada “telenovelas” y otros tantos tóxicos para humanidad.

Diversas estadísticas a nivel mundial, muestran como el internet devora de forma acelerada en los últimos cinco años a la televisión, la radio y los periódicos. El fenómeno, creo que es en gran medida ligado al hartazgo y la falta de credibilidad en los contenidos que se difunden, en una palabra, la sociedad -principalmente los jóvenes-, buscan libertad, reacción lógica ante el sometimiento y manipulación mediática ejercida desde hace muchos años.

Respecto a las preferencias, la desinformación que tanto nos rodea, muestra series sobre el narcotráfico como un renovado “Robín Hood”, que cuenta con gran aceptación ante el público; “música” de conveniencia para enriquecer a las avariciosas firmas, a quienes lo que menos les importa, es la calidad rítmica; la impotencia de la comunidad artística emancipada, ante un gran número de personas mal educadas y entiéndase lo anterior, no como un problema de conducta, más bien a un letargo cultural, que lamentablemente impone con gran cinismo, su venda ante los ojos de la audiencia.

Después de esta reflexión y con el objetivo de contribuir en materia de educación cultural, artística y musical, es que Espacios Vintage se crea, rodeado de un gran equipo.

Contenidos del ayer

Vintage, derivado del francés vendange, calificativo de una cosecha que ofrece un buen vino y que es utilizado también, para denominar prendas o accesorios con más de veinte años de antigüedad. Mientras que retro, es la adaptación, derivado o imitación de las tendencias, música, modos, modas o actitudes del pasado realizadas en el presente. En un discurso más filosófico, vintage, es una fascinación por el ayer y su importancia en materia artística, en muchos de los casos, se convierte en la fuente de inspiración para la creación de nuevas tendencias. Bajo este concepto, hablemos sobre los contenidos de este nuevo programa retro.

El proceso de guionismo, etapa creativa que se mantiene a lo largo toda la realización de un proyecto televisivo, ordena la idea de un programa, es la guía para la producción y el instructivo que determina el ensamble en la postproducción. La relevancia por las letras, logra aterrizar y dar forma a la imaginación. Así, entre textos, fue que Espacios Vintage… inició su mágica aventura.

La entrada es lo que determina si el espectador continuará observando un programa o cambiará de canal, y el mejor recurso que encontramos, era evocar el recuerdo por las series, videos o películas exitosas: La Dimensión Desconocida, Alfred Hitchcock, Soul Train, Los Años Maravillosos, la galardona película argentina Our Last Tango (2015), el clásico rollo estadounidense The Godfather (1972), el carioca tema “Cançao do mar” que aparece en la película italiana Copacabana Palace (1962), entre otros gozos audiovisuales, nos sirvieron de apoyo para presentar cada programa con una dinámica creativa, diferente para cada emisión, con un toque de humorismo y en ocasiones, con algo de sentimiento.

Las cápsulas presentadas en Espacios Vintage, integran un poco de historia rítmica, como el surgimiento, desarrollo y principales exponentes del género musical que abordamos en cada capítulo; reseñas sobre los orígenes del cine, circo, la arquitectura de paisaje, el Museo del Tiempo de Tlalpan, Foro Shakespeare o la Expo Vintage Fest, según la temática que abordamos; también viajamos a distintos destinos como el veracruzano Tlacotalpan, Pinar del Río en Cuba, la europea “Ciudad de las luces” o  la Toscana italiana.

Invitados como el reconocido periodista y Presidente de la Academia Nacional de Periodistas de Radio y la Televisión, Vladimir Galeana Solórzano; el exitoso proyecto Open Air Cinema México, liderado por la cineasta mexicana Claudia Covarrubias; el Stand up de Lissi Esnaurrízar; el conocimiento funkero del locutor Hugo Moreno; las sincopadas pinturas de Angélica Gómez o la fotografía retro de Luna Presley, formaron parte de este programa.

En la parte musical, el selecto ensamble Entretango nos adentró a la nostalgia porteña,  nos pusimos sentimentales con Rodrigo de la Cadena, Paté de Fuá nos proyectó las imágenes sonoras de su Película Muda –Primera parte- (2014), Faralae dibujó una mezcla de jazz gitano con los colores de la música francesa, el folklor acústico mundial a lo mexicano con los melómanos de Chéjere, el funk colorido de los Fiusha, rockabilly desenfrenado con Eddie y los Grasosos, así como la fiesta de la Triciclo Circus Band y otros talentos líricos, firmaron en nuestra pared vintage.

La musa

La mujer enmarcada en su mejor título… Musa, es la quimera de Espacios Vintage, representada por la voz de la sincopada locutora Alejandra García, voz acompañante en las madrugaras de Horizonte 107.9 FM y maestra de locución en MVS, por citar algunas de las actividades profesionales de Ale, pero mejor dejemos que ella nos comente sobre su personaje:

Homo Espacios (H.E.).- En tu papel de la Musa Vintage... ¿Cómo fue tu participación dentro del programa?

Alejandra García (A.G.).- “Realizo el papel de co-conductora e interactúo junto con Glen en las entrevistas, realizo ciertas escenas dramatizadas con él muy divertidas, ubico muchas veces al “Vintage man” (Glen), quien en su personaje, me vuelvo su Musa Vintage, fuente de inspiración y la única a quien puede adorar Glen. Además, participo en la recomendación del disco o artista de la semana y respecto al papel de la Musa, es todo un reto, ya que mi aparición es sólo con voz en off pero en vivo con los invitados, por lo que mi participación se vuelve mágica e interesante, al llevarlos a imaginar, escuchar y ubicarme como un ente místico…”

H.E.- ¿Cuál es la diferencia entre hacer radio y televisión?

A.G.- “De entrada, el número de personas que compone un staff de televisión no se compara con lo que vivo a diario en la radio con un sólo operador y programador. Aquí, se prepara desde semanas atrás un guion, lista de invitados y en las grabaciones, cada área realiza su trabajo a la perfección, para que el resultado final sea de excelencia para el público, ya que cada detalle, se nota a cuadro…”

H.E.- ¿Qué aprendizaje te ha dejado Espacios Vintage?

A.G.- “Estar en este programa, me ha ayudado a ampliar mi visión cultural, no sólo en lo musical, si no en distintas disciplinas como el teatro, cine, arquitectura, fotografía, danza, pintura, entre otras. Me siento orgullosa de compartir el espacio con un talentoso joven inquieto y siempre interesado en difundir la riqueza de nuestro país, así como otros fascinantes rincones del mundo… Glen Rodrigo Magaña, un viajero del tiempo…”

Rafael Nares, productor

Rafael Nares, nombrado por el equipo de Espacios Vintage como “El Mago”, quien teje con su profesionalismo cada grabación de este programa retro, en una calidad de excelencia. Considerado como uno de los mejores productores mexicanos por su habilidad en el manejo de cámaras, artesano de la televisión que liga la sensibilidad artística en imágenes con movimiento y quien en la amistad, nos otorgó la paciencia, pasión y precisión con su genialidad televisiva. Rafa, en definitiva, es el responsable de este sortilegio, que en materia de producción solo él, nos lo puede explicar:

-Homo Espacios (H.E.).- En materia de producción... ¿Qué elementos destacan en Espacios Vintage?

-Rafael Nares (R.N.).- “Antes que nada, debemos mencionar que es un proyecto lleno de retos y de una gran complejidad, en el sentido de llevar a la pantalla una mezcla muy interesante entre música y cultura, donde se realizan una serie de procesos hasta llegar a un contenido rico para el espectador”.

“Es un programa el cual cumple con elementos de producción básicos, para un resultado a la altura de cualquier televisora: pre-producción, producción, post-producción, guion, elenco artístico, maquillaje, escenografía, utilería, vestuario, audio, iluminación y edición necesarios, para enriquecer la parte creativa e idea original del mismo”.

“Dentro de la producción destacan tres sets, diseñados cada uno con su propia personalidad sin dejar de ser uno mismo: el bar, en donde nuestros invitados pueden inclusive plasmar su visita al programa, al dejar su firma sobre una pared de ladrillos; el set para musicales, decorado y adaptado como un escenario retro, con una proyección en back que enriquece la presentación de nuestros invitados; y el set de entrevistas, en el cual se les da la bienvenida a nuestros invitados, compuesto por un hermoso escritorio, librero y un sillón donde nuestro anfitrión Glen Magaña, los hará sentir como en casa y el sitio en el que nuestro público conocerá más de ellos. Cada uno de nuestros sets cuenta con una decoración muy bien pensada y analizada para transportarnos a los Espacios Vintage”.

“También, destaca dentro de este hermoso escenario, una gran iluminación, la cual está llena de contrastes de luz, cámaras que nos permiten ver diferentes ángulos visuales de nuestros invitados, pero todo esto no tendría el impacto esperado si no contáramos con un  maravilloso audio, el cual hace lucir plenamente a nuestros invitados musicales que tocan en vivo, lo cual enriquece más aun el programa, así como una dirección de cámaras dinámica y fresca”.

“Nada de esto podría llegar a un final feliz si no se tiene al talento adecuado y para ello, contamos con la conducción de Glen Rodrigo Magaña, que destaca por su frescura, amplio conocimiento en los temas y géneros musicales que componen esta, nuestra primer temporada, y ya para terminar, el complemento perfecto… una voz angelical y a la vez fuerte en personalidad, que te hipnotizará al oírla, que acompañará a nuestro conductor tanto en la conducción, como en su inspiración. Ella es nuestra querida musa, Alejandra García”.

“Pero el elemento más importante de producción dentro del programa, es cada una de las personas que hicieron con su pasión y profesionalismo este hermoso… espacio vintage”.

El estreno

Arrancamos la transmisión de Espacios Vintage por las redes sociales tveducativamx en YouTube, Facebook y Twitter. La virtual cita es a las 20:00 horas y lo mejor es que lo podrán compartir a quienes ustedes gusten.

El inaugural capítulo de Espacios Vintage, lo denominamos… “Recuerdos con el swing”, integrado por una entrada estilo La Dimensión Desconocida; cápsulas sobre la historia del reloj, datos sobre este sincopado genero hot, recomendaremos un álbum de la banda Big Bad Voodoo Daddy y viajaremos a Harlem en Nueva York; entrevistaremos a Markus Frenher, el suizo Director del Museo del Tiempo de Tlalpan y bailaremos con la compañía Swing México con música de la Calacas Jazz Band.

Aquellos que gusten verlo en televisión, la primera emisión de Espacios Vintage se realizará el viernes 8 de julio a las 23:00 horas, con repetición el sábado 9 de julio a las 21:30 horas por el canal Aprende TV, que encontrarán por la Red Edusat 24, 412 de Izzi y 166 de Total Play. Además, se tiene contemplado que Espacios Vintage se transmita por un canal iberoamericano, así como por Ingenio TV, pero estén pendientes estimados homoespacieros.

Les comparto queridos lectores de Homo Espacios, algunos enlaces web sobre Espacios Vintage:

- Televisión Educativa (YouTube).
https://www.youtube.com/channel/UCQPGruPlVLSM2lVsMcOPMvQ

-Programa Espacios Vintage (Detrás de cámaras –Luna Presley-). https://youtu.be/1ghYpUzEdTo

-Inician grabaciones de Espacios Vintage (Nota). http://goo.gl/H2vID4  

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E-mail: glen@homoespacios.comhomoespacios@gmail.com

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13-Jun-2016

La herencia rítmica latinoamericana estuvo presente desde los orígenes del jazz, pero fue el reconocido compositor cubano Mario Bauzá, en conjunto con la Machito and His Afro-Cubans, el conguero Chano Pozo y la alianza sonora con el ícono estadounidense del be-bop Dizzy Gillespie, en los años cuarenta, quienes crearon los  inaugurales temas del jazz latino en su cu bop. El aporte lírico de Stan Kenton, Chico O´Farril, Tito Puente, Cal Tjader o Mongo  Santamaría en los años cincuenta; el virtuosismo colectivo de Irakere en los setenta, que integrara a los genios musicales Paquito D´Rivera, Arturo Sandoval o Chucho Valdés, así como el despunte salsero a cargo de Eddie Palmieri; el revival ochentero con Poncho Sánchez, los hermanos González o Gonzalo Rubalcaba; las nuevas generaciones, entre las que se cuentan al baterista Dafnis Prieto o el selecto piano de Pepe Rivero; así como otras mezclas de ritmos latinos con la sincopa. Además, conoceremos algo del Clazz Festival, uno de los principales encuentros en la síncopa latina internacional, así como una selección de cinco álbumes con Grammy.

Latinoamérica es identificada en su personalidad por una palabra: ¡Alegría!, puente cultural y  artístico que ha hospedado a varios continentes en uno solo y la música, jugó un papel relevante para esta integración, con el sonido del pueblo.

La vasta oferta lírica latina entre sus instrumentos folklóricos, el sentimiento plasmado en un tema, expertos del baile con sabor y un gozo rítmico que nos entrelaza… la “clave”, recurso musical que es tan moldeable como la síncopa, genialidad cubana que tiene sus orígenes desde el tresillo habanero, la contradanza o el fandango. Elemento que descrito en el lenguaje interno, solamente se siente.

El latin jazz, es la etiqueta mediática que comúnmente se utiliza para definir limitadamente al jazz afrocubano y el bossa nova, un “subgénero jazzístico” lo nombran, pero estos ecos van más allá. Tal vez un concepto más claro sería, la fusión musical de la síncopa en clave con ritmos latinoamericanos y de otras partes del mundo, ya que su sonido no solo integra a los hispanos de América o los cariocas, también entrelaza a otras manifestaciones musicales.

Respecto a su filosofía, esta síncopa en clave mundial, integra, suma y abre los brazos a todos, en pocas palabras… es el puro mestizaje rítmico.

Clave jazz y su historia latina

El ragtime “Solance” de Scott Joplin en 1909, el tema “St. Luis Blues” compuesto por el trompetista norteamericano William Christopher Handy en 1914, la composición del pianista y director de orquesta cubano Moisés Simón Rodríguez “El Manicero” o “The Peanut Vendor” en el english interpretado por Louis Armstrong en 1930 y hasta “Caravan”, escrita por Juan Tizol para Duke Ellington en 1939, muestran una fuerte influencia de la habanera cubana, ancestro rítmico de muchos ecos latinoamericanos y varias alineaciones orquestales de aquellos inicios del jazz, contaban en su repertorio con música afro-cubana, desde el blues de Nueva Orleans hasta el neoyorkino swing de Harlem.

El cubano Mario Bauzá, saxofonista, clarinetista, trompetista, arreglista, compositor cubano y director de la orquesta de los Afro-cubans de su cuñado, el showman y cantante Francisco Raúl Gutiérrez Grillo “Machito”, fueron quienes en componen lo que para varios especialistas fue el primer tema de jazz latino, el jam “Tanga” de 1943 y es Bauzá, quién da la clave rítmica a la música afrocubana acompañada por instrumentos folklóricos de la Gran Isla.

La “Manteca” del be-bop a cargo del trompetista, cantante y compositor estadounidense Dizzy Gillespie, junto con la adrenalina del conguero de la orquesta de Machito, el enigmático Chano Pozo, cambió el rumbo del jazz en la ciudad de Nueva York en 1947, donde el cu bop daría vida al jazz afrocubano. Otras colaboraciones de aquellos tiempos fue el “Okiedoke” de Charlie Parker con Machito o el arreglista norteamericano Stan Keton, que compone “Machito” en 1946.

El “Spanish Rice” o “The jazz afro-cuban suite” de Chico O´Farril, el “Afro Blue” de Mongo Santamaría o el “Soul sauce” de Cal Tjader o Eddie Palmieri considerado uno de los pioneros de la salsa, lanza con su banda La Perfecta la fiesta de “Muñeca” o “Lo que traigo es sabroso”, composiciones que son un reflejo del desarrollo de la síncopa latina de los años cincuenta y sesenta.

La locura sincopada de Irakere le daría un vuelco al cu bop, al integrar a varios de los representantes del jazz actual, como el Maestro pianista Chucho Valdés, el trompetista Arturo Sandoval o ganador de catorce premios Grammy Paquito D´Rivera,  la llamada originalmente Orquesta Cubana de Música Moderna lanzó 33 discos durante el periodo de 1974 a 2001.

Poncho Sánchez “El conguero” fue uno de los talentos emergentes de los ochenta, los hermanos Jerry y Andy González con su Fort Apache Band lograban el "Disco de Jazz del Año" de la Academie du Jazz en Francia por su álbum Rumba para Monk (1988) y el pianista Gonzalo Rubalcaba sorprendía a Dizzy Gillespie en el Festival Jazz Plaza de 1986.

Respecto a las nóveles promesas del latin jazz, el director de orquesta, compositor, baterista y educador Dafnis Prieto suma hasta el momento seis álbumes; la baterista Yissy, hija del legendario percusionista de Irakere Bernardo García, anuncia su Última Noticia (2016), álbum debut de esta heredera del jazz afrocubano y el joven Maestro Pepe Rivero, ha realizado arreglos y colaborado con grandes artistas como Paquito D’Rivera, David Murray, Omara Portuondo, Alain Pérez o Diego "El Cigala", así como tejer el jazz latino con la música de cámara en su disco Los Boleros de Chopin (2010) o la suite Cuatro Estaciones de Vivaldi con una Primavera en Cuba, el Verano carioca, la nostalgia argentina para el Otoño y Nueva York en Invierno.

Algunas mezclas importantes del jazz latino fueron: la “Descarga cubana”, “Mi Guajira” o “A gozar con mi combo” entre las primeras jams cubanas a cargo del gran contrabajista Cachao; el mambo fusión de Pérez Prado con el jazz o el funk; la onda nueva venezolana; el tango de cámara sincopado del reconocido bandoneonista argentino Astor Piazzolla o el camino de la samba jazzística con el bossa nova de Jobim, Vinicius y João Gilberto.

Clazz: Entre álbumes con Grammy

El Continental Latin Jazz Festival o el Clazz, congrega a los principales talentos de la síncopa latina a nivel internacional desde el año 2011, algunos de los artistas que han formado parte de éste lírico encuentro son: Arturo Sandoval, Paquito D'Rivera, Chano Domínguez, Eddie Palmieri, Pepe Rivero, Gonzalo Rubalcaba, Jerry González, Alain Pérez, Zenet, Yelsi Heredia, los Conga Kings, entre otros.

El Clazz ha realizado cinco ediciones en la ciudad que lo vio nacer, Madrid, España; en México se han realizado tres ediciones y una en Lisboa, así como dos ediciones especiales navideñas y una de verano. Además, cuenta con la presea Clazz Awards, que ha sido otorgada a Pedro Ruy Blas (Clazz Madrid 2014), Tino Contreras (Clazz México 2014), Juan Carlos Calderón (Clazz Award 2013), Jayme Marques (Clazz Award 2012) y Fernando Trueba (Clazz Award 2011).

Respecto a nuestra selección de cinco álbumes ganadores al Grammy, así como Latin Grammy a “Mejor disco de jazz latino”, las recomendaciones son:

-Brazilian Dreams (2001). Paquito D´Rivera.

-Juntos Para Siempre (2010).  Bebo Valdés y Chucho Valdés

-Danzón (Dance On) (1993). Arturo Sandoval

-Latin Soul (1999). Poncho Sánchez

-The Vigil (2013). Chick Corea

Estimados lectores de Homo Espacios les comparto los tradicionales enlaces web para que continúen este viaje por el jazz latino:

- Documental: En Clave - Musica Cubana, Rumba y Jazz Afrocubano (Inglés). https://youtu.be/LoC7cAvuEVc

- Documental: The Legacy of Chano Pozo (2005).  https://youtu.be/_kdxIVGahBc?list=PLdr-TdGgILlX389Elyf4UTOF8Mgn6Z8zW

-Entrevista con Paquito D´Rivera (2014). https://youtu.be/JoE_02RePxg

-Película: For Love or Country - La historia de Arturo Sandoval (2000). https://youtu.be/q04tNTfkaL8

-Pepe Rivero - Los Boleros de Chopin. https://youtu.be/EZ6eQ7tA0Xc

Amigos, los invitamos a que visiten www.homoespacios.com así como ver las cápsulas “Homo Espacios” los viernes por el Noticiero México al Día PM de Televisión Educativa y a escuchar las cápsulas homoespacieras dentro del programa “El Poder de la Palabra” en Radio Capital 830 AM, todos los miércoles y viernes de 16:00 a 17:00 horas. Pueden contactarme  a través de:

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06-Jun-2016

Viajaremos estimados homoespacioeros a dos ocultos tesoros chihuahuenses. El primer poblado, contiene una zona arqueológica que muestra la genialidad de la cultura Paquimé, una milenaria ciudad protegida por enormes muros, un ingenioso sistema de drenaje y otros adelantos en ingeniería que le han otorgado ser Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, entre otros atractivos naturales, coloniales, artesanales y hasta mormones. Mientras que nuestro segundo destino, se encuentra ubicado en el fondo de una barranca, perfecto para los amantes del ecoturismo y los entornos boscosos, con variadas leyendas mineras y edificaciones coloniales.

Estado con una vasta historia prehispánica, civilizaciones milenarias que dejaron magnas edificaciones resguardadas por el tiempo, tradiciones artesanales elaboradas por manos indígenas que cuentan con reconocimientos internacionales, casa de los nahuas, jovas o rarámuris y un sitio, cubierto de maravillas naturales.

Esa… nuestra “India vestida de sol”, famosa por sus misiones y vetas de materiales preciosos en la época virreinal, bellas haciendas coloniales, así como otras construcciones barrocas. Ahí, donde se sienten las raíces, se valora la historia, que enamora con sus paisajes, entre barrancas, bosques, lagos, cascadas o ríos, tan agraciados, como la beldad de sus oriundas.

Motivos para exaltar a Chihuahua son muchísimos, y para este artículo, mencionaremos dos de sus mágicos tesoros: la joya precolombina de Casas Grandes y el profundo encanto de Batopilas.

Casas Grande: La joya precolombina

Paquimé, fue el nombre que el explorador ibérico Francisco de Ibarra, escuchó en 1561 de los nativos cuando vio esta sorprendente ciudad prehispánica, envuelta por enormes muros, siete pisos de altura y única en su tipo, a la que nombró Casas Grandes y que un siglo después, se realizara el primer asentamiento español a cargo de misioneros franciscanos, llamando a esta localidad San Antonio de las Casas Grandes.

La cultura Paquime, surgió desde el año 700 d.C., obtuvo su apogeo en el siglo X y su decadencia fue a Inicios del siglo XIV. Lo sorprendente de esta civilización, fueron sus avances en ingeniería, al contar con una perfecta red de drenajes, una noria de 12 metros de profundidad y enormes casas donde se criaban aves, hornos gigantescos para hacer la tatema del agave para producir mezcal, almacenes de metales como el cobre, piedras hermosas como la turquesa y millones de conchas de mar provenientes del Pacífico, así como una gran sala mortuoria, edificaciones para rituales y contó con cerca de dos mil habitaciones.

La Zona Arqueológica de Paquime, es la principal atracción de este mágico poblado y a un costado de esa ancestral maravilla arquitectónica, se encuentra el Museo de las Culturas del Norte, que exhibe piezas de esta antigua civilización, de la Misión de San Antonio de Padua y otras curiosidades históricas de Casas Grandes.

Otro de los atractivos, es el pequeño poblado de Colonia Juarez, fundado por 96 mormones estadounidenses en 1886 y que guarda el estilo arquitectónico norteamericano, una hermosa laguna que sirve como presa y hermosas huertas frutales.

Mientras que en la Hacienda San Diego, podrás enterarte de la historia revolucionaria y como fue nombrado aquí Francisco I. Madero, Presidente provisional de la República.

A los aventureros, tal vez les gustará acudir al Arroyo de los Monos, para admirar las pinturas  rupestres que contiene este acuático sitio; la Cueva de Olla, con su caprichosa piedra en forma de vasija o bien, puedes adquirir alguna réplica en cerámica de piezas paquimés en el poblado de Juan Mata Ortíz, que cuenta con una tradición artesanal por parte de la familia del maestro Juan Quezada, quienes han ganado varios premios internacionales.

Batopilas: Profundo encanto chihuahuense

Al fondo de la Barranca Batopilas, este encantador poblado es una de las bellezas naturales más preciadas del Estado.

Fundado en 1708 por el peninsular José de la Cruz, Batopilas que traducido del tarahumara significa “Río Encajonado”, fue una de las principales zonas mineras al norte de la Nueva España, llegó a contar con 50 mil habitantes y fue el sitio donde el empresario Alexander Robert obtuvo su fortuna en el siglo XIX.

Algunos de sus encantos son sus glamurosas haciendas que datan del siglo XVIII al XIX; sus famosas vetas, que actualmente son solo un recuerdo del auge económico de esta mágica entidad; la arquitectura sacra del Templo de San Miguel con su triple domo; visitar la misión de Satevó que data del siglo XVIII; adquirir delicadas artesanías como ollas, tambores e incluso violines realizados por indígenas tarahumaras o disfrutar de su cocina, que complace al paladar con sus cortes de carnes, el chile con queso, tortillas de harina y su bebida típica, el tesgüillo.

El poblado es una excelente opción para el ecoturismo, te maravillarás con el paisaje de las Barrancas del Cobre en el mirador La Bufa, caminar en su plaza, admirar su nostálgico acueducto o acampar a un costado de su Río Batopilas, puede tornarse novelesco en una noche cubierta de estrellas y una compañera con quien compartir este espectáculo cósmico.

Estimados lectores, les comparto los tradicionales enlaces web, para que continúen su aventura por estas dos joyas escondidas chihuahuenses:

-Casas Grandes. https://youtu.be/t2fXsbK5DLA

-Batopilas. https://youtu.be/Dkru5lh3D0k

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07-Mar-2016

Estado que se escucha con jaranas, danzones y boleros; zona maya que comparte su sincretismo arquitectónico con edificaciones virreinales; en el paladar, sus manjares; riqueza cultural escrita a través de su historia; y que, para esta ocasión, elegiremos dos de sus mágicos poblados coloniales. El primero, es conocido como la “Sultana del Oriente”, cuatro veces heroica, la capital del oriente maya con la belleza natural de sus cenotes, con una privilegiada posición geográfica y detallada por construcciones de los siglos XVI al XVII. Mientras que el segundo sortilegio yucateco, nos regresará a la época de los carruajes a caballo, pueblo pintado de amarillo, un convento que cuenta con el segundo atrio más grande del mundo y resguardado por pirámides prehispánicas.

Afortunadamente en mi sangre habita la casta pura, orígenes milenarios de los verdaderos nativos, aquellos a quienes llaman indígenas, pueblo auténtico de nuestro país. México, amenazado por un déspota “estadounidense”, tal parece que el racismo toca nuevamente las puertas de la Casa Blanca, el “show man” que sin valores pretende aniquilar aquello que tanto anhela… raíces, un origen, una identidad. Sombríos vientos del norte entre el contaminado aire nacional, fusión perfecta para el saqueo político y las fichas se mueven, sin que nadie observe el obscuro juego.

Así que mejor introduzcámonos a nuestro destino nacional… la tierra del Mayab, que nos heredara una de las “Siete Maravillas del Mundo Moderno”, región de gran importancia prehispánica, principalmente dentro de la cultura maya; una sangrienta historia en la época colonial, protagonizada por los tres peninsulares Montejo: “El Adelantado”, “El Mozo” y “El sobrino”; un movimiento de independencia sin intervención militar, que de forma tardía y accidentada vivió la entonces Capitanía; la separación de México en 1840, donde aproximadamente ocho años funcionó como República de Yucatán y una guerra de castas que durara más de medio siglo, son sólo una parte de su historia.

La belleza cubierta de huipiles bordados a mano, elegantes hidalgos que bailan presumiendo guayaberas y sombreros corte habanero, jaranas yucatecas que dan identidad musical al estado, danzones al atardecer, y un bolero o trova que esperan a su acompañante nocturnal.

Delicias de nuestra península, esas que saben a patria con sazón precolombino, leyendas milenarias narradas entre su paradisiaca vegetación, la calidez de sus pobladores y una ¡bomba! de picardía mexicana para explotar sonrisas.

Además, en este artículo homoespaciero visitaremos -entre letras- dos mágicos poblados yucatecos, que son todo un tesoro colonial: Valladolid e Izamal.

Valladolid: Artesanía del virreinato

Fundada por Francisco de Montejo “El sobrino” el 28 de mayo de 1543, la cuatro veces heroica “Sultana del oriente” era conocida en la época prehispánica como Chauac Ha, que a causa de la fiebre amarilla, traída por los ibéricos, fue trasladada a la localidad maya de Zací en 1945, y el nombre de Valladolid, fue en honor a la homónima metrópoli española. Otros dos destacados acontecimientos son: que fue en esta localidad donde inicia la guerra de castas en 1847, y se considera que fue aquí donde se da la primera chispa de la Revolución Mexicana.

La gran mayoría de las edificaciones de este pueblo mágico son del periodo virreinal, sus principales ejemplos sacros son: la Parroquia de San Servacio con sus dos torres que adornan la fachada; la Iglesia de la Candelaria, de estilo churrigueresco; la antigua plazoleta de la Iglesia de Santa Lucía o el delicado retablo barroco de la Iglesia de San Juan.

Caminar por la Calzada de los Frailes es adentrase a la magia colonial, entre antiguas casonas, hoteles boutique, jardines o pinacotecas, al ser el Museo San Roque uno de los preferidos por su colección de piezas prehispánicas.

Por su parte, la artesanía es otra de las especialidades de este pintoresco poblado, sus prendas bordadas a mano o lindas piezas talladas en madera; mientras que el apetito se satisface con el sazón yucateco… manjares como los panuchos, papadzules o salbutes acompañados por la bebida típica de Valladolid, el xtabentun o el balché.

Respecto a su propuesta natural, los hermosos cenotes de Xkeken y Samulá para echarte un chapuzón o si andas de prehispánico, muy cerca de este ensueño colonial se encuentra la zona arqueológica de Ek Balam o a menos de una hora encontrarás la ciudad ancestral de Cobá o la majestuosa Chichén-Itzá.

Izamal: Ciudad de las tres culturas

Los chanes, tribu maya oriunda de Bacalar, fueron quienes fundan el Itzá en el 550 d.C. bajo el mando del sacerdote Zamná. A la llegada de los españoles, este territorio fue establecido bajo el régimen de encomienda, durante el periodo de la República de Yucatán, esta villa fue elegida como provincia de la Costa y en 1841 logra la categoría de ciudad.

Izamal parece sacado de un cuento de hadas, ya que aquí se acostumbra recorrer sus blancos sacbes en celesa, que es un carruaje tirado por caballos; literalmente vasto de leyendas en cada esquina, pintado de amarillo brillante y rodeado de pirámides milenarias.

El principal atractivo de la entidad es el majestuoso Convento de San Antonio de Padua, construido sobre una pirámide maya, bajo la dirección del controversial fray Diego de Landa en 1561, posee el segundo atrio más grande del mundo, cuenta con 75 arcos y una explanada de casi ocho mil metros cuadrados, el Templo de la Purísima Concepción forma parte del conjunto conventual, en su interior destaca la guatemalteca escultura de la Virgen de Izamal.

Otros gozos turísticos son: su zona arqueológica, que dentro de sus más de cien edificaciones prehispánicas identificadas, solo cinco de ellas, están restauradas, al destacar el Templo de Kinich Kak Moo, y para aquellos  fanáticos de las Haciendas, éste destino yucateco cuenta con varias de éstas que producían el llamado “oro verde”, el henequén.

En el Centro Cultural y Artesanal podrás encontrar un museo de arte popular, cafetería y hasta un spa para terminar de relajarte… aunque dentro de su propuesta nocturna, tal vez un bolero sea el pretexto perfecto para no llegar a tu habitación solo.

Estimados homoespacieros, les comparto los tradicionales enlaces web para que continúen este yucateco recorrido… entre sus dos tesoros coloniales:

-Valladolid. https://youtu.be/g5tkobGyyrE

-Izamal. https://youtu.be/YIe43pEUHF4

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29-Feb-2016

Segunda entrega homoespaciera sobre Bandas Sonoras Originales (BSO); en esta ocasión, preparamos un entintado y audible artículo sobre la música en los Premios de la Academia, en cual comentaremos los inicios de las categorías líricas del Óscar, los incidentales sonidos sien de esta estatuilla, algo sobre algunos destacados compositores de la música fílmica y en el soundtrack… una selección de cinco rollos que consideramos los mejores.

El arte lírico tiene la capacidad de impactar de forma profunda en el lenguaje fílmico, es la música capaz de elevar las emociones al punto donde el cineasta quiere conducirnos, el encuentro donde los sonidos reflejan el esplendor de la imagen en movimiento y del cual, nos es muy sencillo recordar alguna película. Mientras que el guión nos mantiene expectantes, son las bandas sonoras las que resuelven el resto del trabajo, el más complejo y caprichoso… sentir.

Pide al sonido que vuelva  

Los Academy Award, en cuyo diseño de su famosa estatuilla sirviera como modelo el reconocido actor, productor y cineasta mexicano Emilio “El Indio” Fernández, y que es otorgado por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, conocida por sus siglas en inglés como AMPAS. Realizó su primera entrega el 16 de mayo de 1929, en un almuerzo privado dentro del Hotel Hollywood Roosevelt; quince estatuillas fueron otorgadas por trabajos realizados entre 1927 y 1928, al ganar a Mejor Película el rollo Wings de William A. Wellman, pero la apreciación por el sonido cinematográfico llegaría un año después.

En 1930, tres meses antes de la premiación de los AMPAS, la prensa ya conocía a los ganadores, y fue en este año, cuando el canadiense Douglas Shearer gana la presea a Mejor Sonido por el drama criminal dirigido por George W. Hill… The Big House, dando así el banderazo a esta nueva categoría. Cuatro años más tarde, surge el Óscar a Mejor Banda Sonora Original, al ser One Night of Love la cinta que obtuvo este reconocimiento, así como a Mejor Sonido y fue también en 1934, cuando nace el premio a Mejor Canción Original, otorgado al compositor Con Conrad y el letrista Herb Magidson por el tema "The Continental" de la cinta The Gay Divorcee, película musical dirigida por Mark Sandrich y protagonizada por Fred Astaire y Ginger Rogers.

Algunos datos curiosos dentro de la historia de la música incidental en los Premios de la Academia, son las bandas sonoras sin corona, algunas de ellas contenidas en el soundtrack del filme The Eddy Duchin Story (Estados Unidos, 1956), musicalizado por el compositor cinematográfico George Duning, reconocido por la Sociedad para la Preservación de la Música de Cine, la revista Downbeat Magazine, Compositor del año 1993 del Estado de Indiana por la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood y quien a pesar de ser nominado seis veces por la Academia, nunca logró obtener un Óscar; Casablanca (Estados Unidos, 1942), icónico rollo que otorgara a la Warner Brothers una estatuilla más por Mejor Película en 1943, pero que dejó con las manos vacías al célebre Max Steiner, al ser la banda sonora de la película The Song of Bernadette a cargo de Alfred Newman, la que se llevó este “hombrecillo bañado en oro” en aquel año; Hans Zimmer, quien logró una nominación a Mejor Banda Sonora Original por el épico rollo Gladiator (Estados Unidos, 2000), fue un caso similar al anterior, solo que éste filme aunque perdiera esta categoría, sí ganó a Mejor Sonido.

Los dos casos más criticados de BSO en el Óscar, son Lo que el viento se llevó (Estados Unidos, 1939), que si bien arrasó con diez premios, record que mantuvo hasta 1959, no conquistó el lírico galardón para el austriaco Max Steiner, fue el estadounidense Herbert Stothart quien levantó la estatuilla por musicalizar El Mago de Oz y el segundo muy desafortunado tema, es el del gran compositor y director de orquesta italiano Ennio Morricone, genio de la música, cineasta de los sonidos, que creara joyas audibles para películas como Érase una vez en América (1984), La misión (1986), Malèna (2000), El bueno, el feo y el malo (1966) o su BSO maestra en Cinema Paradiso (1988), quien nunca ha obtenido un Óscar en esta categoría, solo un honorífico en el año 2006 y que, esperemos para esta entrega número 88 de los Premios de la Academia, gane a sus 87 años con el filme de Quentin Tarantino…  The Hateful Eight (2015).

Soundtrack

Después de los infortunios de la Academia en materia musical, existen otras estatuillas que permanecen en las manos correctas, ejemplos como la banda sonora del Padrino II (Estados Unidos, 1974) del famoso compositor italiano de música clásica y cinematográfica Nino Rota; el nostálgico y romántico soundtrack de Love Story (Estados Unidos, 1970) del Maestro galo Francis Lai; la sincopada película All That Jazz (Estados Unidos, 1979) que su música fuera aportada por el pianista, compositor, arreglista y director de orquesta de jazz norteamericano Ralph Burns; entre otros sonidos incidentales como el de Maurice Jarre por Doctor Zhivago (1965), Nicola Piovani por La vida es bella (1998) o Elliot Goldenthal por Frida (2002), pero nuestra selección homoespaciera del Óscar para las cinco mejores bandas sonoras originales, fueron elegidas por su trascendencia histórica, más que su popularidad.

5. The Artist (Estados Unidos, 2011).

La creatividad a cargo del director, actor y guionista francés Michel Hazanavicius, hacen de este filme silente un gran reto dentro de un público acostumbrado a consumir grandes efectos especiales, cine cromático y diálogos audibles. El manejo del silencio, es un arte que sólo la música puede traducir y fue el compositor francés Ludovic Bource quien lo entendió, tal vez fue por sus primeros trabajos en música para comerciales, donde se dio cuenta de la falta de sensibilidad que actualmente nos acosa… al final, este Óscar a Mejor Banda Sonora Original, muestra cómo un filme mudo en blanco y negro, nos puede dejar sin palabras. Así, El Artista nos habla más allá de las palabras, ahí donde la magia cinematográfica realmente se expresa.

4. Alexander's Ragtime Band (Estados Unidos, 1938)

El compositor y letrista ruso Israel Isidore Baline, fue el laureado por la Academia con la BSO de este filme que despertó el frenesí por el ragtime en Norteamérica. Irving Berlin, también es reconocido como un importante músico de Broadway, realizó su primer tema a los 19 años… "Marie de Sunny Italy", que vendió por la cantidad de 33 centavos. Sus composiciones han aparecido 25 veces como “número uno” en la lista de canciones de los Estados Unidos, lo han interpretado casi la mayoría de los gigantes del jazz, escribió unos 1.500 temas y vivió 101 años, falleció en la ciudad de Nueva York un 22 de septiembre de 1989.

3. Love Is a Many-Splendored Thing (Estados Unidos, 1955)

Ganadora a Mejor Banda Sonora Original y Mejor Canción Original en la vigésima octava entrega de los Premios de la Academia. Éste dramático rollo dirigido por Henry King que relata el romance del reportero estadounidense Mark Elliot (William Holden) y la doctora euroasiática Han Suyin (Jennifer Jones), entre perjuicios familiares y de la sociedad de Hong Kong. La música fue realizada por Alfred Newman, destacado compositor y arreglista estadounidense que desarrollara partituras para más de 200 películas, autor del tema oficial de la 20th Century Fox y portador de nueve estatuillas de sus 45 nominaciones al Óscar.

2. Schindler's List (Estados Unidos, 1993)

Estremecedor drama biográfico sobre la vida de Oskar Schindler, ubicado en el los años más grises de la humanidad… la Segunda Guerra Mundial. En blanco y negro, bajo el lente de Steven Spielberg y con una de las BSO más intrínsecas que se han realizado, algo que solo el galardonado compositor y director de orquesta estadounidense John Williams pudo lograr. Las notas se escuchan como plegarias, la caridad en los acordes, sonidos de piedad ante la perversidad de la que es capaz el odio, la armonía entre el dolor y la inocencia de un coro de niños cuando entre la brutalidad… camina una niña vestida de rojo.

1. West Side Story (Estados Unidos, 1961)

En la década de los setenta, la categoría a Mejor Banda Sonora Original se encontraba dividida, una era el Score a película dramática o comedia, donde ganó Henry Mancini por Breakfast at Tiffany's, cinta que también obtuvo el Óscar a Mejor Canción Original con el tema "Moon River", sin embargo la BSO (Score a película musical) y Mejor Sonido fue para West Side Story.

La combinación dancística, lírica y actoral de esta adaptación fílmica del homónimo musical de Broadway de 1957, es uno de los tesoros hollywoodenses con mayor prestigio a nivel mundial, inspirada en la obra de Romeo y Julieta, del poeta, actor y Maestro de la dramaturgia inglesa William Shakespeare, West Side Story bajo la firma de la United Artists; la perfecta dirección del afamado cineasta Robert Earl Wise y del coreógrafo, productor, así como director de cine estadounidense Jerome Robbins; la música del compositor, pianista y director de orquesta Leonard Bernstein, además de un reparto de primera línea, es la razón de otorgarle el primer sitio a este clásico de cine.

Estimados homoespacieros, como es tradición les comparto los enlaces web para que disfruten de la lírica de nuestra selección sobre las BSO… del Óscar:

-The Artist (2011).  https://youtu.be/2u8A1AbJoWU?list=PLTRfvotrnlCHTPIEi7kqLBmv33F3C7YsH

-Alexander's Ragtime Band (1938). https://youtu.be/USPgDbsnxVI

-Love Is a Many-Splendored Thing (1955). https://youtu.be/kFJeE_fynjM

-Schindler's List (1993). https://youtu.be/QUJ187mkMq8?list=PLABB56F4F645F1786

-West Side Story (1961). https://youtu.be/WvSvHIhDnfk?list=PLCD30B46A0041DF14

Amigos, los invitamos a que visiten www.homoespacios.com así como ver las cápsulas “Homo Espacios” los viernes por el Noticiero México al Día PM de Televisión Educativa y a escuchar las cápsulas homoespacieras dentro del programa “El Poder de la Palabra” en Radiocapital 830 AM, todos los miércoles y viernes de 16:00 a 17:00 horas. Pueden contactarme  a través de:

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22-Feb-2016


Cuarta entrega de los sabores mexicanos a la tinta de Homo Espacios, que para este artículo destacaremos el gozo al paladar de tres manjares de barrio. El primero, es un famoso caldo capitalino, popular en Tepito y que es elaborado con trozos de pan, huesos de puerco, chile cascabel y epazote; mientras que nuestra segunda propuesta culinaria, es el platillo mexicano más representativo a nivel mundial y su origen es prehispánico; para cerrar este menú homoespaciero, el postre será un dulce antojo de procedencia española conocido en sus inicios como “Menjar Blanc”.

México es un país que destaca en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, muchos destinos, tradiciones, culturas y su cocina forman parte de este legado a la humanidad, así, tan vasta es nuestra patria, pero el cuestionamiento sigue siendo el mismo… la miseria en todas sus facetas, el egoísmo creciente de unos cuantos que hunden, saquean y desbaratan nuestra nación, las legislaciones de la conveniencia, el compadrazgo en puestos donde se requieren profesionales, no títeres, la explotación de la élite empresarial, el silenciar la verdad entre amenazas, sangre o desacreditación, el obscuro poder que de a poco nos desvanece como mexicanos, aquellos que están detrás del escenario político, entes de lo siniestro que con guión en mano manipulan los actos de sus marionetas.

El imperialismo mediático con su farsa a todo color y en hasta en HD es el pan de cada día, la misma basura burocrática para la rutina diaria, un nuevo impuesto o ley detrás de algún acontecimiento sorprendente para el entretenimiento popular, que ni la burla perdonan y la nobel incapacidad, que con una gran muestra de ingratitud y estupidez da órdenes a la experiencia.

Lo anterior, lo resume con palabras simples el Papa Francisco I en su última declaración pública en tierras mexicanas, allá en Ciudad Juárez, Chihuahua, el pasado 17 de febrero: “Dan ganas de llorar... por un pueblo tan sufrido”. En fin, mejor saboreemos algo más placentero, que en esta cuarta entrega de Las cifras del sazón, hemos preparado para ustedes estimados homoespacieros, entre las letras, números y algunos otros datos sobre “Las migas”, “El taco” y el “Arroz con leche”. Buen provecho.

Las migas: Delicia de arrabal

Gourmet tepiteño, platillo emparentado con la sopa de ajos española, aunque dentro del calo culinario de la Ciudad de México, es uno de los pocos platillos que distinguen a la gastronomía capitalina, sin embargo, Michoacán también pelea su autoría desde la época de la Revolución, periodo donde la escasez consumía a nuestra patria, y las amas de casa cocinaban un caldo con pedazos de pan y huesos de pierna de cerdo, con algo de orégano, chile cascabel y epazote, conocido como migas.

Actualmente, existen pocos establecimientos que ofrezcan esta delicia de barrio, Tepito es uno de los lugares que  aún conservan el método tradicional de su preparación, aunque también en algunas cantinas de Coyoacán o del Centro Histórico, puedes probar esta rica sopa.

La industria de la panificación ocupa el 80 por ciento de la producción nacional de trigo en grano, con cerca de 1 millón 621 toneladas al año, con un consumo per cápita de 57.7 kilogramos al año.

La producción de carne de puerco, ha tenido un crecimiento de una tasa anual del 1.9 por ciento en el periodo del 2004 al 2014, registramos poco más de 89 mil toneladas anuales en exportaciones de este cárnico, al ser Japón nuestro principal cliente.

Respecto a festividades donde puedas saborear unas migas, está el Festival Cultural Viva mi Barrio Tepito, que se realiza en el mes de julio, donde pachucos, cumbias y algunas muestras de arte urbano también forman parte de esta celebración.

El taco: Un clásico mexicano

Canciones, refranes y hasta libros forman parte de la cultura del taco, considerado como el platillo mexicano más popular a nivel internacional, su origen proviene de las tortillas con molli prehispánicas, que eran preparadas sobre piedras calientes y decoradas con cochinilla, algunas de ellas, acompañadas de frijol y chile.

Algunas teorías apuntan, que el taco existió desde hace miles de años como alimento para los hombres que trabajaban todo el día en el campo, sus inventoras fueron mujeres indígenas que preparaban este práctico guiso que era fácil de transportar y de consumir.

Mientras que ciertos investigadores afirman, que la primera taquiza de la que se tiene conocimiento, fue documentada por Bernal Díaz del Castillo en su crónica, "Historia Verdadera de la Conquista de la Nueva España" y fue realizada para Hernán Cortés junto con sus capitanes en Coyoacán.

La tortilla es parte primordial de la  dieta nacional, consumimos entre 7.3 a 9.4 millones de toneladas al año de este producto, somos el séptimo productor mundial de maíz y según datos de Financiera Nacional de Desarrollo Agropecuario, Rural, Forestal y Pesquero, existen entre 10 mil y 12 mil molinos de nixtamal en México.

El taco se complementa con algún tipo de carne, ya sea bovino del que se producen 1 millón 827 mil toneladas de este cárnico al año, avícola con cerca de 2 millones 880 mil toneladas y porcino con más 1 millón 827 mil toneladas las que se producen anualmente en el país.

Respecto a la salsa, Zacatecas es el principal productor de chile verde, seguido por Sinaloa y nuestro consumo per cápita oscila entre los 16 kilogramos al año.

Así que ya sea que leas la Tacopedia de Alejandro Escalante, cantes “La taquiza” de Chava Flores o visites la exposición Nuevo León power food tacos, este tradicional deleite es uno de los platillos más importantes de la cocina mexicana.

Arroz con leche: Dulce antojo ibérico

Aunque el origen de este postre es le las provincias ibéricas de Cataluña y Valencia, el “Menjar Blanc” o manjar blanco, es uno de los dulces antojos preferidos por los mexicanos, se cree que se popularizó en los tiempos de la colonia y un dato curioso, es que en sus primeras recetas se endulzaba con miel.

El líder en cultivo de arroz de la república mexicana es el estado de Nayarit, que aporta 47 mil 789 toneladas de las 232 mil 159 producidas al año, y las principales exportaciones de este grano, se realizan a los Estados Unidos.

Respecto a la leche de bovinos, el bajío y la región lagunera aportan el 40.3 por ciento de la producción nacional y los mexicanos consumimos cerca de 93.8 litros de leche anuales.

Mientras que en caña de azúcar, Veracruz, Jalisco y San Luis Potosí son las principales entidades productoras del país, y en el total de la superficie cosechada, se obtienen 116 millones de sacos de 50 kilogramos de azúcar.

Algunas curiosidades son, que hace más de 200 años se celebra el Festival del Arroz con Leche en Cabranes, España y la leyenda cuenta, que cuando los emigrantes iban a América, los pobladores de Cabranes regalaban arroz con leche en botellas a los viajeros para que recordaran el sabor de su tierra a la distancia.

Estimados lectores, les comparto los tradicionales enlaces dentro de la web para que continúen saboreando estos manjares de barrio:

-Las migas. https://youtu.be/Xux-9l7usrQ

-El taco. https://youtu.be/t_-sLJ-Oe8M

-Arroz con leche. https://youtu.be/OuRVJOJsYJQ?list=PLNU_yfbLQzF1H3jhv41j0XzD2Wy_Ild-J

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15-Feb-2016

Décima entrega de esta sección rítmica sobre los melosos de la lírica. Para este artículo, les presentamos cuatro propuestas que escucharás o ¿leerás?… en fin, entre los sonidos de la capital mexicana. Nuestro primer invitado entintado, es una orquesta de jovencitos irreverentes, salvajes del swing, profanos como el funk y con mucha gozadera latina; la siguiente banda, está integrada por un septeto de funkeros sincopados, desenfrenados por el groove y que están próximos a presentarse en el Lunario del Auditorio Nacional; nuestro tercer ensamble, son unos obreros melódicos que suenan a brass callejero de Nueva Orleans, cierto toque funk, música italiana y algo de electrónica; para cerrar, el sentimiento manouche y el gypsy jazz se entrelazan para hechizar a un grupo de músicos que le tocan, hasta a Woody Allen.

Música de arrabal o mejor dicho, la que tiene significado, trascendencia, esa que da voz al pueblo, expresión artística que perdura, ligada en muchas ocasiones a movimientos sociales, culturales, esos que exponen la opresión, abuso o autoritarismo. Desde “arriba”, unos simples agitadores, pero la realidad es que los artistas líricos congregan a masas y entre más independiente sea el encuentro, es mucho mejor.

Poco a poco las vendas de las imposiciones musicales se caen, el público descubre que el talento se encuentra fuera de los patrocinios televisivos o del oportunismo de las grandes productoras, incluso varios festivales, en el transcurso del tiempo se han vendido a la mafia de la “élite cultural mexicana”, bajo el disfraz de un slogan para “los de abajo” y el saco creo que es más que obvio a quien le queda.

Mientras tanto, celebramos el día de los acaramelados y los camaradas en Homo Espacios, con los sonidos capitalinos de La Orquesta Vulgar, Tío Gus, Brass Street Boys y Noir Manouche.

La Orquesta Vulgar: Melomanía irreverente

La calle… sitio que ha producido los mejores sonidos, como el jazz clandestino o como era llamado a inicios de siglo XX: “la música de los salvajes"; el swing, que surge entre la gran depresión estadounidense a finales de los veinte en el mainstream neoyorkino; la combinación de ritmos afroamericanos de los cuarenta que diera forma al R&B y que ofreciera la base para el desarrollo del rock and roll; el ardiente "lu-fuki" o funk, que posicionara Bobby Howard Byrd y el “Sr. Dinamita” James Brown con sus increíbles Famous Flames en los cincuenta; el afrobeat setentero, combinación de lírica yoruba, jazz, highlife, y funk o hasta la gozadora latina del mambo, salsa, ska, entre otros ecos tropicales.

Menciono lo anterior, porque es parte de la fusión sonora de arrabal que Luis Flores (batería), Cuauhtli Mercado (guitarra), Lucas Moreno (sax alto), Asaph Sánchez (sax tenor) y Fernando Santandreu (bajo) realizan, cubiertos por la atmósfera que la caótica Ciudad de México posee. Así, irreverentes, francos y sin presunción, con un lenguaje que hace que el peculiar ruido de recordatorios maternos, estrés vial, masificación, así como otros sentimientos capitalinos surjan entre notas melódicas, sin palabras, al estilo callejero y con mucha resonancia para aquellos que sepan escuchar.

Desde el año 2010, ya sea que tocaran encima de un camión, en el Alicia, el Imperial, Foro Shakespeare, hicieran malabares acústicos en la Circonvención Mexicana 2015, se fueran como dijeran ellos “al gabacho” para el South by Southwest 2015 en Austin, Texas o realizarán un Lunario de Concierta independencia con un lleno total, estos cinco jóvenes son toda una prosaica complacencia para los oídos. Además, de los siete tracks de su primer disco La Víctima del Canibal (2015), te recomendamos “Mr. Trueno y los magníficos de la plata”, “El gran colapso” o sus sátiras, que por cierto el arte de este álbum, se inspira en los entretenidos gráficos de la socorrida historieta mexicana de los años setenta, que fuera publicada por Novedades Editores: El Libro Vaquero.

Anecdotario vulgar…

“Alguna vez, tocamos encima de un camión de CU al Monumento a la Revolución y teníamos que esquivar los cables de las calles; pero también tenemos vivencias internacionales, como Cuando no le dieron la visa a Luis y nos fuimos al gabacho valiéndonos, con la esperanza que llegara, y sí  llegó, incluso en ese viaje nos paró la policía gringa por conducir con exceso de velocidad, equipaje y con siete personas trepadas en el auto…” Son algunos recuerdos que nos comentan La Orquesta Vulgar.

¿Alguna recomendación?

“Flashback” de Fat Freddy's Drop. https://youtu.be/JrfywYHjQ4Q

Las próximas presentaciones de estos muchachos, serán el 11 de marzo en el bar poblano Jazzatlán y al siguiente día tendrán otro concierto en Puebla, pero estén pendientes de sus redes sociales.

Tío Gus: Síncopa del groove

El funk… explosivo, sexual y filosófico, reflexiones del groove que recorre el cuerpo para hacernos bailar con letras que exponen realismo, de naturaleza gozosa, extrovertida, así como bastante coqueto. Razones para amarlo suenan… y bastante bien, en la música de algunos de sus principales representantes: James Brown para iniciar, algo de The Isley Brothers para el recuerdo, las bandas de p-funk Parliament y Funkadelic de George Clinton, Rick James para revivir los ochenta o Prince con su erotismo stripped-down, entre muchos otros.

Dentro de la fraternidad del funk mexicano, Tío Gus cuenta con ocho años dentro de la escena, su groove  sincopado se ha presentado desde el Festival Jazz Mex en el Centro Nacional de las Artes, el Festival Vive Latino en el Foro Sol, una Gira en Francia donde acudieron al llamado del festival FIMU 2014 y recientemente el Riviera Maya Jazz Festival 2015. Todo eso, tan solo en su disco debut con nueve tracks lanzado en el 2012, donde temas como “Sup”, “Nature Groove” y “Light Warriors” son considerados sus principales éxitos.

Actualmente el septeto de jazz-funk, oriundo de la Ciudad de México e integrado por Pepe Morán (teclados), Sergio Galván (saxofón), Marco Castro (batería), Fer Rúvel (bajo y voz), Lari Ruiz Velasco (guitarra), Alejandro Delgado Blmenkron (voz) y Carlos López (trompeta), prepara su segundo álbum, pero puedes saborear un poco en su video “Cochinito”, grabado en el CENART y que encontrarás en  YouTube.

¿Alguna pieza favorita?

“Can't Hide Love” de Earth, Wind and Fire. https://youtu.be/wr0ekZlcM8E

Atentos homoespacieros, porque el próximo 17 de febrero estos hijos del funk sincopado a la mexicana, compartirán escenario con sus colegas Fiusha Funk Band en el Lunario del Auditorio Nacional a las 21:00 horas.

Brass Street Boys: Obreros rítmicos

Regresemos a la mística urbe estadounidense de Nueva Orleans, por ahí de finales del siglo XIX, inicios del siglo XX, entre sus aires susurraba el estilo europeo de la banda militar y la música llevada a América por los esclavos de África occidental, lo que dio vida a una nueva manifestación dentro del jazz tradicional conocido como las Brass Band, entre las que figuran la Eureka Brass Band, Excelsior Brass Band, Tuxedo Brass Band o la Olympia Brass Band. Ya para los setentas y ochentas, esta sincopada lírica del estado de Luisiana se entrelaza con el hip-hop y el funk, para dar paso a las nuevas generaciones de brassosos.

La propuesta mexicana que retoma esta síncopa de Nueva Orleans, que entre la mezcla melódica le agregan unos cuantos kilos de candente funk, adicionado con algo de electrónica y un toque de sonidos a la italiana, por aquello de darle un buen terminado a la obra melómana, son los Brass Street Boys (BSB)… obreros que trabajan al capricho de los instrumentos de viento/metal, alineados por Alfredo Carmona (saxofón tenor), Asaph Sánchez (saxofón alto), Alan Hernandez (trompeta), Gary Anzures (tuba), Abraham Parra (percusión), Shadai Martínez (percusión) y Daniel Cabrera (sintetizador).

Respecto a su discografía, hasta el momento solo cuentan con su álbum debut Brass si eres (2013), aunque ya sonaban desde el 2010, en la Escuela Nacional de Música de la UNAM donde se forma este ensamble que se ha presentado en el Festival Internacional Cervantino, Festival 5 de Mayo en Puebla, Festival Cultural Zacatecas, Festival Universitario de día de Muertos de la UNAM, Feria Internacional Del Libro del Zócalo, el Lunario del Auditorio Nacional o el Zinco Jazz Club. Actualmente, se encuentran grabando su segunda producción, con temas totalmente originales y que pretenden lanzar este año.

La historia del globo con agua…

“Una de las anécdotas que más recordamos fue una muy chistosa que nos ocurrió en las calles del centro de la ciudad… justo en el momento del show en el que hacemos un silencio y nos "congelamos", alguien a quien no le gusta la fiesta dejó caer un globo lleno de agua sobre nosotros. La reacción de todos los espectadores (incluyéndonos), fue la risa, aunque varias personas empezaron a chiflarle a quien lo había hecho. Nunca supimos a quien se le cayó su globo…” Nos platican los BSB

¿Qué escuchar?

“Aquo groovat” de la Funky Style Brass. https://youtu.be/ENQZ2KqGD7E

En lo que se refiere a sus próximos conciertos, estos músicos del brass de la Ciudad de México están concentrados en grabar su próximo disco, así que hay que estar al pendiente de sus presentaciones en sus redes sociales.

Noir Manouche: Feeling romaní

El pueblo gitano, etnia originaria del subcontinente indio, aunque el significado de su nombre sea “egiptano”, lo cual brinda varias teorías de su origen, desde los Reinos medios de la India, allá por el siglo II a.C., su posible origen en Egipto o hasta su fama por España en el siglo XV. El Romaní, por su parte, es la lengua indoeuropea que identifica a esta errante comunidad, y otros de sus distintivos, es su música, que en su vagabundo andar se ha entrelazado al paso de la historia con otros ritmos, en Paris por ejemplo, en 1934 la música francesa se fusionó con la síncopa estadounidense, bajo la alineación del famoso ensamble de cuerdas, el Quintet Hot Club de France, liderado por el creador del gypsy jazz… el virtuoso guitarrista Django Reinhardt.

La creatividad en la lírica tradicional manouche, el jazz gitano y otros elementos artísticos, dan vida a los Noir… banda de músicos nómadas con cerca de ocho años de trayectoria, integrada por Fernando Romero (guitarra), Marco Manilla (contrabajo), Eric Martínez (flauta y trompeta), Daniel Paz (clarinete), Miguel Collado (batería), Fernando Aguayo (guitarra y voz) y la sugestiva danzante Daily Mayet. En su acervo discográfico, cuentan con su primer disco homónimo que incluye temas como “Minior Swing” del Maestro Django Reinhardt o “Camping sauvage a Auschwitz” del ensamble galo Les Doigts de l'Homme.

WOODY por su parte, es el más reciente espectáculo presentado por Noir Manouche, que rinde homenaje al cineasta, guionista, actor, dramaturgo, humorista, escritor y músico estadounidense Allan Stewart Königsberg o mejor conocido como Woody Allen. El espectáculo multidisciplinario incluye un stand up y bailarines de lindy hop, para evocar aquellos shows vocales de los años cuarenta.

Sin coreografía por favor…

“En el espectáculo de WOODY, nosotros supuestamente tenemos que realizar una coreografía… aun no lo hemos logrado, creo que somos un poco descoordinados. Así que tocar nos brinda un mejor resultado…” Afirman los Noir Manouche.

¿Algún tema de su preferencia?

“Tchavolo Swing” de Dorado y Tchavolo Schmitt. https://youtu.be/njUUO5q0Ttw

Te recomendamos estar al pendiente de sus próximas presentaciones en las redes sociales de los Noir.

 

Estimados homoespacieros melómanos, les comparto los enlaces web con algunos videos y Facebook de este cuarteto de bandas:

-La Orquesta Vulgar. https://www.facebook.com/laorquestaoficial/?fref=ts

-“La Víctima del Caníbal” (La Orquesta Vulgar). https://youtu.be/Pu0V8I9788Q

-Tío Gus. https://www.facebook.com/TioGusFunk/?fref=ts

- “Nature Groove” (Tio Gus). https://youtu.be/fOyS8x_T6_Q

-Brass Street Boys. https://www.facebook.com/BrassSB/?fref=ts

-“Love Theme From The Godfather” (Brass Street Boys). https://youtu.be/I09LwMUu6_U

-Noir Manouche. https://www.facebook.com/noirmx/?fref=ts

-“Czardas monti” (Noir Manouche). https://youtu.be/3qrcSaHzmsE

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25-Jan-2016

Nueva sección homoespaciera trimestral, donde seleccionaremos cinco películas en torno a un tema específico, que serán revelados del quinto al primer sitio y que inauguramos con rollos relacionados al periodismo, así como con los medios de comunicación. El quinto lugar, es una antigua cinta sobre un magnate de la prensa estadounidense, que le otorgó a Orson Wells su única estatuilla Oscar en 1941; en cuarto sitio, elegimos un galardonado filme de 1976 que expone el vacío e hipocresía dentro de las cadenas de televisión; el número tres, refleja el procedimiento para realizar un verdadero reportaje, la temática es entorno a casos de pederastia cometidos por curas de Massachussets, y se encuentra nominada a seis premios Oscar; el segundo lugar, se lo otorgamos al thriller informático lanzado en el 2013, con relación a la historia de WikiLeaks; el ganador, es una cinta del 2012 interpretada por Nicole Kidman y Clive Owen, que tal vez les resultará algo melosa, pero consideramos que es el mejor relato de amor dentro de la historia del periodismo... ustedes vean y juzguen estimados lectores.

El oficio informativo, aquel que denuncia, investiga, entrevista, sale a la calle hasta encontrar la nota, el que va directo a la fuente, ese que se hacía utilizando algo que tal parece que solo se lee en los libros… los Géneros Periodísticos. Escucho entre ellos, los que se formaron en una verdadera redacción, palabras que parecen ser una realidad: “El periodismo agoniza…”, ya no se escucha el majestuoso concierto de aquellas máquinas de escribir, el reportero que cuestionaba a fondo, la denuncia con la libre expresión como espada, el dedo en el reglón, ellos… los que hacían noticia.

Actualmente, la web como arma de dos filos, el recurso y el impedimento, pero en una analogía fílmica, en Homo Espacios realizamos una selección de cinco filmes, donde la miseria de un magnate de la prensa, la basura televisiva, esa conciencia social que despierta un buen reportaje, el nuevo príncipe de la información y la adictiva pasión que transmitía el único Premio Nobel de Literatura estadounidense, quien influyó profundamente a su musa y a muchos más… serán la línea editorial para este artículo.

5. Citizen Kane (Estados Unidos. 1941)

Ópera prima de Orson Wells, ganadora del único Óscar conseguido por Welles en toda su carrera y fue por mejor guion original. Además, Wells realizó el papel de Charles Foster Kane en este rollo, un magnate del periodismo que antes de morir menciona un “macguffin” cinematográfico: “Rosebud”, cuya significado de la palabra investiga el periodista Jerry Thompson (William Alland), entre la vida privada, entrevistas a amigos, compañeros y familiares de este apoderado de la prensa estadounidense. Después de comprender la vida de tan encumbrado ciudadano, el espectador descubre el enigma de “Rosebud” y cómo es el único momento de felicidad en la vida de un hombre que poseía todo, pero que en realidad careció siempre de lo esencial.

 

4. Network (Estados Unidos. 1976)

Las cadenas televisivas y su mafia… los maestros de la manipulación masificada, el chantaje oportuno y la altiva frialdad en su proceder, es una breve descripción de la moraleja que encierra este rollo dirigido por Sidney Lumet. El caso… un avejentado y demente conductor del noticiero nocturno de una de las televisoras con menor audiencia, la UBS y su iracundo presentador Howard Beale (Peter Finch), quien al enterarse de su retiro en un par de semanas, hace una declaración al final de su participación en este telediario: “Voy a suicidarme ante las cámaras…”, sin prestar mucha atención por parte de la producción, la noticia se convierte en un “boom” en otros espacios informativos, lo que eleva el rating, aprovechado hábilmente por los directivos y que desencadena una serie de hechos donde la simulación, es la protagonista.

Ganadora a cuatro Premios Oscar, cuatro preseas Globo de Oro, un BAFTA, seleccionada en el año 2000 para ser preservada en el National Film Registry, admitida en 2002 en el Salón de la Fama de la Producers Guild of America y considerada como el octavo mejor guion para una película en todos los tiempos por la Writers Guild of America en el 2006, Network detalla entre su parodia, el fastidio de la población ante las mentiras transmitidas en televisión, encerrado en la principal frase de este filme: “¡Levantase, abran su ventana, saquen su cabeza y griten: Estoy más que harto y no voy a tolerarlo más!”.

3. Spotlight (Estados Unidos. 2015)

El departamento Spotlight, que es un selecto grupo de reporteros del periódico estadounidense The Boston Globe, que por cierto es propiedad de la firma The New York Times Company desde 1993 y que en sus filas cuenta con periodistas que suman 18 premios Pulitzer, realizan un gran reportaje -género periodístico-, acerca de los vergonzosos casos de pederastia cometidos por curas de Massachussets que habían vivido enterrados por décadas, gracias a la “buena fe” de las autoridades, “oídos sordos” de la comunidad y la “vista gorda” de los medios locales.

Nominada a seis premios de la Academia para este 2016, Spotlight o En Primera Plana para los países hispanoparlantes, muestra como la “vieja escuela” resulta ser el mejor método para la actividad reporteril, el buscar la entrevista tocando puerta por puerta, presionar a quien sea necesario para obtener la verdad de los acontecimientos y una investigación entre las telarañas de archivos o el polvo bibliotecario, suelen ser los mejores aliados para ganar “La de ocho”.

2. The Fifth Estate (Estados Unidos. 2013)

¿El nombre de WikiLeaks les dice algo?, entonces les comento que esta agitada cinta se basó en los libros Inside WikiLeaks: My Time with Julian Assange and the World's Most Dangerous Website (2011), escrito por el ex vocero de este famoso web site y activista informático alemán Domscheit-Berg, y el otro título es WikiLeaks: Inside Julian Assange's War on Secrecy (2011), investigación de los periodistas David Leigh y Luke Harding del diario británico The Guardian. La historia narra la primera reunión de Daniel Domscheit-Berg (Daniel Brühl) con el programador, periodista, activista de Internet australiano y fundador de WikiLeaks Julian Assange (Benedict Cumberbatch) en el 2007, juntos logran exponer las actividades ilícitas del banco suizo Julius Baer, el abuso de las tropas estadounidenses en Irak, la hipocresía en la diplomacia internacional y la filtración de miles de documentos que éstos ciberactivistas suben a su plataforma, y al final, Domscheit-Berg destruye cerca de 3 mil 500 de los textos.

La película dirigida por Bill Condon, provocó que el mismo Julian Assange lanzara el documental Mediastan simultáneamente al estreno del rollo hollywoodense, explicando que por basarse en el libro de Domscheit-Berg, resultaría “engañoso”, así como por mostrar a un Assange egoísta y antisocial. Bajo la bendición de la productora Dreamworks, la película fue sometida a una serie de críticas, tanto de blogueros, así como por grandes corporaciones mediáticas… la reflexión, es cómo la prensa o el llamado “Cuarto Poder”, se encuentra influenciada de una forma acelerada y que poco a poco cede su lugar al nuevo príncipe: las redes sociales y los medios digitales, descritos en esta cinta como El Quinto Poder.

1. Hemingway & Gellhorn (Estados Unidos. 2012)

Novelesco y apasionante filme dirigido por Philip Kaufman, ubicado en el periodo cuando la novelista y periodista estadounidense Martha Gellhorn Ellis (Nicole Kidman), conoce al escritor, cuentista y maestro del periodismo Ernest Hemingway (Clive Owen). La primer fecha… 1936, en un bar pesquero de Key West, Florida, donde el mayor atractivo de Hemingway, es en definitiva, su autenticidad. Después de un año, en la Guerra Civil Española, se reencuentran y algunas de las mejores escenas son cuando el maestro estalla y brinda una lección a Gellhorn, que paralizada por el horror bélico detiene el sonido de la teclas de su máquina de escribir; la adrenalina en la piel -textual-, al intimar esta pareja cuando las bombas caen sobre el antiguo hotel donde se refugiaba la prensa; lo caótico de ser un reportero cuando se lleva un amor en el alma: “Te has robado mis letras…” se lee en una parte del guion realizado por Jerry Stahl y Barbara Turner; o el impactante último momento en la vida de Hemingway.

Así, a este gran filme le otorgamos el primer sitio, en gran medida por la descripción que hace del periodismo de guerra, dos corresponsales que relataron el frustrante olor a la sangre, la miseria humana, el dolor de las víctimas, y que fundieron su profesión en una de las mayores historias de amor dentro del periodismo.

Increíble pero Hemingway & Gellhorn, bajo el sello de HBO, no logró ninguna nominación a los Oscar, tampoco un galardón en Cannes o un Globo de Oro, sólo dos Emmy y fueron a mejor Banda Sonora Dramática, así como mejor Sound Mixing para una Miniserie, Película o Especial, pero la verdad, es que esta película es una auténtica joya cinematográfica.

 

Estimados homoespacieros les comparto algunos enlaces sobre estos cinco filmes periodísticos y mediáticos:

-Hemingway & Gellhorn (Estados Unidos. 2012). https://youtu.be/pWFuQlLqqZk

-The Fifth Estate (Estados Unidos. 2013). https://youtu.be/zDawRLFDneY

-Spotlight (Estados Unidos. 2015). https://youtu.be/kZfOVUUc_1w

- Network (Estados Unidos. 1976). https://youtu.be/oQZxdafB83g

- Citizen Kane (Estados Unidos. 1941). https://youtu.be/2P1qYGrFgXY

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18-Jan-2016

Recinto teatral y de otras manifestaciones artísticas, creado en 1990 mediante un convenio celebrado entre el entonces Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), hoy Secretaría de Cultura y el Instituto Cultural Helénico. La historia de la llamada “Casa de Jáuregui”, construida en 1954 con piedras del siglo XII procedentes de la provincia española de Ávila, integra una Capilla estilo gótico del siglo XIV, el Claustro tipo románico del siglo XII, y otros elementos que reflejan un mestizaje arquitectónico único; la fundación del Instituto Cultural Helénico y su Teatro data de 1973, bautizado así por el famoso obispo, catedrático, escritor y primer director del instituto, el Dr. Pablo de Bellester. Comentaremos también sobre los tres espacios que integra el Centro Cultural Helénico, los festivales que organizan, el Premio Nacional de Dramaturgia Joven “Gerardo Mancebo del Castillo”, sus ciclos, talleres, lecturas dramatizadas, publicaciones, conciertos y otras actividades, así como algunas recomendaciones en su cartelera y el rumbo que busca tomar el Helénico para este 2016.

El arte escénico, entrelazado con su amante, la danza; la música, para exponer las emociones y la dramaturgia, que habla en un pedazo de papel. Expresión milenaria que embelesa, brinda un ejercicio de reflexión para el interno, arranca una carcajada o roba mágicamente una lágrima al espectador. Sensibilidad memorizada en un guion, actos que dan sentido a esas enmudecidas historias de la humanidad, la introspección como regalo del teatro, expectativa al abrir el telón y la actuación, donde la realidad de la fantasía se disfruta en vivo y a todas luces, todo ello, es hablar del Centro Cultural Helénico.

Manifestación artística viva, esa que da la cara sin esconderse detrás de la lente de una cámara, es como dijera el gran periodista cultural y escritor veracruzano Braulio Peralta, en el artículo de apertura para la Memoria 2007-2012 del Centro Cultural Helénico “Buenas (y malas) noticias del quehacer escénico”: “Se nos olvida, pero del teatro salen los creativos para el cine y televisión. No se puede matar al origen…”

“Decir tanto en tan poco…” fue el consejo entre líneas de ella, quien en secreto me inspiró y continúa haciéndolo, además de motivar la realización de este artículo homoespaciero. El Helénico, joya arquitectónica en la Ciudad de México, considerado como el Centro Cultural de lo escénico, al que conocía solo por sus comunicados de prensa hasta el año pasado, la Circonvención Mexicana fue el cupido.

Su historia, cubierta entre antiguas piedras ibéricas

Helenístico, periodo histórico que durara cerca de 300 años, desde la muerte de Alejandro Magno en el 323 a.C., hasta el trágico suicidio de la última reina faraónica del Antiguo Egipto y de la dinastía ptolemaica en el 30 a.C., Cleopatra VII. Esa etapa muestra los años en el declive del griego clásico al ascenso del poderío romano. El término fue utilizado por primera vez a inicios del siglo XIX por el historiador alemán Johann Gustav Droysen, refiriéndose a un criterio lingüístico conocido como Hélade y cultural de la Antigua Grecia. En el arte, el helenismo fue identificado principalmente en la arquitectura, escultura y pintura, basándose en la belleza y que brindó hermosas obras como la Venus de Milo, el Altar de Pérgamo o la Victoria de Samotracia. Digo, por aquello de entender mejor la terminología, pero mejor adentrémonos en la historia del Centro Cultural Helénico.

El comprender como se creó este espacio cultural y escénico en la colonia Guadalupe Inn de la Ciudad de México, es remontarnos hasta los años veinte… el sitio, la cosmopolita metrópoli de Nueva York y el personaje, el famoso magnate del periodismo estadounidense William Randolph Hearst.

Resulta que este soberano de la prensa norteamericana, conocido como “El Ciudadano Kane”, tenía una fascinación por la arquitectura antigua, así que compró una capilla estilo gótico y un claustro románico, solo que los adquirió en tierras un tanto distantes… en la provincia de Ávila en España. Después de ser embarcado, el material llega a la gran manzana, pero el rumor de una extraña epidemia de fiebre española, hizo que el cargamento permaneciera en cuarentena en un almacén. Problemas financieros hicieron que estas piedras estuvieran treinta meses más guardadas y después de la depresión económica de 1929, Hearts abandonó el proyecto.

Después de fallecer, en 1951, la familia de este magnate de los medios estadounidenses decide vender todo el proyecto y las antiguas piedras ibéricas que datan del siglo XII. El empresario y coleccionista de arte mexicano Nicolás González Jáuregui, se entera, compra, transporta el material a la capital mexicana y edifica en 1954 bajo la supervisión del arquitecto Luis Ortiz Macedo, la Capilla Gótica y el Claustro Románico para formar parte de su residencia.

En 1973, existen varias teorías de cómo surge el Instituto Cultural Helénico, una es que por problemas económicos, el inmueble es tomado por el gobierno y por decreto presidencial, pero también existe la versión de que fue la familia Jáuregui quien lo ofrece con la condición de ser usado como un circuito para promover el arte. En fin…fue el 14 de diciembre de dicho año que nace el Instituto, su primer director fue el Dr. Pablo de Bellester, oriundo de Barcelona, España; el Obispo de Nacianzo y catedrático de Griego Clásico y Etimologías, así como autor de quince libros de investigación histórica, filosofía y arte, es a quien se le debe el nombre de este espacio cultural… helénico.

El Centro Cultural Helénico sale “a escena” en 1990, gracias a un convenio firmado por el entonces CONACULTA y el Instituto Cultural Helénico, con la finalidad de apoyar y programar obras teatrales, aunque también se realizan conciertos, espectáculos dancísticos, talleres, conferencias y otras actividades en el Teatro Helénico, el Foro la Gruta y la Capilla Gótica.

Espacios, premios, ciclos, festivales y más

El recinto capitalino de lo escénico, lo integran el Teatro Helénico, construido en 1973 por el arquitecto Eduardo Luna Traill, con 436 butacas y donde se presentan las principales puestas en escena; el Foro la Gruta, espacio experimental que ha descubierto a decenas de nuevos dramaturgos, directores y actores nacionales, y la Capilla Gótica, que en su interior expone pinturas de Tintoretto o de Murillo, gobelinos franceses y flamencos, así como de sus divinos vitrales galos y españoles, que ofrece todo un deleite visual además de acústico, ya que es aquí donde conciertos, lecturas dramatizadas y recitales se llevan a cabo.

Respecto a premiaciones, el Centro Cultural Helénico entrega desde el año 2001 el Premio Nacional de Dramaturgia Joven “Gerardo Mancebo del Castillo”, en conjunto con el Fondo Editorial Tierra Adentro. El galardón es sólo para dramaturgos menores de 35 años de edad, debido a que el nombre de la presea es en honor a un joven escritor y actor que estrenó su primera obra en el Foro la Gruta y que falleció de forma prematura a los 30 años, en el 2000. El proceso de selección dura varios meses; 30 propuestas son elegidas por un jurado que integra reconocidos creadores teatrales, de las que sólo una será la ganadora con premios al autor de $120,000.00 M.N, la escenificación de su trabajo por parte del Helénico, además de incluir su obra en un libro que publica la editorial Tierra Adentro.

En lo que se refiere a ciclos, la programación de este Centro Cultural se segmenta por Ópera Prima, para promover a las nuevas generaciones de directores y dramaturgos; Dramaturgia Mexicana, que expone el talento nacional; Escena Contemporanea, donde las últimas dramaturgias sorprenden al público; Clásicos con Propuesta Contemporánea, que integra el pasado como presente; Hecho en…, constituye el arte escénico producido en los estados de la República Mexicana y Teatro para niños, obras donde hasta los adultos reviven a su intrínseco infante.

Algunos de los festivales que se han presentado en este recinto de lo teatral son: el Encuentro Nacional de Clown de la Ciudad de México, que ha sido sede de sus tres ediciones; Desde los Grandes Teatros del Mundo, que en el 2015 proyectó varios conciertos de renombrados festivales musicales de distintas partes del orbe; formó parte de la serie de conciertos Vive la Música y fue uno de los sitios donde la Circonvención Mexicana celebró sus diez primaveras con tres galas.

Otras de las actividades que aquí se realizan son: los famosos conciertos y recitales en la Capilla Gótica, las lecturas dramatizadas a cargo de la reconocida institución británica The Royal Court Theatre, así como conferencias y talleres en diversas áreas de la creación escénica como: dirección, actuación, producción, dramaturgia, manejo de voz, danza y más. También, puedes consultar su cartelera y otras actividades en su página o adquirir la publicación mensual Espectador Helénico para mantenerte informado.

Recomendaciones en cartelera

Algunas sugerencias homoespacieras, dentro de las obras programadas para enero y febrero del presente año en el Helénico son:

-Ópera Prima: Karamazov, todo está permitido, en el Teatro Helénico los martes a las 20:30 horas para conocer cómo la pérdida de valores encuentra respuestas en la obscuridad del ser humano.

-Ciclo Hecho en… Hidalgo: Escrita y dirigida por Álvaro Muñoz, La Contracción de Lorentz, que relata la historia de dos gemelos que escapan a un tiempo y espacio relativo, la puedes ver en el Foro la Gruta los jueves a las 20:30 horas.

-Teatro para niños: De ovejas y príncipes en un tren, obra que ofrece una ventana a la aceptación de la vida, así como invitar a los adultos a platicar con su niño interior con alma de príncipes. Presentándose los domingos a las 13:00 horas en el Foro la Gruta.

-Temporada de fin de semana. Muchos títulos escénicos que suenan bastante bien son: El secuestro de la Cuquis; El jardín secreto, con una temática sexual monárquica y de desamor -por estrenarse en febrero- los martes a las 20:30 horas en el Foro la Gruta, o Exceso de Equipaje, para la relación de pareja, a partir del 13 de febrero todos los sábados a las 19:00 horas en el Foro la Gruta.

Después de un análisis sinóptico, nuestra recomendación es La última sesión de Freud, obra que se basa en la entrevista realizada por el escritor cristiano C.S. Lewis en 1939 al científico ateo Sigmund Freud, que a sólo 20 días de su muerte, lo enfrenta a un tema que no se puede evadir: ¿Dios existe?. En cartelera del 12 de febrero al 17 de abril, los viernes, sábados y domingos con dos funciones en el Teatro Helénico.

La pregunta final

Homo Espacios (HE).- ¿Qué rumbo tomará el Helénico para este 2016?

Centro Cultural Helénico (CCH).- “Nos apegaremos a los lineamientos que nos señale en su momento la Secretaria de Cultura, pero sin duda daremos seguimiento a la vocación del Centro Cultural Helénico, que es la de presentar lo mejor de la creación escénica de México. Continuaremos atendiendo a los espectadores fieles a nuestros teatros y generaremos mecanismos para la creación de nuevos públicos, además mantendremos las plataformas que hemos generado para brindar oportunidades a los jóvenes creadores en busca de su profesionalización”.

“Con el objetivo de aumentar el acceso a la cultura, el Helénico procurará acercar a la comunidad al arte escénico, sobre todo a quienes pocas veces o nunca han presenciado un hecho artístico. Para ello, este año sumará  esfuerzos con el gremio teatral de la Ciudad de México, con  el afán de crear nuevas estrategias de difusión”.

Estimados Homoespacieros, les compartimos los enlaces web para que puedas consultar la cartelera del Helénico y algunos videos:

-Centro Cultural Helénico (web). http://www.helenico.gob.mx/

-Centro Cultural Helénico (Video Secretaría de Cultura). https://youtu.be/aDi51TeOgUc

-Vive tus vacaciones en el Helénico 2015 (Video). https://youtu.be/2MbMXmN280s

-Centro Cultural Helénico (Facebook). https://www.facebook.com/Centro-Cultural-Hel%C3%A9nico-119521791444188/

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11-Jan-2016


La “tierra de los once ríos”, estado que fuera casa de varias culturas prehispánicas que dejaron grabadas las huellas de su andar, finas edificaciones virreinales que datan del siglo XVI, costas bañadas por el Mar Cortés, el brío de sus nativas que roban el aliento, sabores típicos del norte mexicano, el sonido de El Chepe a la distancia, la entrada a la Sierra Tarahumara o a las imponentes Barrancas del Cobre, trompetas que buscan a “El Niño Perdido”, su capital Culiacán en el centro de su territorio, tamboras para bailar “El Sinaloense” y cuatro pueblos mágicos, que para este artículo, entre minas, leyendas y otros cortejos, mencionaremos dos… Cosalá y Mocorito.

Pláticas, de esas que se disfrutan sentado en un equipal, un mezcal para agarrar tono, alegres tonadas de una tambora, “lindas hembras, que hacen del cielo su carnaval…” dice el tema “Mi Mazatlán”, localidad donde se escuchan las canciones de su hijo Pedro Infante, los respetables amerindios yoremes en el Valle del Fuerte, Los Mochis con su corredor del Mar Cortés a las Barrancas del Cobre, el sitio arqueológico de San Ignacio, los petroglifos de Las Labradas y las delicias gastronómicas, como son los Camarones Rellenos, el Marlín Ahumado, la Machaca, el Chilorio o el Asado de Res, acompañado con cerveza de la región o una refrescante Agua de Cebada, son algunos de los atractivos de Sinaloa.

La historia del estado, se remonta a la prehispánica Aridoamérica, límite de Mesoamérica, donde culturas como los Cahitas, Tahues, Acaxees, Xiximes, Totorames, Achires y Guasaves, habitaban este territorio. En 1529, el peninsular Nuño Beltrán de Guzmán, funda la primera localidad virreinal sinaloense… la Villa del Espíritu Santo de Chamentla. En el periodo del dominio de la Corona Española, estas tierras fueron divididas en tres provincias: Chimatlan, Culiacán y Sinaloa, pertenecientes a la gubernatura de la Nueva Galicia.

Durante la etapa de independencia nacional, nombres como González Hermosillo o el indio ópata Apolonio García, figuran como héroes del estado. Otro acontecimiento importante, es la separación de Sinaloa y Sonora en 1830 y su primera Constitución Política estatal, fue firmada el 12 de diciembre de 1831.

El también llamado “Granero de México”, cuenta con cuatro pueblos mágicos, uno de ellos es El Fuerte, que resguarda una parte del pueblo yorome, la belleza natural de su río, una Zona Arqueológica y el santuario del Sagrado Corazón de Jesús; El Rosario, con sus edificaciones estilo neoclásico, el museo de la gran Lola Beltrán, las playas del caimanero o su mezcal artesanal. Las otras dos mágicas entidades, son nuestra propuesta turística en este artículo homoespaciero, sitios con leyendas fantasmales, zonas mineras, un ambiente bohemio y otros silenciosos coqueteos en sus callejones, hablamos de Cosalá y Mocorito.

Cosalá: Trazo minero

Fundado el 13 de marzo de 1562 por el empresario minero Amador López, el “Lugar de hermosos alrededores”, fue uno de los sitios más importantes en la producción de metales preciosos, ya que las minas del Real de las Vírgenes de Cosalá son las más antiguas del estado.

El trazo del pueblo permanece igual al del Siglo XVIII, de forma geomorfa o de “plato roto”, el capricho en el diseño de sus calles y callejones, le otorgan una especial belleza rodeada de encantos naturales, como es el caso del balneario Vado Hondo, donde puedes pasar una noche bajo las estrellas, disfrutar del espectáculo de sus tres cascadas, o simplemente saborear una carne asada; la imponente Presa José López Portillo, para realizar algo de pesca deportiva o para los adictos a la adrenalina, lanzarte de una tirolesa de 750 metros de longitud en la Reserva Ecológica del Mineral de Nuestra Señora y sí, también este sitio fue un yacimiento de plata.

Aquellos amantes del turismo cultural, tal vez deseen visitar el Museo de Minería e Historia, pinacoteca que exhibe varias piezas del esplendor minero; la sala Heraclio Bernal, forajido que sirvió de inspiración al mismo Pancho Villa o el cuarto dedicado al “Trovador del campo” Luis Pérez Meza, quien compusiera la famoso canción “El sauce y la palma”, que incluso se rumora, cantó para las tropas estadounidenses en la Segunda Guerra Mundial.

Algunas de sus principales edificaciones son: la Plaza de Armas, la Parroquia de Santa Úrsula que cuenta con un centenario reloj de sol y que aún tiene utilidad, la Casa del Cuartel Quemada, la Quinta Minera, entre otros 250 edificios históricos, pero se un poco precavido, ya que en muchos de ellos, sus pobladores dicen que sus antiguos dueños aún se les ve caminar por sus pasillos.

Las principales fiestas de Cosalá son del 22 al 24 de junio, fechas en las que se celebra la Feria de San Juan, entre cabalgatas y palenques; su Aniversario por ser el primer Pueblo Mágico de Sinaloa, que se realiza cada 6 de octubre, donde fuegos artificiales, conciertos y sus delicias gastronómicas, deleitan a sus pobladores y turistas.

Mocorito: Romance fantasmal

La Misión Jesuita de Mocorito fue fundada en 1594 por los frailes Juan Bautista Velasco y Hernando de Santarán, desde esa fecha y hasta 1830 la entidad perteneció a la provincia de Culiacán. Después de la separación con Sonora, Mocorito tardó otros 85 años para obtener el nombramiento de municipio un 8 de abril de 1915 y en la Feria Nacional de Pueblos Mágicos 2015, logra la distinción de integrarse a este listado de poblados.

El paseo cultural inicia en el Templo de la Purísima Concepción, que expone catorce hermosos grabados del Siglo XVI, cruza su Plaza Central hasta llegar a la Escuela Benito Juárez, edificación que anteriormente fue una cárcel; date una vuelta por la Presidencia Municipal, para admirar su hermoso mural “Granito de Oro”; acude al Museo de Historia Regional, donde se encuentran huesos de mamut, primitivos utensilios de piedra y hasta milenarias piezas de barro; también, visita “La plaza de los tres grandes” y pregúntale a alguno de sus habitantes por qué lleva este heroico nombre.

Conocido como la “Atenas de Sinaloa”, Mocorito fue casa de grandes pintores y escritores, incluso Siqueiros se enlistó justo aquí para participar en la Revolución Mexicana. Así, bohemio y con leyendas de hombres que toman forma de animales, misteriosas mujeres vestidas de blanco que levitan o historias de gente que ha muerto de amor, éste poblado sinaloense es el sitio perfecto para encontrar alguna compañera de viaje, ya sea que la conozcas en el Carnaval, celebrado desde el primer sábado de cuaresma, con una duración de cuatro días, o bien, vagando en la Plaza Hidalgo… ya que para comprobar que la chica es real, tal vez sea necesario pedirle un beso, digo, para iniciar y el después… mejor lo dejo entre líneas.

Estimados homoespacieros, les comparto los tradicionales enlaces dentro de la web para continúen este recorrido sinaloense entre minas, leyendas y otros cortejos:

-Sinaloa. https://youtu.be/GnLu2wWelvE

- Cosalá. https://youtu.be/D1E-aPoC4EI

-Mocorito. https://youtu.be/YkqNoJWYmZY

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04-Jan-2016

Lugares, música, personalidades, arte, genialidades, festivales, reseñas, colaboraciones, cápsulas televisivas, comentarios en radio y muchas vivencias, formaron parte del aprendizaje entintado durante el año que acabamos de concluir. El 2015, contó dentro de los apartados de Homo Espacios sobre Turismo, Homoespacieros, Amor a la melomanía y Otras artes, con algunos artículos que seleccionamos como nuestros favoritos. Además, Homo Espacios se integró al equipo de Noticias México Al Día PM de Televisión Educativa, con cápsulas melómanas, comentarios en el programa El Poder de la Palabra de Radio Capital y El Cronista Viajero por Quiéreme 1440 am, también formó parte de la firma de periodistas Vanguardia Digital.

Oficio que surgió entre la espontaneidad, letras que son el mejor refugio y regalo, proyectos que forjan una fraternidad, sonidos que enriquecen al ánimo, manifestaciones artísticas que maravillan, secretos entre líneas, ideas a media noche… y un continuo aprendizaje como presente, son algunos motivos para continuar.

El argumento es la pasión, el tiempo como maestro, y el genuino agradecimiento, la pieza clave para edificar con cimientos firmes el futuro, objetivos con pies en el suelo y las metas, donde el arrojo, así como la constancia abrazada como compañera, suelen ser sus ingredientes más significativos, mientras que la sensibilidad inspire y los sueños no se basen en propósitos banales.

Así, iniciamos un nuevo año, rememorando el pasado… al elegir, dentro de los apartados homoespacieros, los mejores artículos, destinos y personalidades 2015.

Turismo mexicano, internacional y capitalino

En el Recorrido mexicano homoespaciero, algunos destinos como el guanajuatense poblado mágico de Mineral de Pozos, con su interesante historia; Álamos en Sonora, con su oculto Callejón del beso; los bellos arenales de Paraíso en Tabasco; la adrenalina que producen los rápidos veracruzanos de Jalcomulco, con su embeleso selvático y otras bellas localidades que llenaron nuestro gozo turístico, fueron consideradas. El recién nombrado Pueblo Mágico quintanarroense de Tulum, fue el elegido como mejor destino nacional 2015, gracias a su hermosa naturaleza rivereña, su propuesta eco-turística, los hoteles boutique que posee y sus concurridas edificaciones precolombinas.

En materia internacional, La Magia de América, nos llevó a visitar -entre letras- poblaciones como el territorio caribeño de los Países Bajos, Curazao, o la norteamericana Alberta en Canadá, al elegir como mejor destino internacional… Punta del Este, fina caricia del Atlántico uruguayo, que con sus playas Mansa y Brava, el famoso “Casapueblo”, sus museos, la admirada Mano de Punta del Este y su atractiva vida nocturna, fue el favorito del 2015.

Respecto al mejor Lugar con estilo 2015 en la capital mexicana, algunas opciones eran el Film Club Café de Satélite, con su entretenimiento cinematográfico y sus ecos sincopados; el jazz y otras delicias que ofrece Las musas del PapáSibarita en la Colonia Roma; optamos por Autocinemas Coyote como nuestro ganador, por su concepto retro, sus platillos clásicos de aquellos años sesenta, las noches temáticas y otros eventos que realiza esta original empresa cinéfila.

Homoespacieros, musas, divas, personalidades y periodistas

Divas… fue una de las creaciones entintadas del año pasado en Homo Espacios. Desarrollamos cuatro artículos sobre la mujer en el mundo del cine, donde incluimos a féminas como Sophia Loren, Greta Garbo, Mimí Derba -quien fuera la primera cineasta mexicana-, así como la pionera del largometraje Lois Weber. La seleccionada como Diva 2015, fue la francesa Alice Guy Blanché, primera cineasta que realizara su ópera prima La Fée aux Choux en 1896 y dirigiera cerca de 600 filmes.

Mientras que la elegida como Musa 2015, fue la Erató sincopada Dannah Garay, ya que además de su atractivo vocal, ésta sugestiva cantante de jazz,  amante del diseño gráfico, admiradora de la pintura, realizó su último álbum My Miracle (2014), dedicado a su mayor inspiración… su hijo.

Las Personalidades reseñadas en el 2015 fueron: el guitarrista Django Reinhardt y su jazz gitano, el maestro del suspense Alfred Hitchcock, Robet Johnson con su misterioso delta blues… y Astor Piazzolla, seleccionado como nuestra distinguida celebridad, por contar con una genialidad lírica única, revolucionario del tango, que logró ligar este género musical argentino con el jazz y la música de cámara.

Por su parte, el Homoespaciero 2015, es el gran comunicador y periodista Abelardo Martín Miranda, actual Coordinador General de Comunicación Social de la Secretaría de Agricultura, Ganadería, Desarrollo Rural, Pesca y Alimentación, que cuenta con una sabia humanidad en su trato, un vasto conocimiento en materia periodística, así como un amplio gusto por las bellas artes.

Melomanía, ritmo y banda

El Bluegrass… y las raíces de country, un artículo que provocó varios comentarios en redes sociales; Trova… feeling para una balada, fue una novelesca entrega homoespaciera sobre la historia de la nueva trova cubana y la creación de la balada. La elección para mejor Género musical 2015 fue la Morna… y otros sonidos caboverdianos, lírica africana del país insular de Cabo Verde que fusiona el fado portugués, la música carioca y el sentimiento de estas islas de África.

Algunas bandas, como las jovencitas argentinas llamadas Las Taradas, su fusión melómana con el bolero, algo de swing, ecos europeos y el folklor sonoro latinoamericano; el fino son veracruzano de Chejeré y hasta el groove de los tapatíos 3MF, se encontraban dentro la preferencia de Homo Espacios para mejor Banda 2015. Nuestra preferida para el 2015… la banda capitalina T´orus, por su magia urbana entre ecos callejeros, su jazz experimental con un hip-hop vanguardista y algo de rock progresivo.

Otras artes, invento, museo, platillo, festival y un poco más

El tiempo… y su museo, artículo seleccionado por Homo Espacios como mejor Museo 2015 así como Invento 2015, que nos brinda un breve recorrido por la historia del reloj, así como una visita al Museo del Tiempo Tlalpan, sitio que presume una gran colección de relojes de distintas épocas, rockolas, victrolas, máquinas de escribir, televisores antiguos, un fonógrafo Edison, entre otros antiguos tesoros.

Las Cifras del sazón, es otro deleite entintado, y algunos platillos nacionales que consideramos para nuestra Delicia México 2015, fueron: el poblano Chile en Nogada, con su historia del periodo de Independencia; el Pozole, de origen prehispánico y caníbal; así como nuestro primer lugar… el veracruzano Arroz a la tumbada, gozo al paladar creado a inicios el siglo XX por un grupo de pescadores que navegaban estas costas.

En lo referente a festividades, la Cumbre Tajín 2015 dejó mucho que desear en su manejo de medios, aunque en su esencia, cuenta con una vasta propuesta cultural; el Festival de Rock Progresivo y Jazz Fusión, que poco a poco se posiciona entre los corazones melómanos de los capitalinos; la joven Expo Vintage, que es todo un reencuentro artístico con el pasado; las noches del Tianguis Turístico o el Riviera Maya Jazz Festival, catalogado como el mejor festival sincopado de nuestro país. Para Homo Espacios, fue la Circonvención Mexicana, el mejor Festival 2015, ya que éste circense encuentro duró un mes, contó con distintas galas en el Centro Cultural Helénico, el Teatro Ocampo de Cuernavaca, el CENART, así como “La Conve” en el Centro Vacacional Oaxtepec… en definitiva una gran muestra de talento, esfuerzo y comunidad entorno al circo.

Algunas nuevas secciones homoespacieras en el 2015 fueron: Sincopadas (dedicada a las divas del jazz), Artistas Mexicanos, Compositores Mexicanos, así como Bandas Sonoras.

Muchas gracias por su lectura, apoyo en redes sociales, favorecernos con su audición a las cápsulas en radio y su atención a las cápsulas melómanas en Televisión Educativa. También agradezco a todos los medios fraternos a Homo Espacios, por el apoyo en publicaciones en el 2015. Les comparto los tradicionales enlaces con algunas producciones en video que realizamos. Reciban los mejores deseos para este 2016.

-10ma Circonvención Mexicana... Galas en el Helénico. (Homo Espacios). https://youtu.be/GGFujY-iO_k

-Las noches... del Tianguis Turístico de México Acapulco 2015 (Vanguardia Digital - Homo Espacios). https://youtu.be/4dHtdzFiWMI

-Homo Espacios (Televisión Educativa). https://www.youtube.com/playlist?list=PLuf-CjH3cFGAkeUS860iv3VaEqdTsgk5c

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22-Dec-2015

Nueva sección homoespaciera dedicada a las divas del jazz; nuestra madrina de esta primera entrega es una mujer que convirtió a su constante compañero, el dolor, en temas sincopados… Billie Holiday, que sufriera una infancia llena de abandono y abusos; una adolescencia entre burdeles y el hambre, que lamentablemente puso precio a su piel; rescatada por las composiciones de Louis Armstrong y Bessie Smith, cuyos temas cantaba entre los bares neoyorquinos de Harlem a la edad de 15 años; descubierta por el productor, músico y crítico de jazz John Hammond en 1933, personaje que organiza su grabación inaugural con Benny Goodman; primera mujer de raza negra que trabajó con una orquesta blanca; atormentada por sus parejas y enamorada sin ser correspondida, de aquel que le otorgara el apodo de "Lady Day"; levanto su voz contra el racismo y explotación hacia sus hermanos con el tema "Strange Fruit" en 1939; una leyenda del jazz vocal e influencia de grandes cantantes como Frank Sinatra o Nina Simone, acosada por el demonio de las drogas y el alcohol para acallar sus clamores internos, verdugos que al final, cerraron sus lindos ojos marrón un 17 de julio de 1959.

El seguir una misma línea, ese estructurado guión que se interpreta a diario, en lo cotidiano, actividades establecidas, aquello que se encuentre bajo nuestro “control”, discursos internos que en ocasiones pueden ser el velo que nos detiene, pero el escritor del destino, en ocasiones cambia el itinerario, lo inesperado entendido como algo milagroso, un nuevo aprendizaje o decisiones de vida, místicos mensajes en el libro de la vida, revelados… entre líneas.

El jazz, es una muestra de esta reflexión envuelta por la magia de la improvisación, ingrediente clave en esta lírica, ya que otorga su marca propia a un tema y nace de una verdad fundamental… la libertad. Mientras que el toque femenino en los sonidos afroamericanos otorga estremecimiento, inspiración y gozo por esta adictiva música, ellas, conocidas como divas, a quienes Homo Espacios dedica un homenaje entintado a éstas femeniles leyendas del ritmo roto, por ello, elegimos a la emotiva cantautora Billie Holiday nuestra madrina... sincopada.

Los sombríos primeros años

Eleanora Fagan Gough, conocida como Billie Holiday, nace un 7 de abril de 1915 en el poblado estadounidense de Pensilvania en Filadelfia, su madre Sarah Julia “Sadie” Fagan tenía 13 años cuando nació Billie, y su padre Clarence Holiday, contaba con 15 años. Algunos especialistas mencionan que los datos de su certificado de nacimiento, señalan como padre a otro, aunque este hecho pudo ser una equivocación del hospital o del departamento de gobierno, de cualquier forma, el señor Holiday abandonó a la familia cuando Billie era una bebé.

La joven madre de Billie, dejaba constantemente a su hija con amistades o familiares, lo que ocasionó que en una de estas casas, sufriera un intento de violación, motivo por el cual fue enviada durante un periodo al colegio e internado católico The House of the Good Shepherd, donde fue bautizada un 3 de octubre de 1925.

En 1929, llega a un burdel en el neoyorkino barrio de Harlem, sitio donde su madre ofrecía pasajeros placeres a cambio de dinero, lo que Holiday decide imitar. Mientras que a lo lejos un sincopado mensaje salvador atraía a la jovencita de 14 años… la música de “Satchmo” y la voz de la "Emperatriz del blues". Así, Billie cambió los insinuantes atuendos de la desesperación, por lo que se convertiría en su único amante bondadoso… el jazz.

Nace Billie Holiday

La fresca voz de la pequeña Eleanora Fagan, se popularizaba en diferentes bares de Harlem en 1930, tanto, que brindó un reencuentro con su padre, quién la incluyó en una pequeña banda local; algunos de los cazatalentos de aquella época fueron: el productor, músico y crítico de jazz, John Hammond, quien la descubre en 1933, Hammond comenta de su emotiva genialidad vocal a Benny Goodman, con quien graba sus primeros temas "Son-in-Law" y "Riffin' the Scotch" del álbum Your Mother's Son-In-Law (1933) de este gran representante de las big bands.

Teddy Wilson, Count Basie y Artie Shaw son algunos nombres de directores de grandes bandas con los que colaboró Billie Holiday en los años treinta, Wilson la formó en su primera etapa como artista, Count le abrió muchas puertas y Shaw fue el primer director de una big band blanca que integró a una cantante afroamericana, aunque el constante racismo por parte de la escena del jazz pálido, fue una de las situaciones que tuvo que soportar Holiday.

Temas como "I can't get started", "They can't take that away from me", "Swing it brother swing", “My man” o "Summertime" formaron parte de sus primeros éxitos, además, en 1936, realiza su primera composición “Billie's Blues”.

Algunos rumores sobre Holiday en este periodo, eran su no correspondido amor por el saxofonista Laster Young, que fuera uno de sus artísticos acompañantes y quien la apodara “Lady Day”, así como un supuesto romance con el actor, guionista, productor y cineasta Orson Welles e incluso una supuesta preferencia por la bisexualidad. Otro dato importante es que en sus iniciales años como cantante, el nombre de Billie Holiday, nació por la fascinación que la joven Eleanora sentía por Billie Dove, famosa actriz de la época del cine silente.

Éxitos… en claroscuro

En 1939, bajo la firma de Commodore Records, Holliday graba uno de los temas considerados por la revista Time, como la mejor canción del Siglo XX, poema escrito por Abel Meeropol… “Strange Fruit”, melódica insignia del movimiento por los derechos civiles estadounidenses, en contra de los racistas linchamientos hacia los hermanos de raza negra en los Estados Unidos.

Los principales éxitos de Lady Day, los realiza en los años cuarenta, algunos ejemplos son: "God Bless The Child", tema que coescribe y lanza en 1941, firma con DECA en 1942 donde graba otra de sus joyas en 1944… “Lover man (Oh Where Can You Be)” y adiciona otras dos delicias sonoras este mismo año: “Don’t explain” y “Crazy He Calls Me”. Además, participó en el filme Nueva Orleans (1947) junto a Louis Armstrong, en 1948 su legendario concierto en el Carnegie Hall obtuvo un lleno total, así como su espectáculo "Holiday on Broadway", aunque tuvo una breve temporada de tres semanas.

A finales de los cuarenta, sus problemas con el consumo de drogas llegaron hasta los tribunales estadounidenses, incluso permaneció encarcelada por nueve meses y liberada un 16 de marzo de 1948, lo cual duró poco tiempo al ser detenida nuevamente 1949, y  como resultado, fue removida su licencia como artista para participar en lugares donde hubiera consumo de alcohol.

Lady sings the blues… la última década

Después de grabar “Crazy he calls me” en 1949, Lady Day participa en el cortometraje Sugar Chile Robinson, Billie Holiday, Count Basie and His Sextet (1950); graba para Clef Records los álbumes Billie Holiday Sings y An Evening with Billie Holiday y en 1954, realiza su primera gira por Europa.

En 1956 se publica su autobiografía Lady Sings The Blues, acompañada de un álbum homónimo que incluyó 16 tracks y realiza sus dos últimos conciertos en el Carnegie Hall; para 1957, firma con Verve Records, donde lanza los álbumes: Body and Soul y Songs For Distingue Lovers, así como la grabación de los temas: "Stay With Me" y "All or Nothing At All" en 1958.

El último disco de Holiday fue Last Recordings (1949) para la MGM, para entonces, denotaba su desgastada voz a causa del consumo de drogas y los tragos amargos de parejas abusivas, ahogados en alcohol. Al final, una cuenta bancaria con tan solo 70 centavos, custodiada por policías de Nueva York que pretendían encarcelarla por posesión de estupefacientes en un cuarto de hospital y una cirrosis hepática fulminante marchitaban el alma de Lady Day… sus ojos se cerraron, las gardenias que colocaba en su cabellera caían en su ataúd y el jazz se vistió de negro un 17 de julio de 1959.

Estimados homoespacieros les comparto algunos enlaces web por si desean conocer más acerca de Billie Holiday:

-Billie Holiday: 100 Years of Lady Day (Cápsula Revista Time). https://vimeo.com/124039741

-“Strange fruit” (Subtitulado español). https://youtu.be/-_R8xxeMFEU

-Lady Sings the Blues (Película 1972). https://youtu.be/xUh6ePH9RZU

-Last Recordings (Álbum 1959). https://youtu.be/XxCpZyVZroc?list=PLh3ZG-JLc_sibV8Az-Kw52mtQpTzC0d5k

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14-Dec-2015

Séptima entrega de los sitios capitalinos homoespacieros, que ofrecen un delicioso sazón rítmico entre otras complacencias para el paladar, y que en esta ocasión el encuentro con lo vintage será el ingrediente clave, elegimos un autocinema que te hará regresar a aquellos tiempos donde la película en el vehículo -entre malteadas y palomitas- era solo el pretexto para mostrarle a la chica, tu lado apasionado… por el séptimo arte; mientras que un diner estilo americano acompañado por un bar tipo speakeasy ubicado en la colonia Juárez, te incitará a vivir la época del glamur de los sesentas, así como de la prohibición estadounidense de los años veinte; el tercer sitio, es un restaurante retro de la colonia Condesa, donde disfrutarás del periodo del rock and roll servido en el desayuno, comida o merienda y para cerrar este artículo, un club sincopado que se ubica en la colonia Verónica Anzures, nos invita a promover y disfrutar del jazz en la Ciudad de México.

Reconfortar a los sentidos con estilo, suele ser un alimento para el interno, consumir aquellos sonidos, visiones, sabores, olores y texturas que alientan e inspiran, dan por resultado una satisfacción que perdura en el recuerdo. Tal vez algunos crean que es necesario tener grandes cantidades en el banco para lograr esto, pero no es así, ya que el buen gusto cultural no se compra, simula o manipula, sencillamente se admira y se comprende en un lenguaje intrínseco, ese que cualquier ser humano con algo de sensibilidad pueda entender, afortunadamente, en su mayoría, las manifestaciones artísticas se encuentran en lo independiente, pese a tanta basura que actualmente pretenden imponer esos cánceres empresariales y gubernamentales, por todos conocidos.

En fin… mejor disfrutemos de algo más placentero, lugares con estilo y carácter propio, y que, para esta séptima entrega, seleccionamos a los Autocinemas Coyote, Parker & Lenox, El Merendero y The Jazz Place.

Autocinemas Coyote: Cinefilia a lo retro

Los autocinemas mexicanos lograron su principal auge a finales de los cincuenta, los rocanroleros sesentas, el coqueteo setentero y su declive fue en los ochenta. En la Ciudad de México, muchos de estos se encontraban en Satélite, Linda Vista, Las Torres, la colonia del Valle, entre otros rincones capitalinos, aunque también existían en varios estados de la república.

Algunos de los principales motivos de su desaparición, fueron los incrementos en la renta de los espacios, donde el público estaba acostumbrado a pagar poco, además del desarrollo de nuevas tecnologías y salas de cine más confortables, así que después de un abandono de más de treinta años, un grupo de jóvenes deciden en el 2011 retomar este concepto, bajo el nombre de Autocinema Coyote.

La primera sucursal de Autocinema Coyote se ubicaba en Coyoacán, en la esquina de Miguel Ángel de Quevedo y Avenida Universidad, donde permanecieron un año, después se mudaron a Cuajimalpa, cerca del edificio del Pantalón (2012-2013), su tercera dirección se encontraba en Santa Fe (2014-2015) y actualmente cuentan con dos sedes: Polanco, en la avenida Miguel de Cervantes Saavedra 161 y en Insurgentes Sur 1729.

La experiencia de vivir el cine desde la intimidad de tu auto, es todo un clásico que no debes perderte, pero con el lujo de la tecnología… La cartelera Coyote, en su mayoría, contiene películas clásicas que se proyectan en su gran pantalla al ocultarse el sol, la recomendación es llegar una hora antes de que empiece la función, ya sea con alguna conquista que desees impresionar, tu pareja, la familia o un grupo de amigos que apliquen el auto sardina, ya que el precio de entrada es por auto, pero también tienen un lounge pensado para peatones.

El concepto del Autocinema te regresará a la década de los cincuenta, con música ambiente al ritmo del rock and roll forman parte de la bienvenida, después de que te asignen un lugar, puedes visitar su tienda, donde encontrarás letreros retro, playeras, cojines, tazas y otras curiosidades. Respecto a la comida, los consentidos en su cafetería son las deliciosas hamburguesas de carne o vegetarianas, los nachos coyote con chili, las palomitas preparadas a la vieja usanza y sus malteadas de fresa, vainilla o chocolate.

Experiencias Coyote….

“Nos gusta ofrecer una EXPERIENCIA no solo por el lugar, sino también por las películas temáticas, algunos ejemplos son las “Gemelas malditas”, macabros seres que se pueden acercar a tu ventana en una función de El Resplandor; recomendamos no lavar tu coche antes de venir a ver El Exorcista, ya que lo puede vomitar la niña poseída de Autocinema, si asistes a ver Vaselina, más te vale estar bien preparado para el concurso de disfraces en el intermedio o el increíble concurso de comer pasteles en el intermedio de Matilda en un domingo familiar”. Nos comentó Eduardo Nieto, del área de marketing de Autocinemas Coyote.

Otros eventos especiales realizados por Autocinemas Coyote, son conciertos mezclados con algún filme, Lanchacinema Coyote en el lago de Chapultepec, el disfrutar la película desde una alberca con su concepto Pool Cinema, cumpleaños y hasta propuestas de matrimonio, aunque para este mes decembrino su cartelera será muy navideña.

Parker & Lenox: Un diner con recuerdos clandestinos

Gánsteres, bares clandestinos y mucho swing, formaban parte de aquella época de la prohibición en los Estados Unidos a finales de los años veinte. Los famosos speakeasy… ocultos establecimientos que vendían de manera ilegal bebidas alcohólicas durante este periodo histórico estadounidense y que, desde el 2014, el restaurante bar Parker & Lenox ubicado en la Calle Milán 14 de la Colonia Juárez, retoma este concepto, añadiendo un elegante diner americano tapizado con fichas de aseguradora enmarcadas en madera, largas mesas color negro y una gran barra al estilo de cafetería norteamericana en su interior.

Lenox ofrece un menú diner clásico, un favorito  de los clientes es la Hamburguesa BMC con tocino, maple y cheddar, aunque si prefieres algo dulce la recomendación es el Carrot Cake con un betún de Jack Daniels. Después de saciar el hambre, es momento de acallar otros clamores internos y para tal propósito, deberás caminar por un obscuro pasillo que te conectará a la antigua bodega Parker, donde encontrarás sillones de terciopelo, mesitas de madera, un escenario con cortinas rojas, persianas de madera cerradas y una gran barra, donde podrás solicitar un trago, al destacar en su carta de bebidas el Clamato Parker con 1800 Verdano, un Old Fashion de casa con Jack Daniels o la Madame Kong con Tanqueray y pimienta rosa.

La música es la especialidad del sitio, ya sea que acudas a sus Noches de Ballroom para bailar algo de lindy hop, sus famosas tertulias sincopadas o una alocada velada funkera, para buscar una nueva acompañante nocturna, divertirte con tu pareja, hacer nuevos amigos o sencillamente dejarte llevar por la lírica afroamericana.

El nombre de la banda…

“El nombre la banda de casa integrada por Gigio Romero, Diego Maroto, Gabriel Lastra, Mario Patrón y Fernando Ruvel, surgió el día de la inauguración, cuando los cinco integrantes se encontraban cenando, todos vestidos con gabardina y sombrero en el diner Lenox antes de tocar en el bar speak easy Parker,y su estilo junto con la ambientación nos otorgó un shoot de film de hollywood de los años treinta, al ser bautizados por uno de los socios como… The Good Fellas Band”. Platicó Ricardo Franco, director de Parker & Lenox.

El sitio cuenta con presentaciones de bandas locales, nacionales e internacionales, de alta categoría que podrás conocer en su página de Facebook.

El Merendero: Delicias del rock and roll

La colonia Condesa debe su nombre a la familia Condesa de Miravalle, que en 1704 adquiere la Hacienda de Santa María, que se ubicaba entre aquel pueblo de Tacubaya y la Romita, aunque su desarrollo fue a inicios del siglo XX y actualmente es uno de los principales corredores culturales de vida nocturna y gastronómicos en la Ciudad de México, donde destaca un diner al estilo de los sesentas en la calle de Tamaulipas 288… El Merendero Condesa “Desayuno, Comida y Merienda”.

Muchos ubican El Merendero de la calle Higuera 22 en Coyoacán, pero en noviembre del 2013, el de Condesa abrió sus puertas para todos aquellos amantes de las fuentes de sodas sesenteras. El lugar tiene todo el espíritu de la época del rock and roll, colores en azul claro y blanco, con un tradicional piso en cuadros blanco y negro, así como una gran barra que en la parte superior tiene un anuncio luminoso donde se lee “Hot Dogs & Hamburguesas”, y si eres de esos que presumen tener un gran estómago, el Reto Merendero te espera para romper su record y de lograrlo, tu cuenta sea gratis.

Respecto a sus platillos, bien puedes iniciar con una malteada o popotitos de Pay de Limón, que es una verdadera delicia, sus hamburguesas son un distintivo del lugar, y la recomendación es… la Pedro Infante, hamburguesa clásica con 160 gramos de carne de res, queso cheedar, manchego, aros de cebolla y vegetales frescos, pero el dulce final es el Marty McFly, extravagante pastel horneado al momento, relleno de chocolate líquido y acompañado de helado de vainilla, para pecar como se debe, aunque en su menú también puedes encontrar comida mexicana como enchiladas o chilaquiles.

Definición…

“Merendero es una marca que está comenzando a destacar en el área de restaurantes  americanos, con una cocina tradicional californiana, una barra de fuente de sodas, música de la época y películas retro. Nos comprometemos a transportarte a una época inolvidable, un lugar con estilo perfecto para venir con tu oreja y romancear bebiendo una popotitos con dos popotes” Comenta Rodrigo Morales, supervisor de la marca El Merendero de Grupo Séptimo.

El Merendero Condesa, es el único que ofrece carta de vinos, así como la presentación de bandas de rockabilly, los Rebel Cats son un ejemplo, los chicos CD9 grabaron aquí su video “Ángel Cruel” y hasta Natalia Lafourcade realizó una sesión de fotos en este diner.

The Jazz Place: El club sincopado de la Anzures

El 28 de julio del 2014 un post en la página de Facebook de The Jazz Base anunciaba el cierre de este capitalino club de jazz y mencionaba que habría un nuevo sitio… la fecha, era aún desconocida, hasta que el 17 de abril del 2015 se difundiera un concierto a cargo de Iraida Noriega y la Groovy Band en lo que sería la inauguración de The Jazz Place, ubicado dentro de la Plaza de las Estrellas, local E16 en la Colonia Verónica Anzures.

El nuevo espacio para los amantes del jazz y la música afroamericana, ha presentado a grandes artistas como Pepe Hernández, el neoyorkino Erik Deutsch, Carlos Averhoff Jr de Boston, Osmany Paredes de Cuba, entre otros. En su programación semanal realizan los martes jam, en los cuales abre alguna banda y se van sumando otros músicos que asisten a este llamado melódico; así como su tradicional residencia de músicos, aunque su oferta musical es vasta de miércoles a sábado.

Algunos de los sabores de este club de la síncopa so: las pizzas jazz place o la de notas de jazz, las alitas jazz place y la hamburguesa de la casa, acompañados por un coctel Jazz Citrón o el Mojito Jazz.

Promover el jazz…

“Dentro de las actividades que hemos tenido, buscamos seguir promoviendo trabajos con escuelas de música, quienes nos envían grupos destacados para que presenten sus recitales de fin de cursos ante una audiencia real, así como apoyar producciones discográficas, que hasta el momento hemos realizado al menos unas siete, de abril a la fecha”  Nos mencionó José Fernández, Director de The Jazz Place.

A finales de diciembre, los principales conciertos serán: el de Osmany Paredes el sábado 19 y un concierto especial con Iraida Noriega, en beneficio de la Casa Hogar y Futuro para el domingo 20.  En enero, Matías Carbajal, Javier Reséndiz y Felipe Gordillo, serán algunos de los artistas que estarán estrenando el nuevo piano de The Jazz Base.

 

Estimados homoespacieros, les comparto los tradicionales enlaces en la red sobre estos cuatro… lugares con estilo:

Autocinemas Coyote. http://www.autocinemacoyote.com/

Parker & Lenox. https://www.facebook.com/parkerandlenox/

El Merendero. http://www.merendero.mx/

The Jazz Place. http://fernajo71.wix.com/thejazzplace

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07-Dec-2015

Cabañas a la orilla de una famosa laguna quintanarroense pintada por siete tonalidades de azul, antiguamente conocido como Sian Ka´an Bakhalal, fundado por los mayas en el año 415 d.C. que posee un imponente fuerte que retenía los ataques piratas en la época virreinal, su Cenote Azul con una profundidad de 90 metros, sitio que aún conserva su alma de provincia y que fuera el primer Pueblo Mágico en este estado. Mientras que nuestra segunda elección en el paraíso de Quintana Roo, es un poblado emblemático de la Riviera Maya, único sitio arqueológico a la orilla del Mar Caribe, amurallada ciudad prehispánica que refleja la identidad de una cultura milenaria, panoramas que se atesoran en el corazón, destino con una propuesta eco-turística dentro de un ambiente rústico y bohemio, que presume tener la mejor cocina de estos pálidos arenales, adrenalínicas actividades y sus playas, que te dejarán sin aliento.

La belleza de México, muy explotada u ofertada a grandes complejos turísticos internacionales, se encuentra en su gente, la tierra es de aquellos que se ocupan por conservar sus tradiciones y no presentarlas como un mero espectáculo, más bien, admirar y transmitir su cosmología, así como rituales que celebran nuestras raíces, memorias culturales en los indígenas que aún hablan los dialectos de esta patria, el hechizo natural que nos distingue, el sazón de nuestros abuelos, en pocas palabras… la sencillez de un pueblo vasto en sonidos, sabores y colores.

Postales del edén mexicano, eso es el estado de Quintana Roo, donde surgiera el primer romance ibérico-americano, inaugural mestizaje continental, una verdadera historia de amor sin ultraje entre el peninsular Gonzalo Guerrero y la princesa Za'asil, que sucediera varios años antes de la llegada de los conquistadores españoles. Muchas poblaciones en aquel periodo del Virreinato no permitieron que la Corona los invadiera, incluso ya en el México independiente, los indígenas se revelaron ante los gobiernos de la nueva República en la famosa Guerra de Castas de inicios del siglo XIX.

Actualmente, este estado acariciado por el Caribe, con su acelerado desarrollo turístico, incita al goce nocturnal de la Quinta Avenida en Playa del Carmen, maravillarse con la Reserva de la Biósfera de Sian Ka´an, sentir la brisa quintanarroense de Punta Allen, admirar el museo acuático de su arrecife que abarca 965 kilómetros, adentrarse por su selva tropical o sumergirse por su gran red de cenotes y cuevas subacuáticas. Para este artículo homoespaciero, nuestra elección son los mágicos poblados de Bacalar y Tulum.

Bacalar: Azul en siete tonalidades

Sian Ka´an Bakhalan, pueblo fundado por los mayas en el año 415 d.C., principal kuxkabal o cacicazgo de Uaymil en el siglo XV, perduró hasta la llegada de los peninsulares, que bajo el mando de Francisco de Montejo, Alonso Dávila funda la Villa Real en 1531, que incluía a Tulum y Bacalar, pero sus esfuerzos fueron en vano, gracias a la destreza combativa de los mayas. Fue hasta 1544, cuando el militar Melchor Pacheco logra dominar la zona, al nombrarla como Salamanca de Bacalar.

Entre los atractivos de esta mágica localidad, se encuentra el Fuerte de San Felipe, edificada en el siglo XVI, que posee algunos cañones originales de aquella época y cuenta con el pequeño pero elegante Museo Pirata, con una colección de piezas virreinales, mayas y de la Guerra de Castas.

Otra interesante arquitectura es el Templo de San Joaquín, que data del siglo XVIII y donde se encuentra la imagen del santo patrono del pueblo, famoso por las celebraciones que se realizan en su honor durante el mes de agosto.

Bacalar se aparta de los gigantescos resorts de Cancún, Playa Morelos o Playa del Carmen, aquí, la atmósfera de provincia aún se conserva, su centro cuenta con el tradicional quiosco, con la venta de artesanías talladas en madera en su plaza central, casas pintadas de tonos pastel con tejados a dos aguas, huipiles bordados a mano que presumen sus nativas, hoteles boutique, la Casa del Escritor para aquellos amantes del arte y las letras, o saborear las delicias de la región, como el rice and beans, platillo típico acompañado con plátanos fritos, servido en sus restaurantes que guardan un tropical diseño.

El sortilegio aumenta con su entorno natural, un claro ejemplo es el impresionante Cenote Azul, que tiene noventa metros de profundidad y trecientos metros de diámetro… si deseas acceder, necesitas ir con un guía experimentado y pedirle permiso a los duendes acuáticos llamados “Aluxes”, no vaya a ser que suceda algo por no acatar las míticas reglas.

Mientras que la joya principal de este selvático destino, es la Laguna de Bacalar, conocida como la de “los siete colores”, por sus distintas tonalidades de azul, maravilla de la naturaleza quintanarroense que es una excelente opción para bucear, realizar un recorrido en lancha o kayak, aunque su encanto es en la noche, cuando las estrellas se reflejan en la superficie de la laguna, y si te hospedas en alguna de las cabañas cercanas, no olvides tener alguna acompañante que te incite a adentrarte… en este celeste y sensitivo viaje.

Tulum: Identidad maya

Símbolo de la Riviera Maya por su amurallada ciudad prehispánica, único sitio arqueológico que se ubica a orillas del Mar Caribe, su nombre original es Zuma o “amanecer maya”, núcleo ceremonial y político que cuenta con la torre más alta de esta antigua civilización, construida entre los años 1200 a 1500 en el periodo postclásico maya, es una de las últimas ciudades precolombinas; su principal edificio es El Castillo, construido a la orilla de un acantilado, mide doce metros de altura, cuenta con tres nichos, en el central tiene una pequeña ventana que anuncia la llegada precisa del equinoccio de primavera, al filtrar la luz con una exactitud sorprendente y que fuera utilizado principalmente para ceremonias públicas.

Todo el conjunto arquitectónico prehispánico cuenta con distintas casas, que entre más grandes, representaban mayor jerarquía de clases, una que en particular, llama mucho la atención, es el Templo de los Frescos, edificio que en dos de sus esquinas muestra unos mascarones, uno con los ojos abiertos y otro con los párpados cerrados… dualidad, el hombre considerado como luz y la mujer como obscuridad, hijos del sol y las hijas de la luna (¿el ciclo lunar?), vida y muerte, además de que el sitio ejemplifica claramente los tres niveles: el inframundo, el mundo terrenal y el supramundo.

Después del ilustrativo recorrido, la “cereza en el pastel” es una postal que seguramente perdurará en el corazón, el panorama del Mar Caribe, y sobre esta costera, el Templo del Viento… fotografía atesorada en el interno, reflexiones mayas, un marítimo mensaje ancestral que nos recuerda la hermosa y corta temporalidad que posee la vida.

El regodeo continua con la alternativa turística de este pueblo mágico, nuestra recomendación es que te alojes en alguna ecológica cabaña o en un hotel boutique, visitar las tirolesas, el rio subacuático o descender en rappel en Tulum Xtreme, nadar en el mar turquesa de Playa Tulum, disfrutar de las bohemias alumbradas con fogatas en sus arenales al anochecer, relajarte en alguna hamaca, ahorrarte los taxis y recorrer la localidad en bicicleta o mostrar tus aptitudes de “don Juan playero” entre las bellas figuras de piel cobriza que estremecen tan solo con mirar, digo… por aquello de aquietar estos fervientes climas.

Propositivo y caluroso cierre de artículo estimados lectores de Homo Espacios, pero mejor les comparto algunos enlaces en la web para que continúen esbozando su viaje quintanarroense entre colores mayas:

Bacalar. https://youtu.be/C7LTAl98z0E

Tulum. https://youtu.be/e8U0tHFAKYk

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23-Nov-2015

Ciudad fundada por los romanos hace aproximadamente dos milenios y que entre su diversa arquitectura cuenta con la medieval Torre de Londres, así como algunas otras antiguas edificaciones estilo Tudor; el barroco inglés de su hermosa Catedral de San Pablo; el elegante estilo clasicista-neoclásico del Palacio de Buckingham, que por cierto, cuya construcción duró más de una centuria; una de las primeras pinacotecas europeas, el muy visitado Museo Británico o el levadizo Puente de la Torre, magna obra de Sir Horace Jones. Además, nuestra maravilla arquitectónica para este artículo homoespaciero es una famosa torre ubicada en el Palacio de Westminster, mejor conocido como “El Parlamento” y que muchos ubican a esta edificación por su campana Big Ben, pero su nombre oficial por muchos años fue la Torre del Reloj, hasta que el 26 de junio de 2012, los miembros del parlamento deciden llamarlo… Torre Isabel.

La “atmósfera de una Tercera Guerra Mundial” según expresa el clero, sangre inocente en los recientes atentados sufridos en Francia, padres que velan con gran dolor a sus hijos, el obscuro juego del poder que tanta destrucción ha dejado en la humanidad, angustia mediática constantemente transmitida al público, mientras que los huérfanos en valores se multiplican y detrás del telón… algo en lo oculto sucede.

El filtro de la desconfianza en el corazón de los pueblos, el pánico que alista su acto, los lamentos afinan su cántico y, en escena, la incertidumbre secuestra las miradas del mundo. Esperemos que el presente aprenda que el mal juicio del pasado no es el camino y que el futuro, escriba una historia diferente… al tiempo.

Retomando nuestro tema, viajemos a las edificaciones londinenses medievales, neoclásicas, barrocas y góticas, entre las letras de esta cuarta entrega sobre las maravillas arquitectónicas, donde conoceremos algo de la historia de esta emblemática metrópoli británica, algunas de sus construcciones y uno de sus principales símbolos… la Torre Isabel del Palacio de Westminster.

Arquitectura londinense

Londinium, población de britanos fundada en el año 43 d.C. por los romanos; en el siglo VII, dentro de la era anglosajona fue nombrada como Ealdwic o “Ciudad Vieja”, actualmente Ciudad de Westminster, municipio de Londres y que en el siglo XI, el Rey Eduardo el Confesor construyera gran parte de Westminster y que sería la principal zona gubernamental. También cuenta con la residencia real, al dejar a Londres como localidad vecina, pero mejor dejemos que algunas de sus edificaciones nos platiquen el resto de la historia.

-Torre de Londres: Después del triunfo de la batalla de Hastings, el duque de Normandía, Guillermo, fue coronado Rey de Inglaterra en la recién acabada Abadía de Westminster en 1066 y fue quien ordenó levantar la Torre de Londres en el sureste de la ciudad, aunque su ampliación fue realizada bajo el mandato de otros monarcas como Ricardo Corazón de León, Enrique III y Eduardo I en el periodo del siglo XII y XIII.

Respecto a su uso, este antiguo castillo medieval ha servido como armería, Casa de Moneda, casa de fieras y hasta casa de las joyas de la Corona de Reino Unido, pero lo más popular es cuando en el siglo XVI y XVII se utilizó como prisión, lo que sirvió de inspiración para que varios escritores de la época relataran historias de tortura o muerte, aunque durante este lapso solo siete personas fallecieron en este conjunto arquitectónico y que, desde 1998, pertenece al listado de la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad.

-Catedral de San Pablo: Ubicada en el punto más alto de la ciudad, este templo anglicano data del año 604 de nuestra era, fue reconstruida por el arquitecto Sir Christopher Wren tras un incendio ocurrido a finales del siglo XVII, quien concluyó la obra en 1710. La belleza de la catedral estilo barroco inglés, la conforman sus dos torres de 158 metros de longitud, 111 de altura y, en medio de estas, una enorme cúpula de 34 metros de diámetro.

-Palacio de Buckingham: Residencia oficial del monarca británico, originalmente fue el petit hotel Buckingham House, construido para el Duque de Buckingham en 1703 y adquirido en 1762 por el Rey Jorge III, Su ampliación fue realizada por los arquitectos John Nash y Edward Blore, el resultado, es el bello paisajismo en sus jardines, su elegante diseño gótico. En el interior destaca el lapislázuli azul y rosa de sus escalinatas, la decoración crema y dorada de la Belle Époque, así como el conjunto de las obras artísticas de su Royal Collection.

 -Museo Británico: El segundo más visitado del mundo, ya que supera 6 millones de accesos anuales, inaugurado el 15 de enero de 1759, este espacio cultural alberga más de siete millones de obras procedentes de los cinco continentes, su estilo arquitectónico es neoclásico y cuenta con la sala de lectura más grande ubicada en su Biblioteca Británica.

-Puente de la Torre: Sir Horance Jones es el autor de este emblemático puente levadizo londinense, quien al competir con otros cincuenta diseños, en 1884, el suyo fue aprobado por un comité especial. La magna obra mide 244 metros de largo, siete metros de ancho, cuenta con dos torres de 65 metros de altura y un dato curioso, es que su sistema hidráulico original se sigue utilizando, aunque en vez de utilizar agua a presión, ahora se usa aceite y las máquinas de vapor fueron sustituidas por motores eléctricos.

Palacio de Westminster: Un histórico Parlamento

La región donde se ubica la actual Ciudad de Westminster, fue conocida en la edad media como Thorney Island. Estas tierras se cree que formaron parte de la residencia real de Canuto el Grande, hijo del Rey vikingo de Dinamarca, Noruega e Inglaterra Svend "Tveskjaeg" Haraldsson, del periodo de 1016 a 1035. Tiempo después, el Rey Eduardo el Confesor manda construir el Palacio y la Abadía Westminister entre los años 1045 y 1050, Guillermo II edifica el Gran Salón en 1097, y en 1295 se reunió en este sitio el primer Parlamento oficial de Inglaterra con sus jóvenes cámaras, que hasta la actualidad conservan sus nombres…. la Cámara de los Lores y la Cámara de los Comunes.

Durante varios siglos, el Palacio funcionó como residencia real, hasta que en 1530, el Rey Enrique VIII adquiere el Palacio de York del Lord Canciller Thomas Wolsey, quien lo nombró como Palacio de Whitehall, residencia principal de los reyes ingleses en Londres de 1530 a 1698 cuando fue destruido por el fuego.

Otro incendio, pero en el Palacio de Westminster el 16 de octubre de 1834, destruyó casi toda la edificación, solo sobrevivieron el Salón Westminster, la Torre de la Joya, la cripta de la Capilla de St. Stephen y los claustros, lo que provocó que una Comisión Real  abriera una convocatoria para la reconstrucción del recinto y fue como después de analizar cerca de cien propuestas, eligieran la del arquitecto Charles Barry en 1836.

El diseño gótico de Barry fue asesorado por uno de los maestros en este estilo, el arquitecto Agustus Pugin, quien inició la reconstrucción el 27 de agosto de 1840, misma que culminó en 1865, cinco años después de la muerte de Charles Barry.

La mampostería original de este Parlamento británico, fue con piedra caliza Astone, de color arena, proveniente de una villa de South Yorkshire llamada Aston, aunque por su desmoronamiento en 1928, se tuvo que cambiar por una caliza piedra color miel llamada Clipsham, mientras que por su parte los distintos jardines son un claro ejemplo del paisajismo británico.

El interior del palacio, es otro tema, ya que cuenta con cerca de mil cien habitaciones, cien escaleras y cinco kilómetros de pasillos. En total son cuatro plantas con varias oficinas, comedores y hasta bares, pero en el primer piso es donde ocurre la magia… ya que aquí se ubican El Salón de la Toga (Robing Room), la Galería Real (Royal Gallery), la Cámara del Príncipe (Prince's Chamber), la roja Cámara de los Lores (Lords' Chamber), el Vestíbulo de la Nobleza (Peers' Lobby), el Vestíbulo Central (Central Lobby), el Vestíbulo de los Miembros (Members' Lobby) y la verde Cámara de los Comunes (Commons' Chamber).

Las torres son otro de los sellos del palacio, cuenta con cuatro: la Torre Victoria que es la más alta, la Torre Central con 91 metros de altura; una pequeña torre medieval, que es la única que se conserva de aquella época en este parlamento y la más icónica de todas… la Torre Isabel.

La maravilla

Oficialmente desde 2012 fue nombrada como Torre Isabel, en homenaje al jubileo diamante de la Reina Isabel II, pero también es conocida como la Torre del Reloj o Torre de San Esteban y aunque erróneamente lo asociamos a su campana Big Ben, este símbolo arquitectónico de Londres cuenta con muchos datos poco conocidos.

La Torre, aunque contó con la dirección de Charles Barry, fue el arquitecto gótico Angustus Pugin quien la diseñó y que por cierto fue su último bosquejo, se rumora que después de entregar los planos a Barry, Pugin enloqueció al obsesionarse por este trabajo, y su fallecimiento fue provocado por un colapso mental en una “corte medieval” en la Gran Exposición de 1851. Cierto o no, esta emblemática arquitectura londinense contó también con la participación del abogado Edmund Beckett Denison y el Astrónomo Real George Biddell Airy, diseñadores de los enormes relojes y la construcción corrió a cargo del famoso relojero Edward John Dent y su hijastro Frederick Dent, quien completó el trabajo en 1854.

Los cuatro relojes han dado puntualmente la hora desde el 7 de septiembre de 1859 y cada una de las esferas de los relojes fueron diseño de Pugin, miden siete metros de diámetro y contienen 312 piezas de cristal opaco cada una. Otro dato, es que cada reloj lleva inscrita la leyenda “Dios guarde a nuestra Reina Victoria I”, aunque la torre se llame Isabel.

La torre mide 61 metros de altura, cuenta con 334 escalones, pero el acceder a su interior es privilegio solo para los ingleses, que deben solicitar por escrito a su representante en el Parlamento una visita guiada y muchas solicitudes tardan varios meses.

Históricamente la Torre Isabel ha soportado los bombardeos de los nazis en 1941, climas extremos y fue hasta el 5 de agosto de 1976 cuando presentó su primer avería. La asociación con su campana principal Big Ben es un tanto misteriosa, algunos afirman que este mote de uno de sus constructores, otros por el popular boxeador Ben Caunt. En fin, otra curiosidad es que la famosa Torre de Isabel se está inclinando, solamente esperemos que no compita algún día con la de Pisa.

Estimados lectores de Homo Espacios, como es tradición les comparto algunos enlaces en la web para que continúen ente viaje entintando londinense:

-Londres (Guía turística). https://youtu.be/jGg6PSDZrk4

-Londres (10 sitios que tienes que ver). https://youtu.be/3VLYiVrCDMY

-Palacio de Westminster (UNESCO). https://youtu.be/D_0Vcxur4ds 

-¿Conoces el Big Ben?. https://youtu.be/WW3gan58P_Y

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17-Nov-2015

El quintanarroense poblado de Playa del Carmen, celebrará del 26 al 28 de noviembre próximo su festejo sincopado, catalogado dentro del top 10 de los mejores festivales de jazz en el mundo, el Riviera Maya Jazz Festival (RMJF) contará en su cartel 2015 con mucho jazz fusión, ecos progresivos, dos bandas homenaje y algo de funk para mover los pies, y desde el domingo 22 de noviembre, se ofrecerán distintas actividades alternas como talleres, conferencias, jams, conciertos y hasta una exposición fotográfica… entre arenales caribeños.

El jazz no hay que entenderlo, simplemente disfrutarlo, es algo así como las féminas… inspirador, complejo, mágico y con una gran belleza, y si le añadimos un sugestivo panorama caribeño, el gozo es aún mayor. Lo sorprendente, es como la evolución del género ha logrado posicionarse después de más de una centuria, desde el ragtime de Scott Joplin hasta el nu jazz de los noventa o sus fusiones con otras líricas como el rock, los ritmos latinos, la electrónica, entre muchos otros.

Embeleso audible que alienta el corazón de los melómanos, amantes de un estilo fresco, provocativo y acelerado, en cinco tiempos y con bastante esencia, donde el repertorio de sus estándares otorgan una fascinación instantánea… como flautista de Hamelín que hipnotiza a aquellos que saben escuchar.

Así, los playenses esperan el legendario grito “Lo volvimos a hacer…” de Fernando Toussaint, Director Artístico y Productor del RMJF, que como es tradición, da inicio a los conciertos nocturnales en Playa Mamitas. Mucho se rumoró sobre la cancelación de esta edición, incluso de la desaparición del Festival, y a pesar de contar con un rebajado presupuesto, los organizadores lograron sacar adelante la edición número trece, de la cual, en este especial sonoro rivereño, comentaremos acerca de los artistas que participarán en su cartel y las actividades alternas que formarán parte de este encuentro sincopado.

LA 13ª EDICIÓN

Hablar del RMJF es adentrarse a un ensueño entre el mar turquesa, los hechizos de la luna y mucha música sincopada. El festejo comenzó en el año 2003, con la destacada participación del ensamble Caribbean Jazz Project, “Inició como un sueño” dijera el Maestro Fernando Tossaint, del cual afortunadamente aún no se ha despertado y que, durante los días 26, 27 y 28 de noviembre llega a su décima tercera edición, de la que te compartimos algo sobre los artistas que formarán parte de este regodeo musical.

Día uno…

Gabriel Espinosa (México) & Hendrik Meuirkens (Alemania): Encargados de inaugurar el RMJF 2015, estos dos músicos lanzaron su primera grabación en conjunto Celebrando en el 2012 y dos años más tarde realizan un disco con mucho sabor carioca, Samba Little Samba (2014), en el que destacan temas como “Bésame mucho” o “Encuentro Maya” y en el que por cierto, colabora el solicitado baterista mexicano Antonio Sánchez. Para los oídos: https://youtu.be/Nto_c6s1YNE

Resorte (México): Banda metalera mexicana que entrelaza el rap con las guitarras rápidas, psicodelia de vanguardia para aquellos que disfrutan de los sonidos de digestión pesada, integrado por Tavo, Juan y el “Charal”, que surgen en la escena rockera en  1995, cuentan con cuatro álbumes y quienes el año pasado lanzaron su sencillo Reconectados, para provocar una alucinante experiencia con el nu metal. Escúchalos: https://youtu.be/V1ObFBANU10

Allan Holdsworth: Mucho se puede comentar acerca de este virtuoso músico británico, en primer lugar que pertenece al grupo de los cien mejores guitarristas de todos los tiempos, un innovador del jazz fusión y el rock progresivo, fundador de afamadas bandas como I.O.U., con quienes grabó dos icónicos álbumes: Meta,l Fatige (1985) y Atavachron (1986). La muestra: https://youtu.be/fhB9f1r9Nao

Sheila E.: Reconocida percusionista, baterista, cantante, compositora y actriz estadounidense con ascendencia mexicana y forma parte de la familia de músicos Escobedo, conocida por participar en la banda de Prince y que inicia su carrera en solitario el año pasado. Al ritmo: https://youtu.be/k9UxkiKaHxo

Día dos…

Guacamole: Los veracruzanos del nu jazz hip-hopero darán el toque sincopado xalapeño al Festival; finos sonidos arrabaleros de un grupo de jóvenes que surgen en el año 2012 y quienes hasta el momento cuentan con su  álbum debut Urbana (2014), pero están por destapar su segundo disco Animal R-evolución. Detrás de cámaras: https://youtu.be/jwaTSWu1lyM

 

Phil Perry: Conocido como el “Pavarotti del jazz”, este crooner del R&B nos presumirá su falsete soulero en su disco A Better Man (2015), producción discográfica número once del talentoso cantautor estadounidense. El feeling: https://youtu.be/RT5500p3YoQ

Dirty Loops: Cortejo del pop rock con el jazz fusión sueco, a cargo de Jonás Nilsson (voz y teclados), Henrik Linder (bajo) y Aron Mellergardh (batería), quienes han sido toda una revelación desde que subieron su primer video a YouTube en el 2010 y que su disco Loopified (2014), les ha bastado para participar en varios escenarios internacionales. Lo nuevo: https://youtu.be/bdSPR7AkAiw

Zappa Plays Zappa: Proyecto de Dewizil Zappa en homenaje a su padre Frank Zappa, que realiza un recorrido por los principales éxitos de este Maestro del rock Progresivo y el jazz fusión. Concierto: https://youtu.be/pOtuqYzJTsM

Día tres…

T´ORUS: Hechizo del hip-hop urbano, la síncopa experimental y el rock progresivo que integra a algunas de las mejores promesas del jazz mexicano, inteligencia rítmica con letras abstraídas entre las calles y que con su primer disco homónimo ofrecerán todo un viaje introspectivo. Lo real: https://youtu.be/Zd6DmVhsA_c

Tío Gus: Septeto oriundo de la capital mexicana, atinadamente definidos por el conductor de Soul Sessions, Hugo Moreno, como “el equilibrio perfecto entre el arrebato que otorga el rock, la elegancia del jazz y la cadencia del funk”, que con más de ocho años de trayectoria nos pondrán a bailar con su campechano groove. Para el coqueteo: https://youtu.be/fOyS8x_T6_Q

Zawinul Legecy Band: Otro paternal homenaje en esta edición 2015 del rivereño festival sincopado, es la banda liderada por el hijo del teclista de jazz y compositor austriaco Joe Zawinul, Tony Zawinul, donde la música negra se funde con los ecos africanos, algo de funk y otras mezclas del jazz. Así suena: https://youtu.be/SOUauA78u80

Gino Vannelli: Destacado cantante, compositor, director de orquesta e incluso escritor canadiense, que iniciara en el mundo de la música en los años sesenta al integrar una banda de R&B junto a sus hermanos, su fama comenzó en 1973 con el álbum Crazy Life. Desde entonces ha realizado 17 álbumes más; entre sus principales composiciones se encuentran éxitos como: “I just wanna stop”, “It Hurts to be Love”, “Crazy life” o “Wild Horses” y es el encargado de cerrar la décima tercera edición del Riviera Maya Jazz Festival. El Maestro: https://youtu.be/DbxpvVr3z48

Y MÁS…

Respecto a las actividades alternas del 22 al 27 de noviembre en el Foro Playa del Carmen, a las 13:00 horas se realizará el taller Jazz Tradicional, impartido por Sebastián Corbella; el 25 de noviembre en la Galería del Centro Cultural se ofrecerá una conferencia magisterial con Enrique Toussaint. El mismo día en la Galería del Teatro de la Ciudad, se inaugurará una exposición del fotógrafo Fernando Aceves, así como la conferencia Atlas del Jazz en México con Antonio Malacara y el viernes 27 habrá una Jam Session en el Centro Cultural de Playa del Carmen.

Además, en el Teatro de la Ciudad se llevarán a cabo distintos y atractivos conciertos a las 19:00 horas con la presencia de la Orquesta Nacional de Jazz de México, Río Funk, Gabo González y el Groove Capital Cool Retén, entre otras bandas.

Estimados homoespacieros, les comparto algunos enlaces sobre esta edición número 13 del Riviera Maya Jazz Festival… y más:

-Riviera Maya Jazz Festival (Página oficial). http://www.rivieramayajazzfestival.com/2015/es/

-Presentan el Riviera Maya Jazz Festival 2015 (Noticias Canal10). https://youtu.be/hDBlqXWsVdE

- Riviera Maya Jazz Festival 2014 en Homo Espacios (Pasada edición). https://youtu.be/9CsuUnF80gQ

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02-Nov-2015

Argentina, Colombia y Estados Unidos, cuentan con algunos curiosos destinos llenos de leyendas, mitos… y otros embrujos. El primero, es un antiguo penal argentino, ubicado en la provincia de Tierra del Fuego, conocido como la “Cárcel del fin del mundo”, que contó con los más crueles criminales de ese país, así como con una brutal disciplina, que seguramente, te dejará helado. Mientras que una distinguida mansión colombiana, en la década de los años veinte fue una de las edificaciones preferidas por la clase aristócrata en estas tierras; tiempo después se convirtió en un acreditado hotel, que en los años sesenta y hasta los noventa, cobró una fama muy particular para los suicidas. Nuestra última sugerencia turística del terror, es un desolado poblado estadounidense, donde a lo largo de su historia existieron varios asesinatos, uno de ellos, fue el de su fundador; localidad minera que un día encendió el infierno, el cual durará hasta 250 años más… buen viaje.

La “Fiesta de las ánimas” y otras místicas celebraciones, las conmemoramos en Homo Espacios con la décima entrega turística de nuestra América continental, que nos invita a vivir el suspenso de tres destinos que te enchinaran la piel, esa sensación que produce lo inexplicable, lo atractivo del sobresalto, algo de pánico como entretenimiento y el mórbido lenguaje de lo desconocido, el que se expresa aparentemente sin vida, dimensiones donde el dominio humano… no existe.

Ofrendas iluminan el camino elaborado con cempaxúchitl al otro mundo, esos quienes viven en el recuerdo, los que aguardan su mole, tamales, una botella de tequila o un pan de muerto acompañado con café de olla, ancestrales tradiciones que exponen la verdadera esencia de los mexicanos y en homenaje, los mariachis cantan en cementerios, en ese día… el de nuestros muertos.

Mientras que de sur a norte del Continente americano, seleccionamos algunos sitios que evoquen el ambiente de estas enigmáticas fechas de inicios de noviembre con un viaje entintado por el antiguo Penal Ushuaia, en el último lugar del mundo, Tierra del Fuego en Argentina; el afrancesado y suicida Hotel Salto de Tequendama de Bogotá, Colombia, y el ardiente poblado estadounidense de Pennsylvania, la fantasmal Centralia o mejor conocido como el “Silent Hill” del mundo real.

Ushuaia: La cárcel argentina del fin del mundo

Capital de la provincia Tierra del Fuego, única metrópoli argentina al occidente de los Andes, llamada la “ciudad más austral del mundo” y que su traducción del idioma yagán significa “Bahía profunda”.

Fundada el 12 de octubre de 1884 por el Comodoro Augusto Lasserre y que en su historia ancestral fuera poblado por civilizaciones autóctonas selknam, huaush, yámanas y kawésqar, esta localidad es famosa por haber contado con la cárcel más alejada del mundo… el cruel Penal de Ushuaia.

El también llamado “Penal de Reincidentes”, construido a inicios del siglo XX, funcionó de 1904 a 1947. Fue edificado por los mismos presos, contenía 380 calabozos con muros de 60 centímetros de grosor, un vestíbulo central, pabellones dispuestos en estrella y albergaba a los criminales más desalmados de este país sudamericano.

Alguno de sus más célebres presos fue el primer asesino serial de Argentina, un jovencito de 16 años de edad, que entre sus travesuras mató a tres jóvenes con clavos en su cabezas, incendió el vestido de comunión de una niña, así como otros ocho intentos de asesinato más… el temible “Petiso Orejudo” Cayetano Santos Godino. Así, este “tierno” adolecente, ya apresado, jugaba con las palomas, al atraerlas con migajas de pan para después hundirles los ojos, pero un gato, que era la mascota de un recluso fue su perdición, ya que uno de sus compañeros se dio cuenta de cómo le hundió los ojos del felino y luego lo incineró en el horno del Penal, así que su recompensa fue una golpiza que lo dejó en coma, agonizando por algunas horas antes de su fatal desenlace… la muerte.

Otra figura de la perversidad, fue Mateo Banks, todo un especialista en temas familiares… pero en como matarlos, al tomar la vida de sus hermanos, cuñadas y sobrinos para lograr ser el único heredero de la fortuna de sus padres. Pero no se angustien, dicen que se volvió religioso en estas celdas.

También existieron presos políticos como Simón Rodowitzky, considerado un anarquista al poner una bomba en el automóvil del jefe de la Policía Federal, solo que se le olvidó un detalle, en el vehículo no iba su objetivo. En el auto, se encontraba la familia del oficial Ramón Lorenzo Falcón, que personalmente se encargó de dejarlo en este alejado calabozo.

Existían, igualmente, los que se portaban bien. A este tipo de presos se les premiaba transportándolos a los bosques para traer madera al penal y respecto a los correctivos, el tratamiento era un tanto brutal. Uno de los castigos era mojar la celda, al preso y con una temperatura de hasta 15 grados bajo cero, aquello era muy parecido al noveno círculo del infierno de la Divina Comedia, pero también había métodos más civilizados, como las golpizas proporcionadas por los guardias con puños envueltos de alambre, donde las púas, en verdad expiaban los pecados, ya que el sobrevivir era casi un milagro.

El 21 de marzo de 1947, la “Cárcel del fin del mundo” fue clausurada, para volverse parte de las instalaciones de la Armada Argentina y en 1994, se convirtió en el Museo Marítimo de Ushuaia, aunque cuentan que todavía las palomas regresan para ser alimentadas… el resto, se los dejo a su interpretación…

El colombiano Salto de Tequendama y su “Hotel suicida”

Cuenta la leyenda que el poblado colombiano de Soacha era un sitio inundado por un mítico personaje llamado Chibchacum y un héroe llamado Bochica, quien tomó un bastón mágico que partió en dos una gran piedra para dar forma al Salto de Tequendama.  

Fundado en 1600 por el peninsular Luis Henríquez, el poblado cuenta con algunos atractivos turísticos como el Parque de Soacha, la Ciudadela de Ciudad Verde y algunas ex-haciendas españolas; pero la principal atracción es su impresionante Salto, con una caída de 157 metros y frente a él, una de las edificaciones más misteriosas de Bogotá, el llamado “Hotel de los suicidas”.

Construido en 1923 por el arquitecto Carlos Arturo Tapias, la Mansión del Salto de Tequendama era una elegante edificación que funcionaba para realizar convites entre funcionarios, artistas y otras personalidades de Bogotá. En los años cincuenta se transforma en un lujoso hotel con una vista envidiable hacia el Salto, pero tras la contaminación del agua que corría por esta caída, queda abandonado en los años noventa y fue hasta el año 2012, un 23 de agosto, que se renueva al abrir sus puertas como pinacoteca.

Esa es la historia oficial, sin embargo los pobladores cuentan que desde el tiempo que funcionó como Mansión, varias personas después de una noche bohemia y de haber bebido algunos tragos, caían “accidentalmente” ya que el edificio se construyó al borde del abismo. Cuando fue hotel, varios huéspedes olvidaban pagar la cuenta, ya que decidían quitarse la vida al aventarse al vacío, estos acontecimientos se volvieron tan comentados, que hasta existe la piedra, el foso y hasta la virgen de los suicidas.

Actualmente, lo que se rumora por algunos turistas, visitantes y hasta nativos, es que aquellas ánimas aún buscan un cuarto en el distinguido Hotel.

Centralia.: Un fantasmal y ardiente poblado estadounidense

Población “cero”, indica el número de habitantes del borough del Condado de Columbia, Pennsylvania, en los Estados Unidos. De 1841 a 1865 fue conocido como Centreville. En 1854 Alexander W. Rea funda esta localidad y en 1866 cambia a su nombre actual.

Algunos curiosos datos históricos muestran que en la década de 1860 a 1870, una organización secreta de mineros llamada Molly Magires, fueron sospechosos de varios asesinatos y uno de ellos, fue el del fundador Alexander Rea.

En el siglo XX, la localidad logró tener vías férreas, escuelas, iglesias, hoteles, oficina postal y una población que contó con más de un millar de habitantes, pero un incendio provocado en el basurero del pueblo, alcanzó una vieja mina que se esparció a todas las demás que existían en la zona y ardió su subsuelo. En los años ochenta, varias grietas empezaron a expulsar gases tóxicos, incluso un pequeño de 12 años llamado Todd Domboski, lamentablemente quedó atrapado en una de ellas.

El Congreso de los Estados Unidos destinó 40 millones de dólares para reubicar a la población, pero algunos decidieron quedarse a pesar de la advertencia de las autoridades y en 1992 el estado de Pensilvania expropió todos los inmuebles de Centralia.

El incandescente subsuelo permanecerá ardiendo 250 años más. Sin embargo, aún existe una docena de personas que habitan este lugar, una iglesia que ofrece sus servicios únicamente los sábados, y es catalogado como pueblo fantasma, que tiene cierta probabilidad de explotar.

El casi deshabitado destino, sirvió de inspiración para crear el videojuego Silent Hill y algunos aventureros que lo han visitado, cuentan que el chico de 12 años que cayó en una de las ardientes grietas, se le ve por la Carretera 61, vagando entre la tóxica niebla.

Estimados Homoespacieros, les comparto algunos enlaces de estos embrujados destinos:

-Argentina: Presidio Ushuaia. https://youtu.be/ub3n5GQSkWw

-Colombia: Hotel Salto de Tequendama. https://youtu.be/2O5vkILsSG0

-Estados Unidos: Centralia (Inglés). https://youtu.be/eXkUCK_qpfo

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19-Oct-2015

Banda Sonora Original o BSO, término que actualmente reconocemos al relacionar filmes con melodías, aunque desde sus inicios, la música ha participado en la industria cinematográfica y en esta nueva sección homoespaciera, haremos un recorrido por aquellos acompañamientos en pianola o hasta orquestales en el periodo del cine mudo, algunos inventos producidos por Edison para empatar las imágenes con piezas melódicas, el surgimiento del sistema vitaphone que permitiera la realización del primer rollo sonoro y comentaremos el soundtrack de los filmes L´Assessinat du duc de Guise (1908), The Birth of a Nation (1915), The Jazz Singer (1927) y King Kong (1933), así como los genios que musicalizaron estos títulos.

Expectantes ante el abuso burocrático, gobiernos que entre mentiras preparan su saqueo con lineamientos absurdos, la cortina de humo entre la mano que mece la cuna, complejos requisitos para alejar los propósitos del pueblo, barreras mediáticas para “comunicar” las convenientes farsas de los apoderados, proyectos independientes que desfallecen ante un sistema hostil y la “libertad de expresión” sepultada con el desdén o algunos otros métodos que son bien conocidos por todos.

Mientras que las reacciones culturales se hacen notar a través de una pintura, escultura, texto, canción, puesta en escena o rollo, artistas que suelen ser la otra cara de la moneda… los que enriquecen y tal parece que de a poco, una nueva revolución ideológica estalla; la situación es dejar de consumir basura, permitirse despertar, actuar en bien de los que realmente están aportando algo, así como dejar de enriquecer a los que han provocado el letargo que actualmente se busca imponer.

Alejándonos un tanto de la hipocresía política, adentrémonos en un tema más nutritivo… la música fílmica, esas piezas icónicas que nos trasladan a los momentos de una película o incluso de la vida misma, por ejemplo sentirse por un instante Don Vito Corleone al escuchar el tema “The Godfather”, del célebre compositor italiano Nino Rota; regodearse con las piezas de Ennio Marracone como “Cinema Paradiso”, “Gabriel´s Oboe” del filme La misión (1986) y “El tema de Deborah” de Érase una vez en América (1984) o adentrarse en el score de Schindler´s list (1993) musicalizado por John Williams.

Algunos conceptos iniciales son: que la Banda Sonora o soundtrack es aquella que incluye temas de cualquier artista elegidos por el director, y el score o música incidental es una obra musical integral, de inicio a fin en una película. Otro punto es el tipo de compositores; están aquellos que se inclinan por lo clásico, los vanguardistas prefieren los ordenadores, sintetizadores u otros instrumentos electrónicos y existen los que entrelazan estos dos perfiles.

Actualmente, aún se discute si son las imágenes las que producen la emotividad en una cita o es la música la que sensibiliza, existen composiciones que por sí solas se convierten en una obra maestra aunque nunca hayas visto la película, pero otras están completamente ligadas a su rollo, el hecho es que la música y el cine son un matrimonio perfecto, celebrado hace más de una centuria.

LOS INICIOS

París, la gala “Ciudad de la luz”, que proyectara en el pequeño Salón Indian del Gran Café un 28 de diciembre de 1895 la primer película “Un invento que no dejará ganancias”, argumentaban los Lumiere, pero el tiempo diría lo contrario al convertirse en toda una industria.

La dificultad en los primeros años del cine, era que muchos empresarios e inventores de finales del siglo XIX, trataban de hacer que el color y el sonido se incluyera en las cintas para hacer más real la experiencia. El color llegaría mucho tiempo después, pero la música era un recurso muy utilizado, pianolas y gramófonos acompañaban a las primeras imágenes en movimiento, aunque también grandes orquestas participaron en estos inaugurales cortejos entre el cine y la música.

Edison también presenta una máquina en 1895, el Quinetófono, una pequeña caja que reproducía imágenes en movimiento con una duración bastante corta. La primera cinta se llamó Dickson Experimental Sound Film y en 1913, se lanza una nueva versión de este modelo, en el cual entrelazaba el sonido con la película, aunque aún se encontraba lejos de poder agregar sonido de larga duración, además de que el invento no sincronizaba bien el rollo con los sonidos, hasta que en 1927 la General Electric y Western Electric lo logran para la Warner Brothers con el Sistema Vitaphone en la película Jazz Singer, el cual más que ser un filme hablado… fue cantado, y otra curiosidad, es cómo la historia de un músico fue la primera cinta hablada.

EL SOUNDTRACK

Existen muchas joyas del séptimo arte entre el periodo del cine silente y el sonoro, pero destacamos cuatro bandas sonoras que otorgaron una evolución a la música fílmica.

-L'Assassinat du duc de Guise (Francia 1908)

Película muda dirigida por el cineasta y actor francés Charles Le Bargy, El asesinato del Duque de Guise cuenta con una duración de 15 minutos y, aunque expertos lo consideran una exacta narración dramática de la historia de cómo el Rey Enrique III planea el asesinato del Duque, lo que principalmente destaca es la música, compuesta por el director de orquesta francés más importante en aquella época, Charles Camille Saint-Saëns, virtuoso pianista, arreglista, científico, filósofo, caricaturista y escritor, en pocas palabras un intelectual multifacético que realizara de forma meticulosa, cuadro por cuadro las partituras para este filme y que falleciera en 1922, luego de realizar más de 400 obras de casi todos los géneros musicales, es considerado como el primer grande en escribir música cinematográfica… el abuelo de las BSO.

-The Birth of a Nation (Estados Unidos 1915)

Polémica y cruel cinta de D. W. Griffit, ya que muestra una imagen grotesca de los hermanos de raza negra, una “sociedad blanca” como víctimas y un supuesto “heroísmo” del Ku Kux Klan ubicado después de la Guerra de Sucesión, y aunque la trama es bastante injusta, así como saturada de mentiras, los aportes técnicos son la parte opuesta y su música cuenta con una gran creatividad por parte del compositor, tenor lírico y director de orquesta estadounidense Joseph Carl Breil, quien realizó seis óperas; el fracaso de su última composición Der Asra (1925), desencadenó que un ataque de nervios lo matara el 23 de enero de 1926.

-The Jazz Singer (Estados Unidos 1927)

El cantante de jazz es considerado oficialmente como el primer filme sonoro, dirigido por Alan Crosland y protagonizado por Al Jolson; la película narra la historia del joven judío Jakie, que decide rechazar la vida de Rabino y maquillarse de color negro para dedicarse a interpretar el ritmo roto. El éxito de esta obra maestra del cine, fue, sí, en gran parte la aparición del Sistema Vitaphone, pero también la gran actuación de Jolson y la música afroamericana a cargo de Louis Silvers, nominado en tres ocasiones a los premios Oscar, pero lamentablemente nunca logró poseer alguna estatuilla por parte de la Academia.

-King Kong (Estados Unidos 1933).

El austriaco Max Steiner fue quien musicalizó este gran rollo dirigido por Merian Caldwell Cooper y Ernest B. Schoedsack. La historia de cómo una gran bestia es dominada por la belleza de una mujer es bien conocida. La cinta fue una de las más taquilleras de la historia, otorgó las bases al cine de fantasía y el viaje musical es exacto, al provocar suspenso, angustia, gallardía, tristeza, ternura, entre otros emotivos elementos sonoros.

 Estimados lectores de Homo Espacios, les comparto algunos enlaces para que continúen su travesía fílmica musical:

-La música y el cine a lo largo de la historia (Documental). https://youtu.be/-E9VrqyWLpg

-L'Assassinat du duc de Guise (1908). https://youtu.be/_tm7QD0R8u4

-The Birth of a Nation (1915). https://youtu.be/rDNiefPWY6I

-The Jazz Singer (1927). https://youtu.be/EqFH0HNBLFE

-King Kong (1933) Trailer. https://youtu.be/I8P7RzqOU_M

-Música del cine (Documental). https://youtu.be/wYXlCryCfKg

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05-Oct-2015

El tercer estado con mayor extensión territorial de México, vestido por serranías, bosques, lagunas, acuíferos medicinales y un edén entre su desértico paisaje, acompañan las voces nativas que en náhuatl nombran a la “Víbora que vuela”,  el cabrito o el menudo rojo entre sus delicias gastronómicas, sonidos norteños irrumpen el silencio de sus arenales y presume el embeleso de sus seis pueblos mágicos, de los cuales, en este artículo homoespaciero, mencionaremos a dos. El primero, es cuna de la viticultura de toda América continental, cuenta con leyendas prehispánicas entre las pinturas rupestres de su anfiteatro natural,  tierra del célebre Francisco I. Madero, un grácil cañón de piedra azulada, un exótico show a cargo de miles de murciélagos al obscurecer, así como orgullo de ser el “Oasis de Coahuila”. Mientras que nuestro segundo encanto coahuilense, es un reciente pueblo mágico, donde sus aguas termales, una antigua estación férrea, el sabor de su cabrito al pastor, virginales grutas, su relevancia histórica en el movimiento revolucionario y otros hechizos naturales, le otorgaron esta nominación.

México aumenta su magia y esplendor turístico al sumar 28 entidades a su listado de pueblos mágicos, hasta el momento suman 111 localidades que sustentan este título, la razón… la grandeza de sus tradiciones milenarias, el folclor dancístico, trajes típicos, diferentes dialectos de esta tierra que expresan nuestros hermanos indígenas; el sugestivo arrebato que cautiva la mirada de una mexicana, parrandas entre la fraternidad del tequila o el mezcal, música “Pa´todo el año” como dijera José Alfredo,  norteños para celebrar, “Lunas de octubre” para los enamorados, el sazón de la cocina, paisajes que se imprimen en el recuerdo, anécdotas que narran nuestra historia y muchas otras razones más, que demuestran la belleza de nuestra nación.

Algunos de estos talentes se viven en el norte del país, y Coahuila es una muestra de ello, al ser el estado con más pueblos mágicos en la franja norteña de la República Mexicana.  La fundación de su capital, Saltillo, fue en 1577, y su historia destaca el arrojo de los ocho mil insurgentes en el periodo independentista bajo el mando de Mariano Jiménez. Monclova que fuera la última morada de Ignacio Aldama en 1811, la adhesión de Texas a este gran estado en 1824 y la lamentable separación de los texanos de nuestro país en 1836.

Por otra parte, el regodeo turístico coahuilense nos llevará entre los textos de este artículo por el oasis de la primera mágica localidad de este estado: Parras de la Fuente, así como uno de los nuevos pueblos mágicos, el sortilegio revolucionario de Candela.

Parras… el oasis de Coahuila

En 1587, conquistadores peninsulares trataron de apoderarse de estas tierras, pero no fue hasta en 1598, cuando el padre jesuita Juan Agustín de Espinoza logra fundar la Misión de Santa María de las Parras, al convencer bajo su evangelización a los nativos, así que tal parece que en Parras, las cosas son por las buenas.

Entre algunos datos curiosos destaca que el abuelo de Francisco I. Madero, don Evaristo Madero, fue dueño de la Hacienda San Lorenzo, hoy conocida como Casa Madero, actualmente, la primer bodega vinícola de América, fundada en el siglo XVI y que ha merecido varios reconocimientos a nivel mundial.

Por su parte, la Hacienda del Perote cuenta también su propia historia, cuando el inglés Fernando Chapman la adquiere después de la intervención francesa, al ser nombrada así por un indígena irritila llamado Don Pedrote, que era el temor de los ibéricos en el periodo virreinal y que el británico, al no poder pronunciar la “d”, lo llamó Perote y actualmente es un hotel que produce excelentes vinos de singular exquisitez.

A un costado de esta hacienda, se encuentra la Cueva de los Murciélagos, donde el espectáculo comienza al caer el sol, al ver volar a miles de estos animales, lo que provoca toda una exótica fascinación al atardecer.

Otro peculiar gozo, es acudir al Cañón de la Lima, que con sus piedras azuladas brindan una surreal experiencia entre la quietud del desierto, pero si prefieres conocer un sitio que cuenta con un dato poco conocido, date una vuelta por el Estanque de la luz, donde conocerás cómo el propio Édison, por invitación del abuelo de Francisco I. Madero, le pidió construir la primer turbina hidroeléctrica en México, al ser así esta localidad, la que inauguró la bombilla de luz en nuestro país, o bien, admirar las pinturas rupestres en el anfiteatro natural entre la serranía de Parras.

En otros sazones, las delicias como el asado de puerco, la barbacoa o un buen corte de carne acompañado con un tradicional vino de mesa, bien pueden calmar tu apetito para continuar la aventura, así que en medio de tal deguste, tal vez sea bueno expiar algunos de tus próximos pecados al asistir a la Capilla Santo Madero, en la cima del Cerro del Sombreretillo, construida en el mismo año de la fundación de este poblado.

Respecto a los amantes del turismo cultural, este destino coahuilense cuenta con la Casa de Cultura o la Casa del Abuelo, donde se exhiben algunas pertenencias de Francisco I. Madero; el Archivo Matheo, con varios archivos eclesiásticos y civiles que datan del siglo XVI o la Iglesia y Colegio de San Ignacio de Loyola, construido en 1607 y que posee una linda arquitectura estilo barroco.

Mientras que las principales celebraciones son: las Fiestas de la uva, vino y la vendimia que se disfrutan en agosto en la Casa Madero y el Festival del dulce y la nuez en noviembre.

Finalmente, el toque novelesco lo otorga la luna y si es de octubre, mejor aún, ya que entre los brazos de una coahuilense… hasta parece que se pueden tocar las estrellas.

Candela… sortilegio a lo revolucionario

Cande la, llamada así por la semejanza de un montículo de la entidad con forma de una vela de cera. En 1688, el General Alonso de León funda la misión de San Bernardino de Cande la. En 1774 se crea el poblado de San Carlos de Cande la, para el año 1890 se le cambia el nombre por Romero Rubio, y en el periodo de la Revolución Mexicana, se le otorga su nombre actual… Candela. Un dato relevante es que el pasado 25 de septiembre, dentro de la Segunda Feria de Pueblos Mágicos, realizada en el Centro de Convenciones de Puebla, a esta localidad se le otorgó el título de Pueblo Mágico junto a su hermana población coahuilense, Guerrero.

La nueva demarcación mágica, forma parte de la llamada Ruta del Desierto, sitio estratégico para Venustiano Carranza dentro de la gesta revolucionaria de nuestro país, además fue este personaje histórico quien funda la famosa estación férrea de Coahuila.

Algunas de sus principales atracciones son: las aguas termales de Ojo Caliente, balneario favorito de los turistas y lugareños; otro acuífero placer es la Presa de las Higueras, con aguas consideradas como medicinales, ideal para el campismo, cabalgata y paseos en cuatrimoto; en cuanto a Las Lajitas, cuentan con un encanto campirano en la parte baja del río, donde las lunadas se entonan con una guitarra y si cuentas con la fortuna de ser acompañado de una afable mujer… el éxtasis lo experimentarás al natural.

En otros placeres… el gozo gastronómico radica en saborear un cabrito al pastor o una carne asada acompañado con unas tortillas de harina y un dulce de nuez como postre, digo, para recobrar los ánimos y cuentes con la energía para visitar la Gruta de los Carrizales, donde al ser aún vírgenes, necesitaras equipo de escalamiento para poder adentrarte en esta galería de estalactitas y estalagmitas pulidas por los minerales del subsuelo.

Estimados homoespacieros, les comparto los enlaces dentro de la web para que continúen disfrutando este recorrido por la belleza desértica de Coahuila y estos los encantadores poblados de Parras y Candela:

Coahuila. https://youtu.be/Qg2xTFG99Yo

Parras. https://youtu.be/wkjwl-rmP1k

Candela. https://youtu.be/X5vOunYcrWA

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28-Sep-2015
p style="text-align: justify;">La poesía lírica, textos inteligentes interpretados con mucho feeling y una historia que inicia en el siglo XI en Francia, la música tradicional, el bolero como ingrediente clave, el folclor latino en un movimiento conocido como Nueva Canción y la voz de los pueblos unidos en la canción de protesta, dieron paso en la gran isla a lo que hoy conocemos como Nueva Trova Cubana. Mientras que las influencias de los cantos cortesanos de la Edad Media, Frédéric Chopin como padre de la balada lírica a inicios del siglo XIX y la “ballad” de los años veinte entre los migrantes europeos en Estados Unidos, otorgaron las bases a la llamada balada romántica, con un gran aporte realizado por parte de los ibéricos, galos e italianos a la balada latinoamericana, aunque también este género melódico fue adoptado en su estilo clásico por el rock o el metal, así como otras mezclas entre ritmos caribeños.

¡Canta latino tu trova! entre dolor, injusticia y lágrimas que transformas en música, mientras que los gobiernos se escudan en sus armas, explotación, muerte y corrupción; el pueblo habla con valores, integridad y la ideología de corazones puros, esos que se cosechan en el campo, los que sienten su tierra… desde la raíz. Amor… el motor que nos identifica, significado de una fraternidad milenaria, esa que el poder pretende pervertir para intereses de seres sin patria, las cúpulas que en realidad son un cieno, tan podrido como sus discursos, farsantes que aplastan a su hermano, acallan la verdad con asesinatos y las mentiras mediáticas, como siempre, transmitidas a todo color.

Mientras que la música con significado, tal pareciera que agoniza, pero es gracias a los emancipados, esos benditos rebeldes independientes que aún luchan y crean, jóvenes que se agrupan al entonar en el arrabal sus composiciones o en sitios que cuentan con una propuesta fuera de pretensiones. Ahí, el alma de lo genuino se mantiene, pero la difusión es otro tema, ya que muchos medios solo lo usan por una moda, pero en realidad es pura simulación, carentes de esencia describen un plano meramente superfluo, iluminados por la conveniencia, el foro resulta ser un engaño, dominado por aquellos mismos que han destruido la verdadera escena musical, al final… el pueblo entiende y el artista, compone.

En otro apartado… la mujer inspira, poesía en la letra y una guitarra para acompañar el sentimiento, son los principales elementos que han permanecido desde varias centurias entre los cantautores y así, es que realizamos en Homo Espacios, un íntimo recorrido entintado por la historia de la trova y la balada.

Trova… feeling para los pueblos

Trovar, palabra que significa “crear literalmente”, es un estilo lírico poético que surge en el siglo XI en Francia, entre la literatura occitana y el idioma provenzal antiguo, que era una lengua poética de los trovadores. El trovador era una especie de poeta melódico de clase alta, principalmente formaban parte de la nobleza; algunas curiosidades de este grupo, son que el trovador pertenecía al sur galo y los troveros habitaban el norte de Francia; el primer trovador fue Guillermo IX de Aquitania, séptimo conde de Poitiers, apodado “Guillermo el Trovador”, su nieta Leonor de Aquitania fue quien envía a los trovadores al norte franco y populariza la trova cortesana al contraer matrimonio con el Rey Luis VII. Contabilizaba más de 400 trovadores al final del siglo XI.

La música literaria de los galos, rápidamente se extendió a otras partes de Europa como Cataluña en España o al norte de Italia, donde logra su plenitud en los siglos XIV y XV, al contar entre la poesía trovadoresca distintas temáticas como el amor, política, moralidad y discusiones entre trovadores; además en su diversificación, un dato curioso es que existe una clasificación trovadoresca llamada balada.

Otra característica de este tipo de trova, era la diferencia entre trovador y juglar, al ser considerado el trovador como autor y perteneciente a la corte con su “trova hermética”, incluso muchos de ellos fueron clérigos, condes y hasta reyes; mientras que el juglar era conocido como un intérprete perteneciente al pueblo o de “trova leve”, aunque varios de ellos también componían sus propios poemas y lograron convertirse en trovadores.

Tiempo después, en el periodo de la conquista española, la lírica europea llega al nuevo continente entre jotas ibéricas, valses franceses e italianos y la sonata africana para crear la música criolla en Latinoamérica, que evolucionó en Cuba en el siglo XIX como “Neomanticismo Popular Cubano” y da paso a la trova tradicional, de donde surge el bolero a finales de este siglo con el maestro Pepe Sánchez y su inaugural bolero “tristezas”, en Santiago de Cuba.

Algunos de los primeros trovadores cubanos fueron Manuel Corona, oriundo del poblado Las Villas, de oficio tabacalero, compositor de canciones como  “Santa Cecilia” o “Aurora” y que falleció en 1950 en el olvido; el afamado Sindo Garay, de Santiago de Cuba, que fuera discípulo de Pepe Sánchez, creador de más de 600 temas, quien conociera a José Martí en sus años de infancia y falleciera a los 101 años en 1968; otros dos grandes pioneros de la trova cubana fueron Rosendo Ruiz y Alberto Villalón.

La década de los cincuenta, fue una etapa revolucionaria en toda América Continental, la música negra cantaba contra del racismo en los Estados Unidos y los latinos se defendían de los abusos, principalmente cuando la Revolución Cubana triunfa en 1959. En aquella época, también surge un movimiento musical de protesta en Latinoamérica llamado Canción Nueva, aunque sus ecos se originaron entre la Guerra Civil Española, las canciones francesas de la Resistencia en la Segunda Guerra Mundial y en los años cincuenta con los reveladores temas de Bob Dylan en Estados Unidos.

Las bases ideológicas de la llamada “Canción Nueva”, eran tomadas del folclor latino, el hartazgo de los pueblos por sus gobiernos represivos, movimientos revolucionarios, el hambre, el compromiso social y las naciones marginadas tenían una nueva voz… la “Canción de protesta”.

En Cuba, este movimiento tomó su propia identidad con la trova tradicional y el llamado “feeling”. Ffue entonces cuando en la Casa de las Américas surgen varios cantautores en los años sesenta, se graban los primeros álbumes colectivos, surge el Grupo de Experimentación Sonora del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficas quien brinda el talento de lo que se conocería como Nueva Trova Cubana, género inaugurado un 18 de febrero de 1968 en un concierto realizado por Silvio Rodríguez, Pablo Milanés y Noel Nicola en la Casa de las Américas… y el resto, es historia.

Balada… el último romance

El canto cortesano de la época medieval, clasificación de aquella trova afrancesada que ya mencionamos, tomó una dirección más clásica cuando el eminente compositor polaco Frédéric Chopin, realiza a inicios del siglo XIX cuatro piezas para piano llamándolas “balada lírica”, pero fue hasta los años veinte, cuando los migrantes europeos llegan a Estados Unidos y surgen varios temas románticos, algo lentos en su rítmica, llamados “ballad”, que logran entrelazarse con el jazz y el blues durante las décadas de los treinta y cuarenta… crooners como Frank Sinatra, Big Crosby y Dean Martin, dan muestra de esto.

En los cincuenta, el rock and roll tomaba mucha fuerza entre la juventud y Elvis Presley, era el rey, así que entre tanta agitación, aparece el hijo de la balada romántica y el rock… el rockslow, liderado por Paul Anka, y que en voz de Elvis, sonaba como un ensueño para las jovencitas.

Mientras que en otras partes del mundo, ya en los sesenta, Charles Aznavour enamoraba a la francesa, Domenico Modugno a las italianas y en España, el futuro… Raphael como cantante y Manuel Alejandro como compositor, dominan España y entran al mercado latino con mucha fuerza.

El boom de la balada romántica fue en la década de los setenta y parte de los ochenta. En Argentina, Sandro de América era el sex simbol de su país, Roberto Carlos brinda el romance en Brasil, Alberto Plaza abarrota sus conciertos en Chile, Jonnhy Fontana es un éxito italiano en Estados Unidos, Perú ofrece a los latinos la voz de Tania Libertad, la guitarra puertorriqueña que se adentra con José Feliciano y hasta los suecos ABBA realizan algunos éxitos.

En México, aparece una impactante voz que creció entre el bolero y conocido hasta entonces como contrabajista… José José, descubierto en un centro nocturno en 1967 por el compositor y productor Rubén Fuentes y que el 25 de marzo de 1970 en el II Festival de la Canción Latina, dejara con la boca abierta a Marco Antonio Muñiz, al interpretar uno de los temas más famosos de  Roberto Cantoral García… “El triste”, convirtiéndose en el “Príncipe de la canción”. Respecto a compositores de la balada romántica, se considera como el principal, al maestro Armando Manzanero.

Respecto a la fusión de la balada con otros ritmos, en un estilo más clásico se une con el rock, un ejemplo de esto es el tema “November Rain” del álbum Use your illusion I (1991) de los Guns N´ Roses y en el metal, “Fade to black” que aparece en el disco de Metallica Ride the lightning (1984), así como otros coqueteos sonoros más novelescos con la salsa o la cumbia.

 

Muchos otros compositores e intérpretes se quedan en el tintero homoespaciero, pero eso lo dejaremos para otra entrega, mientras tanto les comparto algunos enlaces web a efecto de que continúen en el disfrute de este artículo con el feeling de la trova y el último romance de la balada:

-Historia de la trova. https://youtu.be/lhzbaVB91pE

-"Las amargas verdades" (Sindo Garay). https://youtu.be/5O_m3lr36_A

-EP Canción Protesta. Casa de las Américas (1968). https://youtu.be/Sy9Ztz5rtMk

-Concierto Casa de las Americas (1979). https://youtu.be/ZYeWxhgbo60

-Historia de la balada. https://youtu.be/e-M9CgIe34s

-“Strangers in the night” (Frank Sinatra). https://youtu.be/hlSbSKNk9f0

-“Always On My Mind” (Elvis Presley). https://youtu.be/d6_aEsFwQ9s

-“El triste” (José José). https://youtu.be/MKhuZGk5qZ8

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22-Sep-2015

El nacionalismo expresado en el arte de tres personalidades, es el artículo que preparamos esta semana en Homo Espacios. El primero, es un destacado compositor jalisciense, autor del llamado “Segundo Himno Nacional”, creador de exquisitas sonatas, óperas y otras tantas joyas de la música de cámara mexicana, a quien lo alcanzara la muerte en la cúspide de su carrera y que por cierto, hace falta indagar mucho más de su obra. Nuestra segunda celebridad, es un afamado cineasta de la llamada época de oro, con su lente retrató a México al exponer su belleza a nivel internacional, defendió nuestras raíces y el sentimiento indígena como ningún otro director de cine en el país, revolucionario, enérgico, modelo de la estatuilla más valorada en el mundo fílmico sin recibir ninguna, galardonado con una Palma de Oro, así como de muchos misterios que envuelven a este encumbrado cineasta, guionista y actor mexicano. Finalmente, la primera muralista mexicana será la encargada de cerrar este artículo sobre arte patrio, al compartir su sensibilidad entre poemas, digna representante del comunismo mexicano, amiga personal de Frida Kahlo, defensora de los derechos de la mujer, así como de las voces de un pueblo marginado, lo que provocó que la tacharan de rebelde, al mantener oculto su aporte artístico por casi treinta años.

México no se encuentra entre sus políticos y de todo lo que se desprende de este rapaz grupo, a la patria se le admira entre su pueblo de sangre indígena, charros que portan con orgullo sus tradiciones, aquellos que defienden su cultura… y así, en silencio dimos nuestro grito de independencia el pasado 15 de septiembre. La lectura de lo acontecido es más que evidente… hartazgo es lo que consume a los mexicanos, un profundo cansancio que marchita el alma de este país y el resto, se los dejo a su criterio.

Lo que falta… nos sobra de cultura, belleza natural y manifestaciones artísticas, aunque el cáncer en esta materia se sigue alimentando, apoyando, así como consumiendo, hablo de la desinformación de las principales cadenas de televisión, la contaminación de aquellos imperios mediáticos que asumen la posición de marionetas, pero el sin sentido aumenta cuando un gran grupo de la sociedad sigue a la espera de ver a qué hora sale la novela, la liguilla, los programas nocturnos de los domingos, la nueva empresa transnacional a la cual le otorgarán su dinero y hasta se ponen la camisa de esta incongruencia.

En fin, mejor comentemos sobre aquellos que supieron reflejar la verdadera identidad de este país con arte, sin dictar normas, ni reglas burocráticas, lejos de la corrupción y los engaños. Tres artistas que demostraron lo que en realidad es México: el destacado compositor Pablo Moncayo, en séptimo arte Emilio el “Indio” Fernández y la primera muralista mexicana, la poeta Aurora Reyes.

Pablo Moncayo: Más que su Huapango

Oriundo de la perla tapatía, José Pablo Moncayo García nació un 29 de junio de 1912, su amor por la música inició desde muy pequeño, cuando a su padre Francisco Moncayo Casillas le dieron un clavecín como pago, contaba con solo seis años edad cuando sus padres deciden mudarse a la Ciudad de México, donde inicia sus estudios en piano.

En su juventud, encuentra a la musa de su vida… Clara Elena Rodríguez del Campo, con quien procreó a sus hijas Claudia y Clara Elena Moncayo Rodríguez.

En 1929 ingresa al Conservatorio Nacional de Música, sus principales maestros fueron Candelario Huízar y el destacado director de orquesta Carlos Chávez. También fue en este sitio donde conoce a Daniel Anaya, Blas Galindo y Salvador Contreras con quienes funda su primer ensamble… El Grupo de los Cuatro.

Algunos datos curiosos de este músico y compositor jalisciense, son que entre sus primeros trabajos se desempeñó como panista en estaciones de radio y tocó jazz para algunos sitios nocturnos de la capital mexicana.

Encumbrado representante del “Movimiento Nacionalista Mexicano” en la música, junto a Silvestre Revueltas, Moncayo en 1932 formó parte de la Orquesta Sinfónica Nacional como percusionista, la cual dirigió tiempo después, durante el periodo de 1949 a 1954.

Las inaugurales piezas creadas por este paisajista lírico fueron: “Impresiones de un bosque”, “Diálogo para dos pianos” y algunas sonatas para violonchelo y piano. A inicios de los años cuarenta recibió una beca para estudiar en el estadounidense Instituto Berkshire de Massachusetts.

El 15 de agosto de 1941, la Orquesta Sinfónica de México en el Palacio de Bellas Artes y bajo la dirección de Carlos Chávez, el tapatío interpreta su principal pieza… “Huapango” o mejor conocido como “Huapango de Moncayo”, considerado el “Segundo Himno Nacional” e inspirado en tres sones veracruzanos: “El siquisiri”, “Bajalú” y “Gavilancillo”.

Otras de sus principales joyas son: “Amatzinac” (1935), “Llano alegre” (1938), “Sinfonía” (1942), “Homenaje para Cervantes” (1947), su ópera “La Mulata de Córdova” (1948), la deliciosa suite “Tres piezas para piano” (1948), el gozo sinfónico de “Tierra de temporal” (1949), su ballet “Tierra” (1956), entre muchas otras sonatas y sonatillas.

La genialidad de este paisajista lírico de México, va más allá del tema que le dio fama mundial y el cual es conocido por todos. Escuchar a Moncayo, es sentir nuestra tierra que despierta para exponer su grandeza, habla con el éxtasis de los sonidos e interpreta el sentimiento patrio de un pueblo y aunque existen muchas obras que desde hace tiempo solo permanecen en el papel, creo que es necesario volver a entonar, así como presumir toda la obra de este gran Maestro tapatío.

La vida de Moncayo fue breve pero substanciosa en materia musical, ya que falleció a causa de una extraña enfermedad en el pericardio a los 45 años, un 16 de junio de 1958. Sus restos descansan en el Panteón Español de la Ciudad de México. Dejó entre sus últimas inspiraciones, una pieza sin terminar para su amada esposa.

 

El “Indio” Fernández: La enérgica sensibilidad de un cineasta

Emilio Fernández Romo, como él mismo lo afirmara, fue hijo de un revolucionario y una india Kikapú, allá en Mineral del Hondo, Coahuila. En sus venas, raíces indígenas y su corazón siempre enalteció a México con una enérgica personalidad y entre su historia… mucho misticismo.

Cuenta que participó en la Revolución y a causa de este movimiento tuvo que refugiarse en el país vecino del norte, donde realizó distintos oficios y en uno de ellos fue extra de algunas películas hollywoodenses, por ahí se dice que el mismo Adolfo de la Huerta le comentó al “Indio” que México ya no quería más revoluciones, que si quería defender y mostrar sus ideas lo hiciera con una cámara.

En aquel tiempo en los Estados Unidos, para ser más exactos en 1928, la actriz Dolores del Rio, que en ese tiempo era la prometida el director artístico de la Metro Goldwyn Meyer, Cederic Gibbons, le sugirió que el modelo para la estatuilla otorgada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (AMPAS) o el “Oscar”, fuera Emilio Fernández… y así sucedió.

El “Indio” conoce al cineasta ruso Sergei Eisenstein en 1930, quien queda maravillado ante su genialidad fílmica, principalmente en el rollo inconcluso ¡Que Viva México!, al definir los paisajes de nuestro país, los rostros de los pueblerinos y otros tantos detalles que nos identifican, así Emilio encontró su vocación, al incursionar en el cine con un pequeño papel en la cinta La Cruz del Diablo (1934), aunque su primera participación fue en Estados Unidos como extra en la película Torrent (1925) y La isla de la pasión (1941) fue su filme inaugural como cineasta.

Aún se escucha a Antonio Bibriesca entre los rollos de Emilio Fernández, Dolores del Río y María Félix que conmocionaban el lente de las cámaras, Pedro Armendáriz como su primer actor, las postales del fotógrafo Gabriel Figueroa, los creativos diálogos entintados de Mauricio Magdaleno y la edición de Gloria Shoemann, fueron principalmente quienes le dieron vida la época dorada fílmica del “Indio”.

Los principales títulos de Emilio como director de cine fueron: Flor Silvestre (1943), la “Palma de Oro” en el Festival de Cannes con María Candelaria (1943), Pueblerina (1948), La malquerida (1949), The Torch (1949) siendo éste su único filme grabado en Hollywood, Cuando levanta la niebla (1952) con Arturo de Córdova, La Chorca (1973) y su último trabajo, Erótica (1978), eso sin mencionar su trayectoria como actor, de la cual, el rollo galo Pirates y ¡Arriba Michoacán! en 1986, fueron sus dos últimas participaciones en la pantalla grande.

Respecto a la temática en sus obras cinematográficas, este enérgico cineasta ha sido el único con la sensibilidad para captar el alma indígena de México, entre maravillosas tomas de nuestra naturaleza, así como entender la marginación e injusticia que se vive entre los desfavorecidos, lo que sufre el llamado indio, la grandeza del campesino, los amores imposibles… y el significado de ser mexicano.

A sus 85 años, un 6 de agosto de 1986 en la capital mexicana, el “Indio” dejo un profundo vacío para la cinematografía mexicana, al dejar cuarenta títulos como cineasta, más de una centena de películas como actor, cuatro como productor y cuarenta como argumentista.

 Aurora Reyes: Entre murales y poemas

La primera muralista mexicana nació en Hidalgo del Parral el 9 de septiembre de 1908, su abuelo fue el General Bernardo Reyes, quien murió en manos del ejército de Victoriano Huerta, por considerar a su familia enemiga de este mandatario, lo que causó que se mudaran a la capital mexicana y sufrieran pobreza, al grado que la artista, en sus años de infancia, tuvo que vender en la Lagunilla los panes que su madre preparaba.

En su etapa como estudiante de preparatoria conoció a Frida Kahlo, con quien entablo una amistad de por vida; compartían su gusto por el lenguaje altisonante y enamorar jovencitos. Al ser expulsada de la escuela por golpear a una prefecta y ante tal acontecimiento, opta por estudiar pintura en la Academia de San Carlos.

Poeta, intelectual, activista, maestra y la primera mujer muralista mexicana, Aurora realiza su primera obra plástica Atentado de las maestras rurales (1936) en el Centro Escolar Revolución, aunque uno de sus murales más destacados fue Trayecto de la cultura en México (1962), donde muestra el periodo prehispánico, colonial y moderno del país. En total existen siete murales de la artista.

Militante del Partido Comunista de México, cofundadora de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, precursora del derecho de la mujer al voto, así como dirigente sindical, la también llamada “Cachorra” -comenta su nieto Héctor Godoy-, que después de la tragedia de Tlatelolco dentro del movimiento estudiantil de 1968, cuando Luis Echeverría asume el cargo de Presidente de la República, acudió a la puerta de su casa para ofrecerle un cargo público, a lo que ella respondió que no hacía tratos con asesinos y lo despidió con despectivo recuerdo para su madre.

Algunos motivos como estos, fueron causantes de que se mantuviera en el olvido la obra de Reyes por casi treinta años después de su muerte el 26 de abril de 1985, hasta hace unos cuantos meses en el pasaje del metro Bellas Artes, se expuso su obra de manera temporal. La conexión que siempre mostró con el pueblo, bien merece que sus bocetos, dibujos, retratos, así como poemas sean presentados en los principales recintos culturales del país.

Estimados lectores de Homo Espacios, les comparto algunos enlaces de estas tres figuras del arte mexicano:

José Pablo Moncayo (Documental). https://youtu.be/To24cpzq7Tg

Emilio el “Indio” Fernández (Entrevista). https://youtu.be/YkLPVthawJo 

Aurora Reyes (Cápsula). https://youtu.be/0jB0ggpRu1Q

 

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14-Sep-2015

Celebramos las fiestas patrias en Homo Espacios al sazón de textos, cifras y algunas festividades referentes a nuestra cocina mexicana con tres platillos que seguramente considerarás tener en tu mesa este 16 de septiembre. El primero, es un goce poblano creado por monjas agustinas para satisfacer el apetito de Agustín de Iturbide, después de firmar el Acta de Independencia de México; la segunda delicia cuenta con muchas formas de elaboración, la tortilla es su ingrediente básico y depende del Estado su “apellido” respecto a su preparación, aunque su principal fiesta se lleva a cabo en la capital mexicana; el último antojo, en este artículo, proviene de la tierra del tequila y el mariachi, y es una de las firmas gastronómicas de la Perla Tapatía.

Verde, blanco y rojo son tus colores, grabados en tu corazón… la imagen prehispánica del águila postrada en un nopal devorando una serpiente. Tierra indígena, en tu piel la belleza de Mesoamérica, sones al compás del mariachi suenan en tu espíritu, la ofrenda del campo que reconoce tu sabor por todo el mundo, patrimonio milenario que también es cultura… nuestra gastronomía mexicana, mientras que tu pueblo grita una vez más: ¡Independencia!

México vive entre sus hijos, a pesar de aquellos que buscan manchar el tricolor de su bandera, bastardos y no por falta de padres, sino por descomponer la patria, venderla a extranjeros, explotar a los desfavorecidos, así como acallar a quienes encuentran la verdad.

Así, llegamos a nuestra tercera edición de las Cifras del Sazón, alejándonos de la toxicidad de “los poderosos”, para cambiarlo por los nutrientes de tres deleites gastronómicos nacionales: el “chile en nogada”, las “enchiladas y la “torta ahogada”… ¡buen provecho!

Chile en nogada: Delicia tricolor

Colores patrios en un platillo reconocido a nivel mundial… el “chile en nogada”, creado en Puebla por las monjas agustinas del convento de Santa Mónica en la capital poblana, para agasajar a Agustín de Iturbide, cuando volvía de firmar en Córdoba, Veracruz, la Independencia de México, un 28 de agosto de 1821.

También existen otras versiones sacras en los colores de este manjar, al considerarse el verde como fe, el blanco la esperanza y el rojo  la caridad.

El chile poblano proviene posiblemente de los valles del estado de Puebla, aunque actualmente los mayores productores son de Sinaloa, Zacatecas, Baja California y Querétaro, aunque el 35% del cultivo que se consume en el territorio nacional es importado. Puebla ocupa el lugar número once entre los principales productores, abasteciendo con un total de mil 122 toneladas producidas en 109 hectáreas al año.

En lo que se refiere a la producción de carne, Veracruz posee más de 4 millones 300 mil cabezas de ganado, cifra que lo coloca como el principal productor a nivel nacional. En México se explotan más de 30 cruzas de ganado y somos el quinto lugar como mayor productor de cárnicos en el mundo, con 5.7 millones de toneladas anuales.

La principal celebración de este patriótico platillo, se lleva a cabo en los municipios poblanos de San Nicolás de los Ranchos y Calpan, destinos donde en el mes de agosto se realiza el Festival del Chile en Nogada. El año pasado participaron treinta amas de casa, quienes atendieron el exigente apetito de cerca de 30 mil visitantes y cada chile tuvo un costo de 90 pesos. En nuestra ciudad capital existen más de una docena de restaurantes de alta cocina que ofrecen esta delicia orgullosamente mexicana.

Las enchiladas: Platillo de una nación

Dependiendo del estado es su modo de preparación, cuenta con variantes como la enfrijolada o entomatada y su principal ingrediente es la tortilla -de origen prehispánico-, la elaboración y fama del suculento platillo inicia en la etapa del México Independiente.

La tortilla de maíz es el producto más antiguo de nuestra cultura culinaria, diariamente el 94% de los mexicanos la consumen y el volumen de producción es de 9.4 millones de toneladas al año. Existen más de 12 mil molinos de nixtamal en el país, con lo que se produce aproximadamente un 54% de las tortillas que se consumen en México y entre sus nutrientes posee un alto contenido de carbohidratos, así como calcio, potasio, fósforo, vitamina A, tiamina, niacina y, además, es rica en fibra.

El relleno más común al preparar las enchiladas, es la carne de pollo. Algunas cifras muestran que en nuestra nación, el consumo per cápita de pollo es de 24.8 kilogramos, al ser los principales productores los estados de Veracruz y Querétaro con 11% cada uno, La Comarca Lagunera con 10% y Puebla el 7%.

Entre las historias más famosas de este platillo se encuentran la de las “enchiladas suizas”. La historia dice que un cocinero de Maximiliano de Habsburgo, al caer el Imperio, tomó varias recetas galas para abrir el “Café Imperial” en la capital mexicana, al ofrecer platos que mezclaban la cocina europea y mexicana, una de estas creaciones fue el “panqué imperio” o las famosas “enchiladas suizas”, que bien se hubieran llamado “enchiladas a la francesa”, ¿no creen?

Respecto a muestras gastronómicas, la Feria de la Enchilada se lleva a cabo en la Delegación Iztapalapa de la Ciudad de México entre los meses de agosto y septiembre, donde se ofrecen más de 300 variedades de esta delicia típica, acompañado por una serie de conciertos en vivo y espectáculos de danza contemporánea.

La torta ahogada: Orgullo tapatío

El famoso bolillo salado del estado de Jalisco, particularmente de su capital, Guadalajara, es untado con frijolitos machacados en su interior y relleno de carne de cerdo o carnitas, que se sumerge en una rica salsa de jitomate. Tiene sus orígenes en la Perla Tapatía a principios del siglo XX, aproximadamente hace noventa años, combina la panadería española con la carne de cerdo -introducida en México desde la conquista- y una salsa de jitomate con chile de árbol, característico de esta región.

En materia de producción, las cifras muestran que Sinaloa representa 38% de la superficie cultivada en México y 54.5% de la producción nacional de trigo, Baja California genera un 14.4% y Guanajuato 10.4%. El volumen a nivel nacional de trigo en el 2013 fue de más de 3.4 millones de toneladas, con un valor de 12 mil millones de pesos, lo que colocó al trigo como el décimo cultivo más importante al contribuir con el 2.9% del valor de la producción agrícola.

Por su parte, el consumo per cápita de carne de cerdo en México aumentó en 600 gramos en el 2014, al pasar de 16 a 16.6 kilogramos, según muestra un informe de la Confederación de Porcicultores Mexicanos (CPM).

El platillo tapatío también cuenta con reconocimientos mundiales, por ejemplo, Guadalajara tiene el récord Guinness de la “torta ahogada” más grande del mundo, con una longitud de 646 metros de bolillo salado. La mega torta se elaboró en tres días dentro de la Feria Nacional de la Birria y Torta Ahogada 2010, que se celebra en el mes de septiembre.

Después de satisfacer el apetito… entintado, les dejamos los enlaces homoespacieros sobre estos tres deleites tricolor, que por cierto aparecen en el noticiero Agronoticias de la Secretaría de Agricultura, Ganadería, Desarrollo Rural, Pesca y Alimentación (SAGARPA), transmitido por TV Ingenio de Televisión Educativa:

-Chile en Nogada. https://youtu.be/rb74AJaB0Qk

-Enchiladas. https://youtu.be/lAr8cW3A3LU

-Torta Ahogada. https://youtu.be/-BiCpeZygmw

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07-Sep-2015

Dos pueblos mágicos guanajuatenses entrelazan el misticismo, la sacra beldad arquitectónica colonial, delicias del bajío mexicano, leyendas, secretos… y otros enigmas del placer. El primer destino es famoso por su historia del auge minero al abandono, “pueblo fantasma” con muchos relatos entre sus callejones, con aroma a lavanda, varios festejos líricos, habitado por varios escultores, artesanos de instrumentos prehispánicos y un hotel boutique que presume los conmovedores atardeceres de esta entidad… desde un jacuzzi exterior. Mientras que nuestro segundo deleite, exhibe sus finas edificaciones religiosas entre templos y un soberbio ex convento que actualmente alberga un museo; es una de las localidades más antiguas del estado y que además, cuenta con la primera obra hidráulica de toda América… una laguna artificial que abraza a varias islas.

El impacto de admirar tanta belleza en nuestro país, la vasta oferta cultural, alta calidad en los verdaderos artistas mexicanos, el patrimonio gastronómico que saboreamos, la cosmología indígena, paraísos naturales, ritmos que nos caracterizan, tradiciones, fiestas, entre otras tantas razones envueltas en verde, blanco y rojo… son atributos valorados en y por el pueblo.

En el bajío, los ambientes bohemios, esos hechizos de madrugada, un encantamiento para enamorados… y Guanajuato canta “De colores” desde su capital con estudiantinas, las de José Alfredo acompañado con el trago de un buen tequila desde el rincón de una cantina en Dolores Hidalgo y el funk de Pilaseca en San Miguel Allende. Así, nuestra capital de la cultura, exclama su ¡Viva México! entre la cuna de la independencia, mientras que los suspiros son arrebatados en sus callejones con el andar de sus nativas.

En tanto, nuestra ruta para este segundo artículo homoespaciero… a lo guanajuatense, nos dirigirá por los enigmáticos placeres en los pueblos mágicos de Mineral de Pozos y Yuriria.

Mineral de Pozos: El arte del abandono

Descrito como “pueblo fantasma”, localidad que resurgió del abandono al arte, el mágico Mineral de Pozos fue habitado en su época prehispánica por distintos grupos nómadas chichimecas y pames.

Fundando por los peninsulares en 1576 bajo el nombre Palmar de Vega, esta población que fuera famosa por sus distintas minas de oro, plata y hasta mercurio, vivió varios periodos de olvido a causa de la insurgencia independentista, la intervención de los galos y en el gobierno del General Porfirio Díaz -que por cierto en aquel tiempo este sitio tenía el mismo nombre de presidente oaxaqueño- logró su auge más significativo gracias a la llegada del ferrocarril, el teléfono y los teatros.

Algunos datos curiosos son que entre varias empresas extranjeras del periodo del porfiriato, fue aquí donde surge la primera tienda de las Fábricas de Francia y después  de la Guerra Cristera, la población se redujo de ocho mil habitantes a cerca de 200 personas, la leyenda cuenta que fue en castigo por asesinar al párroco de Mineral de Pozos en aquella etapa de 1926 a 1929, lo que le otorgó el mote de “pueblo fantasma”, pero fue hasta la década de los ochenta cuando un grupo de escultores, artesanos locales y otros artistas, le dieron vida nuevamente al abandonado pueblo minero.

La historia reflejada en antiguos templos, haciendas y veinte minas, hacen de este lugar todo un enigma del placer. Algunos ejemplos son: la barroca Parroquia de San Pedro o la inconclusa capilla de San Antonio de Padua; la famosa Mina de Santa Brígida con sus “hornos jesuitas” y muchos hoyos en su terreno, donde sin ayuda de un guía, sería fácil descender sin que nadie te auxiliara; los Cinco Señores, para que vivas toda una experiencia minera con todo y casco o bien, puedes realizar una visita aromática al Rancho de la Lavanda, a diez minutos del pueblo.

Respecto a las artesanías, te recomendamos adquirir una muñeca vestida con su traje regional, visitar el hotel Casa Mexicana que realizó la primera galería con piezas de Picasso y Rembrandt, mientras saboreas algún platillo típico, como una ensalada de sandía con queso griego aderezado con vinagreta de menta, la crema de chile poblano con elote o un salmón a la naranja.

Disfruta de sus ocho galerías, joyerías o tiendas de instrumentos musicales prehispánicos, ya que en Mineral de Pozos, la lírica ancestral es una de sus especialidades, en cuanto a las festividades, suenan a mariachis en abril, blues en junio y el Festival Cultural de la Toltequidad en julio, es todo un gozo de nuestras raíces entre conciertos, danzas y más.

La alternativa natural la posee el Cerro del Pelón, con una impresionante vista panorámica del poblado, y para atardeceres novelescos, en el hotel boutique Posada de Minas puedes deleitarte con la puesta de sol desde su jacuzzi exterior, aunque sería mejor si cuentas con la compañía de alguna afable fémina guanajuatense.

Yuriria: Arquitectura sacra a la orilla de una laguna

El Yuririhapundaro o “lago de sangre” (en purépecha) es uno de los municipios más antiguos de Guanajuato, fundado por el fraile agustino Pedro de Olmos en 1540. Esta localidad que forma parte de la Ruta de los Conventos guanajuatenses, se crea en 1548, bajo la supervisión de Fray Diego de Chávez, la primera obra hidráulica de toda América: la Laguna de Yuriria.

La emblemática laguna cuenta con varias islas que bien puedes visitar en lancha. Las más famosas son: El Fuerte, San Pedro, La Angostura y Las Cabras, donde puedes disfrutar de la gastronomía de la entidad, paseos a caballo o regodearte del entorno natural, aunque también la pesca es una de las actividades más populares.

Respecto a su arquitectura, Yuriria presume distintas edificaciones sacras, como el Ex Convento Agustino de San Pablo, que data de 1599 y simula una construcción de estilo medieval, posee una Cruz latina en su interior, lo cual era muy raro en aquella época. Actualmente es un museo que exhibe piezas prehispánicas y coloniales.

Otros templos son: la Capilla de Santa María, que se realizó a orillas del lago en 1537; el Templo del Señor de la Salud de 1639, que es una ofrenda de los indígenas al santo patrono o el inconcluso Templo de la Preciosa Sangre de Cristo, con su gran campanario, reloj y la imagen de la Preciosa Sangre de Cristo proveniente de Torrijos, España.

Otra de sus atracciones es el lago cráter La Joya, maravilla natural llena de vida silvestre, y uno de sus mejores espectáculos es disfrutar el cielo estrellado con tu compañera, para que la agitación se apodere con su frenesí nocturnal.

Estimados homoespacieros, les comparto algunos enlaces dentro de la web para que conozcan más sobre estos enigmáticos placeres de Guanajuato:

Mineral de Pozos. https://youtu.be/XME7YcymYIw

Yuriria. https://youtu.be/bwLPMHQdeuU

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31-Aug-2015

El canto, la actuación y la danza femenil, nos cautivarán en esta tercer entrega de las musas homoespacieras. El primer embeleso es una atractiva cantante de jazz, nuestra “Erató sincopada”, que al interpretar cualquier temas del ritmo roto lo convierte en poesía para los oídos; nuestra siguiente deidad entintada, es una pícara actriz con formación británica que transmite su alegría con el brillo de su sonrisa; mientras que el arte en movimiento, nos muestra a una de sus hijas, amazonas del baile… la “Mirina dancística”.

Quimérica, enigmática, seductora, mágico ser llamado MUJER… ellas, las que agitan en lo más íntimo, hipnóticas al mirarlas a los ojos, estremecimiento en sus labios y, tal vez, sean el mejor motivo para sentir. Escucharlas en la música, admirar sus siluetas en la pintura, esculturas que exhiben su delicadeza corporal, inspiración de poetas, sensibilidad pura, su piel… un éxtasis divino y la gloria entre sus caricias.

Así, entre sentimentalismo y otros secretos, disfrutemos de nuestras tres artistas de la sugestión… ¡Musas!, pero les advierto que cualquier estado de enamoramiento, es responsabilidad del lector.

Erató sincopada: Divino suspiro melódico

Hace un par de años, enamoraste a mis oídos cuando escuché tu disco en homenaje al maestro del feeling Nat King Cole, y la primera vez que te vi en la Expo Vintage 2015, en verdad que mi fascinación aumentó por tu forma de interpretar el ritmo sincopado, ese seductor estilo que posees en el escenario y el hechizo de tu belleza… un divino suspiro melódico. Confieso que no es nada sencillo platicar contigo sin quedar deslumbrado, así como algo alterado por esos encantos que manejas tan bien, los secretos que ocultas en tu mirada… y muchos otros talentes más.

Musa de la síncopa

Oriunda de la Ciudad de México, Dannah Garay descubre el jazz desde muy pequeña al encontrarse entre discos de acetato de sus padres, uno de Nat King Cole, el cual comenta que era uno de sus favoritos. Así que después de clases, aventaba la mochila, reproducía el vinyl y se sentaba a escribir, así como a traducir los temas que interpretaba este gran pianista y cantante estadounidense, además de que su papá -un apasionado guitarrista del flamenco- desataba el “duende” en su hogar con esta lírica ibérica, aunque también complacía a su hija acompañándole temas como “I Love You for Sentimental Reasons” o “Unforgettable”, momentos que para Dannah y como dice la canción, fueron... inolvidables.

Otros de sus coqueteos iniciales con la música, fueron cuando llegó el CD a México: “En un estéreo introducía un casete virgen, conectaba un micrófono, le daba play al disco compacto y me grababa cantando. Tiempo después, en la secundaria, para burlar las clases y cantar –que por cierto me encantaba-, ingresé a la ‘Rondalia, bueno, así le decía el director de la estudiantina, él era peruano y ahí empecé a convencerme que la música era lo mío”´, nos comentaba Dannah con cierta emoción, nostalgia y algunas risas espontaneas.

Muchos discos participaron en las influencias de esta princesa del ritmo roto, pero en definitiva Ella Fitzgerald y los primeros álbumes de Diana Krall, la marcaron. Otro acontecimiento fue cuando asiste a una presentación de un trio de jazz mexicano y se da cuenta que la escena mexicana estaba viva, lo cual despierta su búsqueda e interés por la síncopa mexicana.

Becada por la Fundación Jazz Fest, Dannha comienza a presentarse con su ensamble inaugural en distintos escenarios nacionales, también fue invitada a la serie de conciertos de inauguración Global Jazz Institute del Berklee College of Music de Boston. En materia discográfica, cuenta con tres álbumes Forever and ever Bossa and Jazz (2011), From You... to You: Remembering Nat King Cole (2012) y My Miracle (2014).

Curiosidades

Algunos datos poco conocidos de esta musa de la síncopa son: que es licenciada en Diseño Gráfico, lo que hace que la Garay sea muy estricta en el arte de sus discos; anteriormente de descubrir el jazz, cantó pop y rock en sus años de estudiante; su último álbum My Miracle (2014) fue dedicado a su hijo, donde busca reflejar la pureza y el soplo de su vida… el pequeño David, y otra exclusiva, es que actualmente Dannah se encuentra preparando su próxima producción discográfica, el título aún es desconocido, pero tendrá mucho latin jazz, así como algunos boleros como “Delirio” del cubano Cesar Portillo de la Luz o “Tu no sospechas”; si deseas seguirle la pista, su página web es http://www.dannahgaray.com/ 

-¿Tus aficiones?

-“La pintura me gusta mucho, principalmente hacer reproducciones, la tinta china, admiro las artes escénicas, me fascina la arquitectura sacra desde el punto de vista artístico, soy fan de Woody Allen, la historia del arte, la psicología, así como hacer ejercicio, por ejemplo el cross fit. Roma, Italia, es uno de mis destinos favoritos, Guanajuato en México se me hace un lugar mágico y en la capital, el Centro Histórico o el Catillo de Chapultepec es maravilloso”

-¿Algo íntimo?

-“Le tengo horror a los insectos, ya sabes arañas, tarántulas o cucarachas. Me gusta mucho bailar salsa, me fascina la fotografía de naturaleza e incluso tengo mi cámara profesional”

Los hombres que le resultan atractivos a nuestra “Erató sincopada” son aquellos que sean muy sensibles, con sentimientos nobles, que sea interesante, con cierto intelecto, cero egoístas que sepan brindarse y compartir.

-¿Y Homo Espacios?                   

-“Descubrí Homo Espacios gracias a la propuesta de ocupar un lugar dentro de la sección de "Las Musas"… y entre lugares y personalidades se puede navegar conociendo muchas propuestas artísticas sumamente interesantes. Abarca prácticamente todas las Bellas Artes, además de gastronomía y turismo en muchos medios de difusión como televisión, radio, así como medios impresos. Considero que es un lugar que nos da la oportunidad de exponer muchas propuestas en una sola página web y agradezco mucho la invitación para dar a conocer mi trabajo en este selecto portal…”. Es más Dannah… ¿Dónde firmo?

Aegle escénica: El brillo de una actriz

El encuentro fue en el Foro Shakespeare, 2:30 PM, pediste tomar lo mismo que yo y una gran sonrisa mostraba tu principal distintivo… la alegría, un poco dispersa viajabas en nuestra charla entre tus letras, el teatro británico y el entretenimiento nocturno. Tus ojos color miel, la autenticidad como bandera y sin poses… son algunos de tus atributos, grácil y embelesadora Ana González Bello.

Actriz completa

Hija única de dos grandes periodistas, su mundo desde niña fueron las letras… Ana recuerda como su padre le leía distintos cuentos: “Crecí rodeada de libros y amor… mi papá, del camino de la casa a la escuela tomaba fragmentos de cuentos y creaba una historia, había un protagonista muy bueno que se llamaba el “Cuervo-hormiga”, que era una saga inventada por mi padre y así fue alimentada mi pasión por las artes, todo gracias a mis padres…”

El Zorro y Sherezada, fueron las primeras puestas en escena conocidas por Ana, aunque su gozo literario era más fuerte en los años de infancia, El Dador (The Giver, 1993) de la escritora estadounidense Lois Lowry, era uno de sus libros favoritos en aquella etapa temprana.

En la adolescencia conoció la fiesta, el llamado “antro” con las amigas era y es una de las actividades “lúdicas” que practica con mucho agrado, aunque siempre fue muy comprometida con los estudios y entre sus opciones universitarias la Psiquiatría le coqueteó, pero quedó descartada en su último año de preparatoria. Finalmente Relaciones Internacionales fue la apuesta en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP), al mezclar el entretenimiento nocturno “antro” con la escuela.

Ana platica como fue su decisión para estudiar actuación: “Una noche después de ver una película y de cuestionarme si en verdad quería estar en una oficina desempeñándome en Relaciones Internacionales, decidí estudiar teatro. Investigué escuelas en Inglaterra, hablé con mis padres y les dije que quería ser actriz. Mi papá solo me puso una condición, que hiciera un intercambio con estudiantes de Relaciones Internacionales, al pensar que tal vez la idea desaparecería de mi mente. En octubre del 2007 llené mi solicitud y un 4 de enero del 2008 llegué a Londres”

Ana ingresó varias solicitudes en escuelas de actuación y después de presentar algunos monólogos fallidos, fue la Bristol Old Theatre School su alma mater, así como el Drama Centre London, Central St Martin´s en Inglaterra, donde estudió del 2008 al 2012. En el Drama Centre se graduó con la beca Yat Malgrem, que se entrega a estudiantes internacionales que han demostrado excelencia.

En este periodo de formación protagonizó obras como Medea (adaptación moderna de Eurípides), The Changeling de Middleton y Rowley y Los Últimos Días de Judas Iscariote de Stephen Adly Guirgis. Después de graduarse fue coprotagonista en la película británica Communion, trabajó en un proyecto llamado El Tren Fantasma para la BBC y fue invitada especial en un capítulo de la serie británica SPY. En México, ha participado en varios cortos, un ejemplo es El Beso, que se presentó en Cannes, GIF Morelia, GIF Guanajuato, Wimbledon (Mejor Corto y Premio del Público), Tribeca y con el que ganó el premio a mejor actriz en el One Reeler International Short Film Competition.

Otro de sus principales trabajos fue el filme Índigo, que se presentó también en el festival de Cannes. En teatro colaboró en el montaje Tóxico, bajo la dirección de Hugo Arrevillaga; Pulmones, dirigido por Alberto Lomnitz y Sucia y muy chingona historia de amor, dirigida por Aída del Río. Recientemente fue ganadora del Premio Georgi Markov, presea entregada al guion más prometedor en el Concurso Internacional de Dramaturgia para Radio organizado por la BBC de Londres.

Actualmente, González Bello es fundadora y forma parte de una compañía denominada La Chinchilla y se encuentra en ensayos para una obra que se presentará en el Foro Shakespeare. Si deseas conocer esta compañía teatral, accede a https://www.facebook.com/LaChinchillaMx

Datos poco conocidos…

Nuestra joven Aegle escénica, comenta que en realidad es un poco penosa y algo intensa; una amante de las artes marciales; estudió un año batería; considera que el ego es el principal enemigo para aprender y enseñar; cree firmemente que un actor debe ser completo, es decir que debe hacer cine, teatro, radio y televisión, tanto comercial como independiente; uno de sus actores favoritos es el británico Simon Pegg y su filosofía de vida es tener balance, perspectiva, así como en el poder de decisión… “eres lo que quieres”.

-¿Tus gustos?

-“Me encanta Nueva York, creo que es la ciudad perfecta. En México, definitivamente San Miguel Allende y con la Ciudad de México tengo una relación amor-odio, pero creo que Coyoacán, ya que en la plaza de la fuente de “Los coyotes” tengo muy buenos recuerdos”

-¿Secretos…?

-“No me gusta estar entre mucha gente, me desagrada que me invadan mi espacio personal y tengo Tripofobia, ya que el patrón repetitivo de puntitos me causa mucha repulsión”

Respecto a cómo conquistar a esta alegre actriz… disfruta de las personas que tienen una charla interesante, divertida, con un buen sentido de humor y que se rían mucho.

-¿Tu crítica sobre Homo Espacios?

-“Me pareció una explosión de ideas y sabores, para que todo intenso de las letras como yo, podamos atascarnos a gusto. Naturalmente jalaron mi ojo las secciones que tienen que ver con cine y teatro… naturalmente hacia los artículos escritos por ti, y pude constatar que tu facilidad de palabra también la transmites al papel. Sólo te diré que yo no vi NINGUNA playa nudista cuando estuve en Cannes. En verdad se necesita más tiempo del que en el presente tengo, para darle una explorada a fondo a la página… pero me encanta la idea de un espacio donde converge todo el arte con diferentes voces. Ya que tú no vas a poder ir, mándame a alguno de tus reseñistas a ver mis obras… definitivamente quiero una reseña en Homo Espacios” … Y tú sabes mi sentir… Ana.

Mirina dancística: Amazonas del arte en movimiento

Admirador de la danza… fue en la Expo Vintage 2015 cuando en un acto burlesque que presentaste, tú expresión corporal acompañado por sugerentes sonidos captaron mi atención inmediatamente, el vestuario también aportó mucho, ya que presumía tu figura y la sencillez en tu trato… otro de tus tantos encantos.

Pasión por la danza

Nora Marines luchó siempre por su pasión… la danza, desde pequeña asistía a clases de baile en diversos ritmos. En la secundaria tomó sus primeras clases de jazz y ahí se convenció de que quería ser bailarina, aunque a sus padres no le agradaba mucho la idea, ya que creían que dedicarse a la danza era mal visto: “Mi rebeldía se reflejaba en la escuela, pero mi hermana llegó a un acuerdo conmigo, que ella me pagaría mis clases de jazz pero que si reprobaba una materia me quitaba el apoyo, lo que provocó que me volviera una estudiante brillante…”.

Con un precario apoyo por parte de su familia para estudiar danza, decide estudiar la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación, en la Universidad del Valle de México de Lomas Verdes, aunque continuó su formación dancística en distintas academias, donde también dio sus primeras clases. Un acontecimiento que marcó su vida, fue un accidente en automóvil cuando cursaba el segundo año de la licenciatura. Nora estuvo unas cuantas horas en coma y cerca de tres años de recuperación sin poder realizar actividad física, medicada, dormía demasiado y realizó la carrera, pero su fortaleza interna fue más fuerte y después de este periodo gris, regresa a bailar.

Otra etapa de su vida, fue cuando al terminar sus estudios universitarios y al darle de alta el médico, decide viajar a Chicago, Estados Unidos, para continuar su formación artística gracias a una beca en el Joel Hall Dance Center en el 2003. En 2006, ingresa a la Latin Street Dancing y se mantenía trabajando como niñera y en restaurantes.

Marines es como una melómana pero del arte en movimiento, su currículo abarca cerca de seis hojas entre talleres y participaciones en compañías nacionales e internacionales. Instructora y coreógrafa en muchos ritmos como jazz, hip-hop, electrónica, ritmos latinos, boogalo, cha cha chá, merengue, salsa, mambo, danzas africanas, y es una de las principales representantes dancísticas de bachata en México, así como la primera en introducir el baile del zouk y la kizomba africana en nuestro país. Además, ha ganado el primer lugar en los certámenes Bacardi Salsa Contest, en el Latin Street Dance y el Excalibur Club en Chicago, Estados Unidos.

Proyectos…

Actualmente, nuestra bailarina de ensueño participa en diferentes proyectos: Directora de Keep On Dancing Bachata México, Show Cabaret, colabora en un espectáculo de imitadores, toma clases de canto, y algo curioso, es que entre sus exóticas mezclas dancísticas, es instructora de “bachatango”… si ya te sedujo nuestra encantadora Mirina, puedes conocer su proyecto en https://www.facebook.com/BachataNoraMarines 

-¿Preferencias…?

-“La fotografía me gusta mucho, captar la esencia de algo es como robarle el alma, aunque también me encantan todas las artes escénicas. Admiro mucho a Martha Graham, porque me representa la fuerza en la mujer, además de ser un ícono de la danza contemporánea y un poco más comercial, soy fanática de Michael Jackson. En destinos turísticos, Angola en África por la kizomba y en México, Oaxaca”

-¿Confesiones…?

-“La música que más me agrada es la electrónica y el rock progresivo… y algo sentimental es que en mi vida me he enamorado dos veces, los llamo, incluso en entrevistas o en pláticas con mis amigos como “mis dos amores”, pero sin que ellos lo sepan…”

Los consejos para quien busque cortejar a esta artista del baile, es que tenga tema de conversación. No le agrada que los hombres sean falsos, ya que prefiere un cínico que a un payaso.

-¿Qué opinas de esos Homo Espacios?

-“Admiro el trabajo que haces, considero que es un trabajo puro, informativo, cultural y ambicioso. En realidad es para mí un honor ser parte de la sección “Las Musas de Homo Espacios”, valoro que se aprecie mi trabajo, pasión y dedicación por lo que amo. Ha sido muy interesante conocer un poco de este gran proyecto, espero de alguna u otra forma seguir colaborando”… Ya tenemos nueva reportera de danza homoespacieros.

Estimados lectores, como es tradición de esta sección creada en honor a la mujer, dedicamos a cada una de nuestras sugestivas musas un tema, pero tendrán que descubrir cuales son dándole clic:

Dannah Garay... https://youtu.be/W_puW0YrE-Y

Ana González Bello… https://youtu.be/OCM2pNdgzsc

Nora Marines… https://youtu.be/yp48-wP5NB4

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24-Aug-2015

Homo Espacios llega a su novena entrega melómana, con la seducción de los ecos folklóricos de una orquestina porteña de señoritas, que sin un pelo de tontas hacen que los ritmos de los años 20 a los 50, lleguen con su “lado b” para acariciar… más que a tus oídos; en tanto, nuestra segunda propuesta expresará la genialidad por la música urbana con su hip-hop oriundo de la Ciudad de México, acompañado por algo de hardcore electrónico y mucho feeling afroamericano; pero la armonía del son jarocho, tejido y ligado a otras líricas internacionales, llegará al tercer set de este artículo para fundirnos en un solo pueblo y para cerrar este delirio musical, una banda capitalina honrará la centuria del jazz con sus composiciones.

Adictos por el ritmo, ellos, los melómanos incurables, consumidores de notas líricas, entregados al gozo acústico, entre su alma desconocen cuando inicia la inspiración y termina la música, ya que para este grupo la incógnita nunca concluye. En verdad, describir los sonidos es una tarea que solo el interno puede interpretar, no existen letras, solo sensaciones, desaparecen las barreras lingüísticas para volverse un solo idioma. Al escuchar sus ecos, la improvisación se convierte en arte, los temas se generan como un acto divino, pero la sordera social, el abuso de la conveniencia al traducir lo intangible en materia, el desconocimiento por nuestros verdaderos músicos y la pared mediática de los monopolios de la ignorancia, suelen ser algunos de los principales obstáculos.

Hablo, sí, de los proyectos independientes, que en la escena mexicana se multiplican con una elevada calidad, pero en muchos de los casos, se prefiere ver programas dominicales supuestamente “musicales”, basura mercadológica para continuar engordando los bolsillos de esos magnates usureros y así continuar el reinado de la discapacidad cultural en nuestro país, además de alimentarlo con lo trivial… el futbol y las telenovelas. En fin, esta trampa fue puesta desde hace muchos años y lo peor es que continua en funcionamiento, tal parece que muchos no quieren retirarse la venda de los ojos, al final, la ceguera impuesta por el cieno de este sistema, es un juego para que solo gane la casa… así, el “entretenimiento para el pueblo”.

Después de esta invitación a conocer la verdadera cultura… la emancipada, adentrémonos en el amor a la melomanía con cuatro bandas independientes, que nos otorgarán todo un viaje sonoro del folklor a lo urbano, orquestado por: Las Taradas, T´orus, Chéjere y Shus Jazz.

Las Taradas: Pintoresca seducción porteña

Caricias de los ecos folklóricos de los años 20 a los 50, música raíz a lo campirano, el rey del sentimiento romántico con el bolero de inicios del siglo XX, el swing neoyorkino de Harlem a finales de los veinte, la canzone napoletana como aporte rítmico de Europa, cumbia colombiana para mover el cuerpo, el gogó con tintes de rock and roll entre un embriagante blues, cierta nostalgia por el tango y hasta la lírica popular mexicana del cancionero ranchero, son parte el coqueteo melómano de esta orquestina de señoritas, pero ten cuidado, porque si les pides sinceridad, ellas seguramente te responderán: “Que no, que no”.

Así son, nada fáciles y sin un pelo de tontas, ya que fueron tres entregas del “amor a la melomanía” el tratar de convencer a estas sugestivas porteñas, Lucy que me traía como el “Son de la Negra”, pero hasta que me sintieron seguro se animaron a ser descritas por la pluma de Homo Espacios. Mi terquedad fue porque me enamoraron con su perfección interpretativa de tantos géneros melódicos, su humor colectivo y la selección de temas “lado b” o un tanto desconocidos del Trio Los Panchos, Elvis Presley, Django Reinhardt, el “hombre de negro” Jhonny Cash, Los Machucambos, Pedro Infante, Mina Mazzini, Edith Piaf, el “Flaco de oro” Agustín Lara, Ella Fitzgerald, Lucho Gatica o Carmen Miranda.

Además, otra peculiaridad es la personificación o “alter ego” de cada una de Las Taradas… Lucy Patané (guitarra y voz) como la niña “Lucía de Paco”, que entre seres inanimados y cuatro instrumentos, hace real la fantasía… en la imaginación de muchos hidalgos; Lu Martínez o “Encarnación de los  Males”, que te hará vibrar con su contrabajo y su actitud de diva; “Doña Luisa Malatesta” es Paula Maffía, una de las fundadoras de esta orquestina, representante del ukulele argentino que te hará suspirar como su acordeón, conocimientos antropológicos y sus ideales literarios; Marcela Galván Alberti que ejecuta el clarinete y saxofón soprano como “Kelly G”, digo, algo así;  los parches, tapas de cacerolas y otras percusiones, corren a cargo de Natalia Gavazzo, conocida como “La tía Nadia López do Panadeiro” experimentada consejera en temas del clima… y el corazón. Finalmente el sexteto lo forma “Exaltación de la Cruz”, la misionera del violín y el disfrute de la naturaleza, pero eso no es todo, existen otras Taradas invitadas como Carla Nicastro “Rosita Potosí” (cajón y percusión), Ana Patané “Pricila Lapacó” (pandero), Gabriela Capellaro “Madame Coucou Chanel” (guitarra) y la inolvidable Carla Branchini “Cheetarah Rodríguez” (clarinete y huevitos).

El talento de este sexteto de argentinas, se multiplica al ser una alineación completamente acústica, cuentan con su álbum debut Son y se hacen (2012), nacen en el año 2010 gracias a un video en YouTube que vieron Lucy y Paula, pero mejor que nos lo platiquen ellas:

El video de las Boswell Sisters…

“Paula y yo tocamos en una banda llamada La Cosa Mostra y una tarde de ocio estábamos viendo algunos videos. A Paula le encantó uno de las Boswell Sisters -trío vocal de hermanas de los años 30-, así que me comentó ‘…algún día quiero conocer a otras dos taradas y armar una banda así’, a lo que le respondí que si algún día hacía esa banda, le pondría… ¡Las Taradas!”.   Nos comentó la jovencita “Lucía de Paco”.

Recomiéndenos un tema de su agrado:

-El bolero “Que Te Pedí” con La Lupe. https://youtu.be/3weAOwmKZXo

Actualmente estos suspiros porteños, se encuentran planeando su siguiente disco y se presentarán en varios sitios nocturnos de Argentina, el 3 de septiembre en el Elvis Rockandbar, 4 de septiembre en Espacio 75,  el 5 de septiembre en Plataforma Lavarden, 19 de septiembre Río  Negro en el Crazy Club, 20 de septiembre en Pirkas y el 12 de noviembre en el Teatro Vorterix de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Así que si andas por este país sudamericano date una vuelta y esperemos que pronto visiten México.

T´orus: Suena lo urbano

Magia urbana entre ecos callejeros, el jazz experimental del hip-hop vanguardista y el rock progresivo de la capital mexicana, dan forma a uno de los proyectos que se vuelven de los consentidos en la escena del jazz-hop. Fundada en el 2012, con gran potencial, así como genialidad artística, T´orus, integra a varios talentos juveniles en la escena del jazz de nuestro país y hasta el momento cuentan con un álbum homónimo, lanzado en julio del 2014 con ocho temas originales.

El virtuosismo de esta banda se encuentra alineado por Aarón Flores, maestro de la guitarra sincopada, Licenciado en Jazz por la Escuela Superior de Música del INBA, donde actualmente es profesor, ha musicalizado varias BSO para cortometrajes y entre sus aficiones se encuentra la composición; Enrique Nativitas, uno de los mejores bateristas de México, ha participado con ensambles como el de Víctor Patrón, Héctor Infanzón y otros gigantes del ritmo roto; Christian Balderas, pianista y compositor ganador de la beca “Jóvenes creadores” del FONCA en el 2011, participa actualmente con otra banda… June, con mucho post rock e imparte cursos en algunos países europeos sobre música para cortometrajes;  Benjamín García, Licenciado en Jazz por la Escuela Superior de Música del INBA, reconocido y muy solicitado bajista que aporta su profesional groove a T´orus; el sexto miembro de la banda es Eric El Niño, rapero con más de diez años de trayectoria, ganador de en la batalla de Freestyle 2004 de EMI Music, ha realizado varios discos, es un apasionado por las letras al escribir para varios blogs, revistas y conduce el programa de radio “Día Souleando” por Código DF todos los jueves a las 14:00 horas.

¿Qué nos sugieren escuchar T´orus?

-“Expedicion Al Klama Hama” de Illya Kuryaki & The Valderramas. https://youtu.be/kjlsT9u8cD4

Anécdota de un virtuoso baterista…

“La anécdota que más nos ha gustado, fue cuando hace unos meses tocamos por primera vez en The Jazz Place, era cumpleaños de Enrique Nativitas y había un buen número de bateristas en el público, por lo que decidimos abrir una Jam Session después del concierto de T´orus… entre los músicos del público que participaron estuvo el maestro de Enrique, apodado "El cabezón", hasta un chico de aproximadamente 10 años, hijo del chef del lugar, esto nos pareció inspirador y divertido. El niño estaba tan emocionado con el concierto que también quiso participar "rapeando" y obviamente al ser un pequeño tan imaginativo, sin miedo alguno hizo una gran actuación y elevó el ánimo de todos en el Jazz Place. Al final terminó platicando en el círculo de los bateristas que asistieron ese día y creemos que ese chico, bien podría ser un virtuoso baterista algún día, creemos que será así porque es muy inquieto, lleno de creatividad y energía… tal vez, hasta un poco hiperactivo, al igual que nuestro amigo Enrique Nativitas”.  Nos platicó Benjamín García “El Benjas”.

Respecto a sus próximos conciertos, T´orus formará parte del cartel del Antifestival de Colectivo Noon en el Lunario del Auditorio Nacional, el próximo 28 de agosto y, para el 28 de Noviembre, pisarán el escenario del Rivera Maya Jazz Festival 2015.

*Fotos cortesía de Malaria: www.malariasonora.com  

Chéjere: Son para el folklor mundial

Banda capitalina con el alma jarocha, que funde el folklor musical de varias partes del mundo, letras que surgen entre poemas con la libertad y la unión de los pueblos, sin fronteras… con la jarana, el violín, voz y dirección musical de Ulises Martínez; Alonso Borja con la guitarra, el tres cubano y el requinto jarocho; Jorge Cortés con su bajo y Mariel Henry, así como Natalia Cobos que le dan al zapateado entre las percusiones menores, la jarana y el canto.

La historia de Chéjere inicia en 1996, cuando la banda interpretaba solo son veracruzano, que tiempo después lo entrelazaron con ritmos afroperuanos y caribeños. En materia discográfica, cuentan con los álbumes Chéjere con son (2005), Villatrópico (2009) y Ojos de Luna (2011), que exponen deliciosos temas como “Perder la piel” con influencias de Música Popular Brasileña, la alegría del son cubano de “Cacuyo” o “Bésame con pasión”, acercándose a lo centroamericano con “El parrandón”, “La estrellita” ranchera o “La Guanábana” con ese sentimiento por lo veracruzano.

La niña de Shanghái…

“En la Exposición Universal 2010, en Shanghái China, tuvimos un concierto en el que había una niña en el público, que imitaba a cada uno de los integrantes de la banda con mucha gracia, ya fuera al tocar un instrumento, cantar o bailando... fue una de esas ocasiones que a pesar de la barrera del idioma, pudimos constatar cómo la música tiene su propio lenguaje que nos conecta a todos los seres humanos…” Platica Alonso Borja.

Alguna canción que sea de sus preferidas:

- “Susana Baca” con María Lando. https://youtu.be/c8xuRPIdDjc

Si quieres escuchar a los Chéjere, estarán presentes el 16 de octubre en el Festival de Identidades, en Xalapa, Veracruz.

Shus Jazz y su “Sinopsis histérica de un siglo de jazz”

Oriundos de la Ciudad de México, la banda sincopada Shus Jazz hace un homenaje a distintos periodos del ritmo roto, desde lo tradicional con la fiesta dixieland, algo de contemporáneo, hasta el bebop, cool jazz, fusión y free jazz en una misma alineación de músicos, integrada por Fernando Castañeda (trompeta), Álvaro Herrera (piano y teclados), Fernando Estrada (saxofón), la operística voz de la dulce Aura Rebollo, Luca Lede Cáceres (batería) y el tocayo Rodrigo Valenzuela como líder del proyecto, acompañado por su contrabajo.

La historia de Shus Jazz…

“El proyecto surge por la tesis “Sinopsis histérica de un siglo de jazz (SHUS)”, que presenté a la Escuela Superior de Música. Arrancamos como banda en el 2006 y lanzamos nuestro primer álbum Live at Julián Carrillo en el 2011 con la inglesa Sarah Guppy (SG), aunque solo de forma digital y este año lanzamos nuestro disco Spice Bops, que incluye ocho tracks…” Me compartió Rodrigo Valenzuela, tomándose un expreso doble en un café de la Colonia Roma.

Respecto a su nuevo disco Spice Bops, la experiencia de esta banda, sin duda, se ve reflejada en temas como “Pokar de Reinas” que contiene esa esencia del jazz neoyorkino, “Cocktail Suzzet” que coquetea un poco con el nu jazz y “San Kai”, que conserva un toque de atmósfera surrealista.

¿Qué tema es uno de sus consentidos?

-“Caravan” de Duke Ellington. https://youtu.be/YkLBSLxo5LE

Shus jazz se presentará todos los miércoles de septiembre en Parker & Lenox de la Colonia Juárez y el primer martes de octubre en el Bajo Circuito de la Condesa.

Estimados homoespacieros les compartimos algunos enlaces web de videos y medios de contacto de estas cuatro melómanas propuestas:

-Las Taradas: “Comin' home, baby”. https://youtu.be/afn4auf3i0E

Página web: www.lastaradas.com.ar

-T´orus: "Noon". https://youtu.be/Zd6DmVhsA_c

Página web: www.torusband.com

-Chéjere: “Perder la piel”. https://youtu.be/Y41MFjY04X8

Página web: www.chejere.org

-Shus Jazz: “Cocktail Suzzet”. https://youtu.be/cXO2l72SgI4

Band camp: www.shusjazz.bandcamp.com

Amigos, los invitamos a que visiten www.homoespacios.com así como a escuchar las cápsulas y comentarios homoespacieras dentro del programa “El Poder de la Palabra” en Radiocapital 830 AM, todos los miércoles y viernes de 16:00 a 17:00 horas.

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17-Aug-2015

Homo Espacios llega a la novena entrega de los hechizos turísticos de nuestro Continente Americano, con dos sitios que reflejan algo de nuestra riqueza latinoamericana. El primero, ubicado en la Guyana Venezolana, mística selva envuelta por sagrados montículos enormes, agua pintada de rojo, donde se baila el anglófono calipso y el joropo, región protegida por los hermanos pemones, con el salto de agua más grande del mundo y que se cree, es una de las zonas más antiguas que existen. Nuestro segundo embeleso, es un departamento de la República de El Salvador, que cuenta con playas festivas, surf, delicias marítimas y una ciudad portuaria con un muelle detallado artesanalmente, un parque declarado Patrimonio de la Humanidad, cubierto por milenarios árboles, pintorescos poblados, ecoturismo de montaña y dos sitios arqueológicos de origen Maya, uno de ellos conocido como la “Pompeya de América”.

Identidad étnico-geográfica de un continente, fraternidad cultural de pueblos milenarios, raíces ancestrales que dieron origen a nuestra historia, tradiciones que pasan de generación en generación, maravillas naturales, danzas entre rituales, sus mujeres como inspiración, el sazón gastronómico del mestizaje, variados dialectos, esta sangre indígena que nos brinda el título de hermanos, el histórico arrojo independentista ante aquella esclavitud de la etapa colonial, la fiesta de los ritmos, sones vestidos de folclor, desde México hasta Argentina… y con el ¡alma latina!

Suenan mariachis en Brasil, boleros en Centroamérica, son cubano en Colombia y el gozo… nunca termina. Latinoamérica, agrupado principalmente por su esencia, más allá de su materia, pero el problema como siempre será político… “el poder”, destructivo juego que enriquece los bolsillos de unos cuantos entre marginación, engaños, corrupción y la tiranía maquillada, a pesar de ello, lo auténtico continúa floreciendo en los barrios, ahora la independencia toma otra forma y los pueblos… se unifican.

Así, entre la magia latinoamericana elegimos dos embelesos… uno con el “Alma llanera” entre la selva venezolana, indígenas nativos como protectores de La Gran Sabana del Estado de Bolívar; mientras que el encanto de El Salvador, nos maravillará con La Libertad, departamento que cuenta gráciles paisajes boscosos, tradicionales pueblitos, playas y dos interesantes zonas arqueológicas mayas.

Bolívar: Folklor venezolano a lo natural

La República Bolivariana de Venezuela, con una población indígena que supera los 500 mil habitantes, avistada por Colón en 1458, primer país de América del Sur en declarar su independencia ante la corona española, pueblo que vivió dictaduras militares, el auge económico de su petróleo, con un gran territorio insular integrado por 216 islas, islotes y cayos, así como una exótica vegetación en la zona de la Guayana Venezolana y en la extensa región del Amazonas: el Rio Orinoco, un tobogán natural en la selva y monumentales cerros.

Respecto a su folklor, el Estado de Bolívar es un claro ejemplo de la riqueza cultural e indígena de Venezuela. Conocida en el periodo colonial como un poblado de Nueva Andalucía, estas tierras se adhieren a la Capitanía General de Venezuela en 1777 por mandato del Rey Carlos III, en 1854 forma parte de la provincia de Orinoco y es hasta la realización de la Constitución de 1901 cuando logra que se le otorgue la categoría de Estado, al bautizarla con el apellido del libertador Simón Bolívar.

El Estado forma parte de la región de la Guayana Venezolana y congrega a la mayor parte de indígenas pemones yekuana, sanemá, panares, hotis y piaroas, así como varias expresiones culturales como la música autóctona tocada con flautas de carrizo y sonajas; el rítmico joropo, baile de los llanos guariqueños entre los ecos de instrumentos de cuerda y maracas; la alegría del Calipso guayanés en los carnavales de El Callao; varias casas de cultura y el esplendor ecológico de La Gran Sabana.

El Parque Nacional Canaima, declarado como Patrimonio Natural de la Humanidad por la UNESCO en 1994 es la casa de La Gran Sabana, el Salto Ángel y la laguna de Canaima. El encuentro con este exótico paraíso es toda una aventura, aunque de difícil acceso. Lugares mágicos como la Quebrada de Jaspe, es uno de estos sortilegios de la naturaleza, donde el agua fluye entre un lecho rocoso de una piedra rojiza y negra conocida como “jaspe”. La Laguna de Canaima, también exhibe su rara belleza con un peculiar color rojo en su agua, que logra este tono gracias a los minerales de la zona, cuenta con varios saltos acuáticos, una pequeña playa y hasta palmeras dentro del agua.

Otros de los atractivos de esta reserva ecológica, son los impactantes montículos llamados “Tepuys”, considerados como sagrados por los nativos, el más grande es el  Tepuy Roraime o también llamado “Montaña azul”, posee el Valle de los Cristales con sus formaciones de cuarzo, los miradores de La Ventana y El Abismo, los Laberintos del Norte, la Proa, el Lago Gladys, así como el Punto Triple, donde convergen tres países: Brasil, Venezuela y Guyana.

Auyantepui, el tepuy que presume la caída de agua más grande del mundo… Salto Ángel o “Karepakupa Vená”, con casi mil metros de altura, aunque el Macizo de Chimantá también tiene su encanto, con enorme gruta de 250 metros de altura y una opción para poder adentrarte a estos enigmáticos edenes es buscar un tour operador en Santa Elena Uairén, pueblo cercano a la frontera con Brasil.

La Libertad: Embeleso salvadoreño

El Salvador en América Central… país acariciado por el Océano Pacífico, “Lugar de joyas” en su periodo precolombino o mejor conocido como el Señorío de Cuzcatlán de influencia Maya, que tuviera un fuerte intercambio comercial con la ancestral ciudad de Teotihuacán en México o Petén en Guatemala.

Territorio conquistado por los peninsulares en 1525, perteneció al primer imperio mexicano en 1823 y tras la disolución de las Provincias Unidas Centroamericanas, en 1838 El Salvador logra ser República Independiente.

La Libertad… por su parte, es un departamento salvadoreño que cuenta con varios atractivos turísticos, sus registros datan desde la época prehispánica, cuando un grupo de mayas emigran a estas tierras y fundan algunas ciudades, por ejemplo Joya de Cerén, actualmente un tesoro arqueológico conocido como la “Pompeya Americana”, ya que se sospecha que a diferencia de otras grandes civilizaciones mesoamericanas, este lugar fue construido para el pueblo, donde se presumen milenarias casas indígenas, algunas estructuras religiosas y su conservación fue gracias a que quedó sepultada por siglos en ceniza volcánica. Otro oriundo sitio prehispánico es San Andrés, con sus dos grandes plazas, donde destacan las edificaciones de “La Acrópolis” y la llamada “Campana de San Andrés”.

Algunas atracciones de La Libertad son sus famosas playas, donde se practica el surf, se saborea “la mariscada” y la fiesta se vive en la Sunza, playa donde las reuniones juveniles son para trasnochar entre batucadas, pero si buscas algo más familiar, el Puerto de La Libertad es la alternativa para disfrutar la tarde entre el decorado artesanal de madera y hierro forjado de su muelle con ecos de mariachi o tríos.

Otros mágicos rincones de este departamento, son el Parque Nacional Walther Thilo Deininger, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, esta zona cuenta con árboles de mil años de antigüedad, aunque si lo tuyo es “pueblear”, la invitación es que visites Tepecoyo, localidad reconocida por su propuesta eco-turística boscosa y sus tradicionales fiestas patronales, principalmente en Semana Santa.

Ya sea en la playa o el bosque, la noche guarda otro tipo de encantos, tal vez admirar cómo la luna controla la marea, o las curiosas luciérnagas que presentan su show nocturnal, así que lo mejor es disfrutar esto en compañía de la culpable del éxtasis, el gozo y de los íntimos secretos que roban una sonrisa furtiva… entre los recuerdos.

Estimados homoespacieros les comparto los enlaces dentro de web, para que continúen el regodeo mágico de estos sitios… con alma latina:

Venezuela. https://youtu.be/qXDI3j77jZQ

El Salvador. https://youtu.be/dcbw8RwjSvI

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10-Aug-2015

Dos pueblos mágicos enclavados entre bosques, arroyos, cascadas, gastronomía, fiestas y otros encantos, surgen en la inspiración homoespaciera... entre montañas jaliscienses. El primero, conocido como la “Suiza mexicana”, sus delicias como el tradicional “bote” o sus quesos, serenatas en su plaza principal, una parroquia estilo barroco, charros con “adelitas” en celebraciones florales o taurinas, una hermosa caída de agua y para los conquistadores… el sitio nocturno más grande del estado. Mientras que en la zona del oeste de Jalisco, un antiguo poblado minero expone su belleza natural con árboles frutales, su también Cerro de La Bufa, una enigmática hacienda iluminada con quinqués, el rico sabor de un café orgánico de altura acompañado con un puro artesanal y al anochecer… la neblina que abraza a esta localidad no logra ocultar “los ojos más lindos”, esos, los que presume la canción de José F. Elizondo.

Perdemos periodistas, miradas de impotencia en el gremio, reporteros como carne de cañón, una activista con el tiro de gracia, y a las víctimas, se les prenden veladoras entre ojos humedecidos por la desgracia. El duelo de la verdad, un profundo dolor por tantas pérdidas, la lista aumenta por cuestiones “políticas” y el peligro es ser honesto, expresar los hechos, así que queda prohibido denunciar. Los más afortunados comparten su hipocresía con saqueos, pretenden que a la iniquidad se le haga un monumento, se venere las “glorias” de la injusticia, el trago amargo que se lo trague el pueblo en silencio y así, poco a poco… perdemos a México.

En fin, mientras el hastío gana devotos, mejor comentemos el otro lado de la moneda, el de la riqueza cultural, natural y turística de un estado cuna del mariachi, el tequila y las mujeres con los ojos más lindos: Jalisco. Entidad entre montañas, arroyos, caídas de agua, tradicionales fiestas patronales, charros montados a caballo que portan con orgullo su traje, el sazón de su cocina, la artesanía en sus plazas, haciendas novohispanas, nuestra música ranchera, la nostalgia entre callejones y noche de luna, su perfume de azahares. Hablamos de los pueblos mágicos de Mazamitla y San Sebastián del Oeste.

Mazamitla: Los “Alpes de México”

Los primeros pobladores del “Lugar donde se cazan venados con flechas” –significado de esta población en náhuatl–  fueron los aztecas en el año 1165, aunque otras civilizaciones precolombinas como los purépechas también habitaron este pueblo mágico y en el periodo colonial, la localidad es fundada un 30 de marzo de 1537 bajo el nombre de San Cristóbal Mazamitla.

Otro acontecimiento histórico sucedió en la etapa de independencia, cuando el Cura Miguel Hidalgo ofició una misa en Palos Gordos y utilizó como altar el tronco de un viejo roble que aún se conserva.

Algunas atracciones de la llamada “Suiza mexicana” o los “Alpes de México”, son su entorno boscoso, decorado por lindas cabañas con chimenea para el romance, digo, para el frio; las delicias en su “Mercado de los  antojitos”, donde la especialidad es el menudo con unas tortillas hechas a mano; la belleza arquitectónica barroca de la Parroquia de San Cristóbal, edificada a mediados del siglo XX a petición del cura José Santana García, personaje icónico del pueblo por impulsar el desarrollo de la comunidad; la cascada “El Salto”, donde puedes realizar un recorrido a caballo y cruzar el fraccionamiento Los Cazos, que cuenta con elegantes cabañas. Al llegar a la caída de agua de más de cien metros de altura, el espectáculo de la verde naturaleza con el concierto acuático, otorgan un completo estado de calma.

Otros encantos son sus artesanías en el paraje Hidalgo; la gastronomía con su rico caldo elaborado con pollo, res y puerco llamado “Bote”, los exquisitos quesos, frutas en conserva como postre y no podemos dejar pasar la bebida tradicional, el “pajarete”, realizado con leche recién ordeñada, chocolate y charanda; la Fiesta de las Flores en octubre o las Fiestas Taurinas en febrero, con desfiles de charros, jaripeos, corrida de toros y algunos conciertos.

Además, el principal destino de alta montaña en la Sierra del Tigre jalisciense, cuenta con un lindo criadero de truchas llamado “Valle Verde”; leyendas de bandidos y tesoros escondidos en sus cuevas; su parque acuático “La Toscana”, donde puedes rentar un bote y pescar en un atardecer inolvidable… y para los aventureros, la vida nocturna de Mazamitla ofrece a los noctámbulos la discoteca más grande del estado. Así que entre tanta mujer hermosa, el final de la velada estimado lector, dependerá si la pasas solo o acompañado.

San Sebastián del Oeste: Relajación minera

El periodo prehispánico de esta entidad fue protagonizado por los Tecos, hasta que en 1530, el peninsular Nuño de Guzmán se apodera del territorio y en 1542, se descubren las minas, y se bautiza al pueblo como Real de Minas de San Sebastián.

En el siglo XIX, San Sebastián tenía más de 20 mil habitantes, pero tras la huelga de los mineros en 1888, la empresa neoyorkina Mr. Beckas realiza un paro inmediato de los fundos mineros y poco a poco sus residentes fueron abandonando el poblado. Actualmente solo 600 personas viven en ella.

Tranquilo, relajante por su ambiente campirano y edificaciones con una curiosa historia, este pueblo mágico es una excelente opción para desconectarse del estrés, las multitudes y disfrutar de la naturaleza.

El recorrido comienza en su plaza principal, donde se encuentra la Hacienda Esperanza de la Galera, que posee varios árboles frutales, para que disfrutes de estas delicias gratuitamente; la Quinta Mary, sitio donde se elabora café de altura orgánico, recuerda pedir referencias sobre don Raúl Bernal, para que acompañes tu café con uno de sus puros artesanales; la casa museo Doña Conchita Encarnación, en la cual se encuentra la principal cronista del pueblo; la Hacienda Jalisco, famosa por no contar con luz eléctrica, refugio de celebridades que se ocultaban en esta vieja construcción novohispana, definitivamente todo un viaje por el tiempo entre una iluminación con quinqués y a unos pasos la iglesia de “San Sebastian”, para confesar un poco las culpas… posteriores.

Respecto a su oferta eco-turística, la localidad muestra el Rancho Potrero de Mulas, para que conozcas algo sobre la vida silvestre; el recorrido a “La Bufa”,  cerro hipnótico por sus atardeceres de ensueño en su cima; el tour por “Los Reyes”, con una bella vegetación tropical y al cruzar su puente colgante llegarás a “La Escondida”, cueva que cuenta con impactantes prismas basálticos.

En materia culinaria, los platillos varían, ya sea que prefieras la crema de huitlacoche, una lengua en salsa de almendras o el pollo al tamarindo, te sugiero que no dejes de probar la bebida tradicional… el chocoraiz, elaborado con rancilla.

La noche, por su parte, tiene un espectáculo propio, al cubrir el pueblo con una mágica neblina; imagínate una cena italiana a media luz, un buen vino, como escenografía edificaciones coloniales abrazadas por árboles acariciados por la niebla y a ella como inspiración. En la cabaña, la chimenea espera prendida y entre montañas… solo falta que le añadas a la historia, tu final ¿feliz?

Estimados homoespacioeros, les comparto los enlaces dentro de la web para que continues disfrutando del Estado de Jalisco… entre montañas:

Mazamitla. https://youtu.be/Cy18LcMg9E0

San Sebastián del Oeste. https://youtu.be/DUQRG30DYk0

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03-Aug-2015

Conocido como jugendstill, sezession o art nouveau, el modernismo surge a finales del siglo XIX, principalmente en la arquitectura, aunque también las artes plásticas aportan grandes obras a este movimiento. En la capital de Cataluña, la cosmopolita Barcelona, este estilo arquitectónico muy ligado al arte decorativo orgánico toma una identidad propia, siendo el principal representante del modernismo catalán el Maestro hispano Antoni Gaudí i Cornet, artista de la fantasía edificada, del cual no se precisa su lugar de nacimiento, genio de las construcciones caprichosas, creativo que se inspiró en la naturaleza, lo sacro y autor de dos obras maestras, catalogadas como Patrimonio de la Humanidad “Obras de Antoni Gaudí” por la UNESCO: el Park Güell y el Templo de la Sagrada Familia.

Nuevamente la imaginación… esa que construye sueños en realidades, impulsada por la pasión, el esfuerzo como mantenimiento, la sensibilidad entre sus detalles y donde el arte cobra vida. Muchos piensan que la riqueza se encuentra en poseer, pero el brindar ofrece mayores frutos y una satisfacción más profunda. Actualmente, villanos como el egoísmo, una ideología social corrompida y alimentada por una “cultura” entre telenovelas, futbol, programas sin sentido y engaños políticos, es el discurso diario para los mexicanos.

El escenario parece desconsolador para quienes proponen, es decir, aquellos que luchan de forma independiente, ya sea con un instrumento musical, pincel, cincel, puesta en escena, filme original, trabajo literario o un proyecto arquitectónico que aporte algo significativo a nuestro pueblo, eso solo logra el “reconocimiento” del desdén entre “las autoridades” y la expectativa por algún tipo de apoyo, puede durar una eternidad; es a lo que se enfrenta el talento de un artista mexicano “sin palancas” ni “padrinos” o negándose a prostituirse a cambio de la aprobación de quienes detentan el poder. En este país, el compadrazgo, la burocracia como método de cansancio, más recursos a los imperios y el resto… que sirva a estos intereses o que se le censure de la forma que sea. Lo peor, alimentar esta perversidad día a día, al permitir ser un robot del sistema, un explotado más en compañías usureras pero hay que “ponerse la camiseta”, el consumo ofertado por el asco televisivo, al fin… “no pasa nada”.

Mejor cambiemos a un contexto más arquitectónico… la obra de un artista ibérico que hechiza con su diseño orgánico, expresiones de la fantasía en edificaciones que parecieran imposibles de construir, un toque de gótico y Barcelona expone sus obras monumentales donde pareciera que el “País de las maravillas” existiera.

Hablamos de modernismo catalán, consecuencia artística de la innovación del tren, la máquina de vapor, de aquel periodo llamado “Revolución industrial” a mediados del siglo XIX, que lograra su clímax en la Exposición Universal de 1888 en Barcelona, fomentado entre la burguesía ilustrada de Cataluña o en el “Eixample”, basado en el movimiento artístico “Renaixença”, que por cierto, provocó un gran sentimiento nacionalista y brindó a tres grandes arquitectos: Lluís Domenech i Montaner, Josep Puig i Cadafalch y Antoni Gaudí como principal representante.

Gaudí: El “Dante de la arquitectura”

Antoni Gaudí i Cornet, hijo menor del industrial caldero Francesc Gaudí y Antonia Cornet, nació un 25 de junio de 1852, aunque no se sabe si fue en el poblado español de Reus o de Riudoms. Desde muy pequeño, el Maestro compartía su fascinación por la naturaleza y la beldad de los paisajes en estas tierras mediterráneas, aunque su personalidad fuera un tanto retraída desde entonces a causa de padecer reumatismo.

Vegetariano, amante de la equitación, un curioso de la arquitectura y como ideología el socialismo utópico, el joven Gaudí combina sus estudios con el aprendizaje en la elaboración de vitrales o la herrería y en 1878 se gradúa de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, aunque ya colaboraba tiempo antes con icónicos de la edificación como el barcelonés Joan Martorell i Montells, arquitecto de estilo neogótico a quién consideró su maestro.

Sus inaugurales obras fueron las farolas de la Plaza Real y la Casa Vicens, pero una vitrina para la Guantería Comella expuesta en la Exposición Universal de 1978, despierta el interés del Conde Eusebi Güell, para quien realiza sus principales ejemplos de modernismo catalán, como: las Bodegas Güell, Pabellones Güell, Palacio Güell, Parque Güell, Capilla de la Colonia Güell y para el marqués de Comillas -suegro del conde Güell-, realizó El Capricho de Comillas.

La principal obra de Gaudí, definitivamente fue el majestuoso Templo de la Sagrada Familia, maravilla arquitectónica que toma la dirección de su diseño y construcción en 1883, hasta sus últimos días.

Algunas curiosidades del “Dante de la arquitectura”, es que se mantuvo soltero toda su vida, se dice que se enamoró solo una vez, la musa, una maestra de la Cooperativa Mataronense llamada Josefa Moreu, pero lo rechazó, así que la religión fue su refugio. En 1899 se vuelve miembro de la sociedad artística católica, Cercle Artistic de Sant Lulc, forma parte de Liga Espiritual de la Mare de Déu de Montserrat y después del fracaso comercial del Park Güell, la muerte de su sobrina, así como de su colaborador Francesc Berenguer, en 1915 dedica toda su atención al proyecto de la Sagrada Familia.

Al final, Antoni Gaudí i Cornet, con un aspecto desalineado, fue atropellado por un tranvía entre las calles de Garona y Baílen, nadie lo reconoció al pensar que era un indigente, hasta que un día después en el Hospital de la Santa Cruz, el capellán de la Sagrada Familia lo identifica. El gran Maestro Gaudí fallece el 10 de junio de 1926, al dejar todos los planos y maqueta de la llamada “Iglesia de los pobres” terminados y con tan solo una torre construida.

Después de su muerte, Gaudí fue casi olvidado hasta que Dalí y el arquitecto Joseph Lluís Sert, destacan sus obras en la década de los cincuenta. Actualmente, Gaudí es aclamado en todo el mundo, existen los Premios Gaudí a lo mejor del Cine catalán, el año 2002 fue nombrado el “Año Internacional Gaudí” y siete de sus obras son consideradas Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, entre ellas: el Templo de la Sagrada Familia y el Park Güell.

Park Güell: Icono del modernismo catalán

Inspirado en el Templo Apolo de Delfos, el pintor, escritor, lingüista, químico, biólogo, político, empresario catalán y conde Eusebi Güell, adquiere en 1899 la llamada “Montaña pelada” -actualmente Monte Carmelo- entre un entorno natural, vista al mar y 60 parcelas para vender… bueno, esa era la idea inicial. Así, el Park Güell inicia su construcción con Gaudí como arquitecto en 1900 y fracasa en materia comercial en 1914. Recordemos que en 1915 este afamado edificador de la fantasía se dedica de lleno al “templo de los pobres”.

El parque es uno de los símbolos del paisajismo en Barcelona, cuenta con una escalinata flanqueada por dos muros con almenas que forman unas terrazas, bajo las cuales se abren dos grutas, así como una fuente donde el agua termina en la boca de una pintoresca escultura de un dragón; la Sala Hipóstila cuenta con 84 columnas, el techo está formado por pequeñas cúpulas tabicadas a la catalana y ornamentadas con originales paneles de mosaico cerámico; el Teatro Griego o Plaza de la Naturaleza, delimitada por el lado de la escalinata de acceso, el famoso banco ondulado recubierto de mosaico realizado por Josep M. Jujol y un muro de contención rematado en grandes capiteles que simulan palmeras del lado de la montaña; los jardines de la Casa Larrard;  el Jardín de Austria, donación de árboles por parte de este país con motivo de la exposición "Viena en Barcelona", celebrada en 1977; las columnas inclinadas y bóvedas de piedra de los tres viaductos o puentes y la Casa Trías, actualmente Casa Museo Gaudí.

La maravilla

El Templo de la Sagrada Familia, es una de esas raras maravillas arquitectónicas que actualmente aún se siguen en construcción, aunque se inició desde 1882.

La sacra obra arquitectónica se origina desde 1866, cuando el Joseph María Bocabella funda la Asociación Espiritual de Devotos de San José, organismo que adquiere las tierras para el proyecto en 1881. La primera piedra se coloca el 19 de marzo de 1882 y eligen como arquitecto a Francisco de Paula del Villar y Lozano, especializado en diseño neogótico, pero tras algunas diferencias este arquitecto abandona el proyecto y toma las riendas en 1883 Antoni Gaudí.

Cabe mencionar que el trabajo de diseño, ornamentación y edificación está basado en la idea de Gaudí, aunque sus planos fueran quemados en la Guerra Civil y hayan pasado más de cien años de construcción. En definitiva esta fue la obra cúspide de Gaudí, la complejidad, sensibilidad y profesionalismo del trabajo, así como el proceso de construcción que solo lleva más de un setenta por ciento de avance.

Expliquémonos mejor… el Templo de la Sagrada Familia consta de 18 torres, de las cuales solo se han terminado ocho y tres fachadas, de éstas solo dos han sido casi concluidas. Al interior, el modernismo catalán orgánico y natural de Gaudí es sencillamente impresionante, mientras que muchos escultores renombrados, afamados artistas decorativos y otros especialistas han dado forma al exterior de este recinto sacro.

En total existen tres momentos en la edificación: El Nacimiento, La Pasión y La Gloria. Los dos primeros están completados, “en su mayoría” por sus torres y fachada, pero La Gloria es la principal del conjunto. Será la majestuosidad, lo sublime… y apenas inicia, aunque Gaudí, ya lo tuviera trazado en su genialidad artística desde 1883.

Estimados lectores de Homo Espacios, les comparto algunos modernistas enlaces en la web, para que conozcan más de este estilo arquitectónico catalán:

El Modernismo. https://youtu.be/fmAw7wBXCy8

Gaudí (Filme 1960). https://youtu.be/Pg6fsBw52i0

Park Güel. https://www.youtube.com/watch?v=HP_bOvoUr90&spfreload=10

Templo de la Sagrada Familia. https://www.youtube.com/watch?v=CwYKlUmiYT8

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27-Jul-2015

Considerado como el mejor cineasta inglés, guionista de siete rollos en el periodo del cine silente, 58 filmes bajo su dirección, productor de cuatro series de televisión y dos de ellas llevaron su nombre; célebre por sus apariciones espontáneas o “cameos” en 37 de sus películas; sus famosas musas conocidas como las “rubias hitchcockianas”; autor del “MacGuffin”, señuelo utilizado en el séptimo arte para captar la atención del espectador y mantenerlo al pendiente de la trama; dos obras maestras que revolucionaron el cine de terror… y muchas joyas, pero ninguna estatuilla Óscar como “Mejor Director”. Tímido, enigmático y un genio de la lente, este creativo de la intriga sufría algunas fobias un tanto exóticas, muy criticado en los estrenos de sus películas por considerar en primer lugar al público antes que a los “expertos”, condecorado como Caballero por la Reina Isabel II en 1980 y algunas otras curiosidades que destacamos en este artículo homoespaciero sobre… el maestro del suspense.

Sorprenderse en la actualidad, tal parece un ejercicio que entre un mal uso de los avances tecnológicos y el desgastante mercantilismo constante que nos abruma, se disuelve poco a poco. La capacidad para crear es toda una odisea para aquellos atrevidos que lo intentan, grandes imperios buscan comercializar este talento o lo opacan con engaños para que no crezca; pero siempre existirá la bendita tenacidad, la lucha por desarrollar proyectos genuinos, emancipados en su mayoría, aunque en muchos escenarios la cobardía del confort, el no experimentar el crecimiento del dolor, la mafia empresarial, así como intereses de disque “políticos”, sean las adversidades que cruzan los verdaderos realizadores.

Así… la imaginación, nos hacen creer que sufre una crisis, pero al dejar caer el velo sobre las dos principales televisoras basura que lamentablemente existen en este país, algunos medios manejados por gánsters, entre otros cuentos para idiotas que nos venden a diario, lo mejor es refugiarse en el arte y la cultura auténtica que aportan más a nuestro México, en lugar de toda la farsa congregada en la llamada “élite”. El problema es que con la precaria difusión para los verdaderos artistas, los recursos destinados a enriquecer el bolsillo de unos cuantos, y si esos cuantos sufren de discapacidad cultural, el resultado es lo que comúnmente vemos en la pantalla chica, en la grande, dentro de la música o en las “grandes producciones teatrales”, que por cierto, dañan bastante al público, con una imagen del arte que en definitiva no es la real… y súmenle la “¿educación?” para las nuevas generaciones, con maestros comprados por un deficiente sindicato entre las calles.

En fin, después del asco producido por tanta ineficiencia y abuso, mejor busquemos un tónico fílmico, hablemos del gran cineasta Alfred Hitchcock, conocido como el “maestro del suspense”. Al internarnos en su historia, la película que lo influyó para dedicarse al cine, sus años como guionista, las primeras cintas que dirigió, sus joyas inaugurales hollywoodenses, los roces con algunos productores, obras maestras que dejaron toda una escuela para el cine de terror, el discurso psicoanalítico en sus filmes, sus “cameos”, el recurrente “MacGuffin” en las películas y algunos datos no tan conocidos de Sir Alfred Joseph Hitchcock.

Recuerda sus primeros años

Tercer y último hijo del matrimonio Hitchcock Whelan, Hitch nació un 13 de agosto de 1899 en el pueblo ingles de Leytonstone en Waltham Forest. Bajo una educación religiosa en sus años de infancia, Hitchcock encontró su refugio en la literatura, principalmente del periodo del romanticismo… Edgar Allan Poe fue uno de sus autores predilectos, la primer película que lo hipnotizo fue El nacimiento de una Nación de David Wark Griffith en 1915 y un dato curioso en este tiempo, fue que cuando el pequeño Alfred tenía diez años, realizó alguna travesura, al ser castigado por su padre llevándolo a la comisaría y encerrándolo por diez minutos en una de las celdas, lo que provocó en el cineasta una gran fobia a la policía.

Al cumplir 16 años su padre fallece y deja los estudios para trabajar en la Compañía Telegráfica Henley. En 1920, realiza rótulos para filmes silentes en la Famus Players Lasky, sitio donde conoce a la guionista Alma Rivelle, con quien contrae matrimonio en 1926.

Como ayudante de dirección, guionista y director artístico para los cineastas Donald Crisp y Hugh Ford, Hitchcock dirige su primer filme en 1922 con el cortometraje Number 13, que por cierto no se terminó de rodar.

En 1925, realiza su primer largometraje The Plesure Garden, lo que siguió The Mountain Eagle (1926) y El inquilino (1927), bajo la firma de Gainshborough Pictures; El Ring (1927), Downhill (1927), Easy Virtue (1927), Champagne (1928), The Farmer´s Wife (1928) y The manxman (1929), tuvieron el sello de la British International Pictures (BIP) cerrando sus rollos del periodo fílmico mudo.

El cine sonoro y otras joyas “hitchcokianas”

La entonces duquesa de York, Isabel Bownes-Lyon, asiste de forma sorpresiva al rodaje de la primera película de cine sonoro británico… Blackmail (1929), dirigida por Alfred Hitchcock.

Después de su etapa con la BIP, el cineasta inglés firma en 1933 con la Gaumount British Picture Corporation, productora con la que realizó -consideran algunos especialistas- sus primeras tres joyas: The man who knew too much (1934), The 39 steps (1935) y Sabotage (1936).

A finales de los treinta, surge un personaje tanto caótico como relevante en la vida de Alfred Hitchcock… el productor David O. Selznick, quien lo invita a trabajar en Hollywood, solamente existía un pequeño detalle, en aquel tiempo “El productor era el rey”, pero en 1940 realiza su primer trabajo bajo la sombra de Selznick, única cinta ganadora de un premio Óscar a “Mejor película” bajo la dirección de Hitchcock… Rebeca (1940), obra maestra que causó varios roces entre director y productor, al final la estatuilla la portó el Selznick -productor del clásico Lo que el viento se llevó (1939)-, dejando en segundo término al maestro del suspense, quien estuvo cerca de ganar el Oscar a “Mejor Director”, pero fue John Ford con Las uvas de la ira quien se lleva este galardón.

Otros títulos exitosos en la década de los cuarenta dirigidos por Hitchcock son: Enviado especial (1940), Sospecha (1941), La sombra de la duda (1943), Náufragos (1944), Recuerda (1945), Notorius (1946) y The Paradine Case (1948). Además, posiciona a dos de sus rubias... las actrices Ingrid Bergman y Joan Fontaine.

La época dorada

En 1948 funda Trasatlantic Pictures junto con Sidney Bernstein con la película La soga, aunque el gusto les duró poco, ya que en 1939 realizan Atormentada, último filme donde compartiría Ingrid Bergman créditos con Hitchcock y tras el mal recibimiento de esta cinta, tanto por la crítica como por el público, la Trasatlantic desaparece, pero surgiría en los cincuenta una nueva rubia… Grace Kelly.

En los años cincuenta, definitivamente surgieron grandes filmes dirigidos por Hitchcock, como la polémica cinta Yo confieso (1953), cuya trama es sobre un sacerdote que asume la culpa de un crimen que no cometió; La ventana indiscreta (1955), un clásico del cine de suspenso que lleva un cierto toque de voyerismo a la intimidad de un crimen, protagonizado por James Stuart y Grace Kelly; Vértigo (1958), considerada por Hitchcock como “una historia de amor de clima extraño”, con las actuaciones de  James Stuart y la sensual Kim Novak; así como Con la muerte en los talones (1959), joya musicalizada por Bernard Herrmann.

Además de 1955 a 1958, el cineasta británico sorprende al público estadounidense con su serie de televisión… Alfred Hotchcock presenta.

Obras maestras

Existen dos películas en los años sesenta, que para casi la mayoría de los biógrafos de Hitchcock, fueron sus obras más importantes… Psicosis y Los Pájaros.

En el caso de Psicosis (1960), fue uno de los proyectos con menor presupuesto que dirigió el maestro del suspense, interpretada por la joven actriz Janet Leight en el papel de Marion Crane y Antony Perkins como el demente Norman Bates. La principal escena, fue cuando Marion es asesinada en la ducha por Bates, se realizaron cerca de cincuenta tomas y tras el pudor de la actriz de no salir desnuda en esta parte del filme, se rumora que Alfred consiguió los servicios de una bailarina exótica dispuesta a realizar el trabajo… Marli Renfro, quien tiempo después apareció en la portada de una sugestiva revista, famosa por sus conejitas. Algunos incluso afirman que el director inglés, compró todos los libros Psyco de Robert Bloch, para que nadie supiera el desenlace de esta obra maestra del cine de suspenso.

Por su parte, Los Pájaros (1963), muestra el cine de terror de catástrofe, un tanto apocalíptico al mostrar como la naturaleza puede rebelarse ante el hombre. La actriz protagonista sería una desconocida hasta entonces… Tippi Hedren, quién cierra el grupo de musas rubias de Hitchcock. El proyecto contó con efectos especiales, 2 millones y medio de dólares para su realización y participó en el Festival de Cannes de 1963, aunque estuvo fuera de la selección oficial.

Al final de la trama

En 1964 y sin ningún Óscar por sus dos principales películas, el cineasta británico regresa a la televisión con una temporada de la Hora de Alfred Hitchcock, y en ese mismo año realiza el filme Marine, aunque fue en 1972 con Frenesí, que vuelve a ganar popularidad en el mundo fílmico. Su última película fue Family Plot en 1976.

El maestro del suspense, del Thriller psicológico y definitivamente uno de los grandes cineastas a nivel mundial… Sir Alfred Joseph Hitchcock fallece un 29 de abril de 1980 en su casa de Bel-Air en los Estados Unidos.

Estimados homoespacieros, les comparto los tradicionales enlaces para que conozcan más acerca de este cineasta del suspenso:

The great Alfred (Documental -subtitulado-). https://youtu.be/XwXX6n7LSFg

The Pleasure Garden (1925). https://www.youtube.com/watch?v=LKoEMrnEgzU

Rebeca (1940). https://www.youtube.com/watch?v=LKoEMrnEgzU

Vertigo -Official Trailer- (1958). https://www.youtube.com/watch?v=Z5jvQwwHQNY

Psicosis -Theatrical Trailer- (1960). https://www.youtube.com/watch?v=DTJQfFQ40lI

Los pájaros -Official Trailer- (1963). https://www.youtube.com/watch?v=oG83zeuGoV0

Frenesí (1972). https://www.youtube.com/watch?v=CbK8imCFbTI

Alfred Hitchcock's cameo appearances. https://www.youtube.com/watch?v=OW6Rdiqlg2E

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20-Jul-2015

Desde tiempos remotos, las civilizaciones ponían atención en la ruta que seguían los astros para determinar fechas y horarios… el reloj, de gran importancia desde los egipcios con el de sol o el de agua, el de fuego creado por los orientales o el de arena. Los inaugurales ecos del tic-tac del reloj en un revolucionario sistema mecánico, su gran variedad como los monumentales, el de bolsillo, de mano, péndulo, náutico, de salón, cuarzo, así como el surgimiento de los digitales, la exactitud atómica y algunas curiosidades de sus creadores. Además, para este artículo homoespaciero, entrevistamos al Director del Museo del Tiempo Tlalpan (MTT), Markus Frehner, quien nos platicó su historia un tanto aventurera, los inicios de esta pinacoteca, así como un recorrido por el pasado, entre antiguas piezas, todas en funcionamiento, así como una gran colección de relojes antiguos que en ninguna parte del país e incluso del mundo podrás encontrar, los “Cucú” de la selva negra alemana, rockolas, victrolas, máquinas de escribir, televisores antiguos o un fonógrafo Edison de inicios del siglo XX y la necesidad de contar con un nuevo espacio para el museo.

Dueño de la historia, la vida entre sus párrafos, científicamente ligado con el espacio y los murmullos ante las dificultades del interno, de que “lo cura todo”, enigmático en la profundidad de sus teorías, fascinación en la mente de algunos genios… hablamos del tiempo y los caprichos de Cronos se escuchan entre las manecillas del reloj. La agitación como estilo de vida, un círculo desgastante llamado prisa y en el letargo, no saber aprovecharlo, aunque siempre existirá la corrupción de quienes quieran usurparlo, la indecisión, desesperación o mejor dicho, la cobardía que ofrece en sus atractivos carteles de esclavitud, son algunas variables de esta frustración que se respira entre la sociedad, al prostituir los sueños por dinero y al final… la lealtad es una desconocida, sin valorar, que el sufrimiento de una causa es la clave de la satisfacción.

Tejemos el ayer con el ahora y el mañana… aún espera y así, con textos que parecen no tener sentido, entre líneas se descifra el verdadero significado y sin más que solo letras en un artículo atemporal, llegamos a la quinta entrega de nuestras “Genialidades… sus inventos y otras rarezas”, con la mágica historia del reloj, sus ancestrales modelos, la complejidad de su funcionamiento mecánico, algunos de sus autores y otros datos no tan conocidos.

También, realizamos una breve semblanza sobre un verdadero aventurero del tiempo, el suizo Markus Frehner, Director del Museo del Tiempo Tlalpan; comentaremos sobre las joyas que atesora este lugar, que detiene el tiempo, con el andar en las horas de sus antiguos relojes y el proyecto de un nuevo espacio para esta colección, misma que, como sucede dentro de la putrefacción de los funcionarios que “dirigen” este país, el apoyo de las autoridades solo son contratiempos, complicaciones burocráticas y otros absurdos, sin embargo, en cuanto se logra algo, gozan de los beneficios como si fueran los dueños y sacan provecho de los logros ajenos como todos unos profesionales.

El nuevo inmueble, ya ha sido adquirido por el museo y se encuentra justo en el centro de Tlalpan, una vieja casona del siglo XIX, pero falta el resto… restaurarlo, pagar la nómina y otra serie de trámites, así que si gustas realizar alguna donación, formar parte y enterarte de las bondades que ofrecerá este nuevo centro cultural, accede a la página web: http://museodeltiempo.com.mx/img/op/DonativosMuseo-Del-Tiempo.pdf

El reloj y sus creadores

Las primeras culturas hacían mediciones astrológicas para medir los acontecimientos, estaciones del año y días de cosecha, así como creación de calendarios y hasta rituales en torno a lo que dictaban los astros.

Grandes civilizaciones como la de los egipcios, ya contaban con instrumentos para medir el tiempo, por ejemplo los relojes de sol, que datan del siglo 1300 a.C. o los de agua para la noche, mejor conocidas como “Clepsidras”. Tiempo después, los chinos quemaban una soga con una serie de nudos, o el llamado “Reloj de fuego”. Respecto al “Reloj de arena”, se cree que fue construido en Europa por un monje llamado Liutprando en el siglo VIII.

En el siglo XIII el laico, filósofo, poeta, místico, teólogo y misionero mallorquín Ramón Llull crea, según afirman algunos especialistas, la “Rosa de los vientos” y el “Nocturlabio”, instrumento que medía el tiempo en función de la posición de una determinada estrella en la noche.

Todas estas medidas formaban parte de una disciplina llamada gnomónica que tuvo como principal representante y teórico al astrónomo alemán Christopher Clavius, considerado como el “Euclides del siglo XVI”. Al surgir aparatos mecánicos más exactos para medir el tiempo en el siglo XVII, esta escuela desapareció.

Algunos historiadores afirman que desde el siglo XIII ya existían intentos por fabricar relojes mecánicos, aunque un tanto imprecisos y demasiado aparatosos, incluso el genio italiano Leonardo da Vinci realizó algunos bosquejos de sistemas mecánicos para medir el tiempo.

En el XVI el cerrajero y relojero alemán Peter Henlein, realiza el primer reloj portátil en el poblado germánico de Nuremberg, considerado como padre de los famosos “Huevos de Nuremberg”. Este enigmático personaje se encuentra rodeado de incógnitas ya que su fama como inventor llego muy tarde, en el siglo XIX. La confusión de sus creaciones se encuentra en documentos fechados cien años antes de que él naciera, incluso existe una película biográfica de Henlein, basada en la novela de Karl Spindler, Der Nürnberger Sophokles.

El neerlandés Christian Huygens inventa el oscilante “Reloj de péndulo” en 1656, que permitió la programación de la vida diaria, las jornadas laborales y los horarios del transporte público.

Otro genio del tiempo y sus medidas surge en el siglo XVIII, el afamado relojero inglés John Harrison creador del “Reloj marítimo”, que dentro de los rumores históricos, se cuenta que diseñó el “Reloj mecánico perfecto”, que solo variaría un segundo cada 100 años, por lo que, en su tiempo, lo catalogaron como un loco, sin embargo, 250 años después su idea fue comprobada al cien por ciento por el Real Observatorio de Greenwich y se encuentra reconocido en el libro de los Records Guinness.

En 1884 la Conferencia Internacional del Meridiano adopta el meridiano de Greenwich como referencia horaria mundial. Ya para el siglo XX, Joseph Horton y Warren Morrison construyen en 1928 el primer reloj electrónico de cuarzo en los laboratorios Bell Telephone de Nueva Jersey en los Estados Unidos; en 1956 el australiano Josef Pallweber elabora el primer modelo de “Reloj mecánico-digital” y en 1949 Harold Lyons, desarrolla el “Reloj atómico” basado en la mecánica cuántica y considerado el más preciso del mundo.

Museo del Tiempo Tlalpan: Un viajero

Markus Frehner, Director del Museo del Tiempo Tlalpan, nacido en St. Gallen, ciudad de la Suiza Oriental, ubicada entre el Lago de Constanza y la región Appenzellerland. Cuenta que su abuelo, el “Tío Leo”, que era jefe del rastro de esta entidad, había recibido un reloj “Patek Philippe” de oro como reconocimiento por parte de las autoridades de St. Gallen por sus 25 años de servicio, lo que dio paso a una gran fiesta familiar, donde cada miembro tuvo en sus manos el reloj y se rumora que al llegar el turno del infante Markus, éste lo tiró por el drenaje… a lo que el “Tío Leo” respondió entre tal alboroto “Dejen a ese niño… solamente es un reloj”. Su fascinación por las antigüedades nace gracias a que su padre era ebanista de muebles, visitaba desde muy pequeño a relojeros y le encantaba aprender el complejo funcionamiento de los relojes.

Markus está lleno de historias, nos comentó que la primera ocasión que llegó a México fue para estudiar español en Cuernavaca y la segunda ocasión, para desarrollar un negocio de chamarras de piel en 1994, debido a la devaluación del peso, perdió casi todo su dinero para pagar la mercancía literalmente de un día para otro. Vivió una temporada en la virginal Playa del Carmen y tiempo después regresa a México para echar a andar un restaurante por Plaza Universidad, donde llegaban los relojeros de Sears.

Después en el Estado de México, sufrió un asalto de su negocio a finales de la década de los noventa, que lo dejó con una gran deuda y decide regresar a la Ciudad de México con tan solo once mil pesos para echar a andar un nuevo negocio en el Centro de Tlalpan.

El museo surge bajo estas condiciones en el año 2000, aunque en aquel tiempo era conocido como “Relojería del Centro Histórico de Tlalpan”, oficialmente el Museo del Tiempo de Tlalpan se funda en el 2009.

La pinacoteca se encuentra en una casa de inicios del siglo XX, a una cuadra del zócalo del Tlalpan, en la calle Congreso #22 y cuenta con una de las colecciones de relojes antiguos más grandes de México. Piezas como un Bracketclock de origen inglés de principios del siglo XVIII, firmado por E. Whithe, uno de los más famosos relojeros ingleses; variados relojes “Cucú” de la Selva Negra de Alemania y otros tantos tipos de relojes de piso, salón, de bolsillo suizos, ingleses, alemanes, norteamericanos, entre otros países. Es ahí donde encontrarás este pequeño recinto del recuerdo.

La colección, también cuenta con una Rock-Ola Manufacturing Corporation modelo Monarch de bulbos de 1938; un Killope alemán del siglo XIX; una Wurlitzer modelo 1400 de 1951; un fonógrafo “Edison” con todo y sus cilindros originales; una “Caja de música” alemana de 1823; así como gramófonos, radios de bulbos, máquinas de escribir Remington, vitrales, muebles, máquinas de coser alemanas y otras joyas del tiempo.

Además, ofrecen servicios de restauración, venta de réplicas y piezas históricas, visitas guiadas para escuelas, así como también cuentan con una biblioteca virtual para realizar trabajos académicos e incluso Markus organiza viajes a la selva negra en Alemania.

Como lo mencioné al principio, el museo busca cambiarse de lugar al primer cuadro del Centro de Tlalpan, ya que el espacio no puede exhibir más piezas y ofrecer una propuesta que le de identidad cultural a esta delegación.

Estimados homoespacieros, les comparto los tradicionales enlaces dentro de la web para complementar este artículo:

Historia del reloj y la hora (Cápsula). https://youtu.be/vCUIaQhIEpo

"What Makes a Fine Watch Fine" (Película 1947 – ingles-).  https://youtu.be/qfaT6sfagEE

Reloj atómico (Reportaje). https://youtu.be/xepNS5Icd_4

Museo del tiempo. http://museodeltiempo.com.mx/index.php

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13-Jul-2015

La Tlaxcallan o “lugar de tortillas”, formó parte de una de las civilizaciones precolombinas más enigmáticas e interesantes de México. El estado más pequeño del país reconocido por el pulque, su tradicional “bebida de cacao”, los tacos de canasta, el mole de guajolote, los gusanos de maguey y otras delicias, decorado con una sacra arquitectura virreinal, haciendas ganaderas, una gran tradición en la tauromaquia, muchas fiestas, danzas, bellas artesanías otomíes, luciérnagas al anochecer, sus cielos cubiertos con globos aerostáticos y que en esta ocasión, nos maravillaremos con el muralismo prehispánico de Cacaxtla y la magia colonial de Huamantla.

Nuestros antepasados, ellos los que hablan aún nuestros dialectos originales, raíces indígenas pintadas de verde, blanco y rojo, dueños de la verdadera cosmología mexicana, la identidad que llevamos en nuestra sangre, tradiciones indígenas que maravillan al mundo y que en varias partes del país se encuentran olvidadas… muchos en la marginación, pobreza y el desdén de gobernantes corruptos, mientras que nuestra cultura subsiste en lo emancipado, ya que los dueños del sistema, solo brindan limosnas de sus saqueos a este tipo de proyectos o como es costumbre, les sirve como medio de promoción para disfrazar sus iniquidades y cínicos latrocinios que sagazmente ocultan.

La realidad de los artistas indígenas, suele ser -en varios casos- prostituido por intereses políticos o empresariales, sin admirar el verdadero valor de nuestro talento nativo, por ahí… entre callejones, artesanías que teje con sus manos desgastadas alguna viejecita, un guitarrista desolado que interpreta sus temas en alguna oriunda lengua mexicana o alguna pieza indígena exhibida en museos europeos, mientras que su autor no tiene que comer y así… viven su desventura muchos hermanos de nuestra nación.

En fin, mejor viajemos a tierras milenarias, la artesanía de México y en el sentimiento… nuestros otomíes, hermanos del maíz, lírica en náhuatl, danzas entre la jota carnavalesca, sabores del mestizaje, edificaciones que reflejan el arte colonial, cerámica de Talavera en San Pablo del Monte, bordados de Ixtenco, los alebrijes toman vida en Ixtacuixtla… y “¡Fuiste tú la raíz de la nación!” afirma el “Himno a Tlaxcala”, escrito por tu hijo Carlos Cea y Díaz.

La “Cuna de la Nación”, habitado en sus inicios por grupos nómadas, sitio con una gran historia precolombina en aquella Tlaxcallan, que tuviera constantes roces políticos con el imperio de Tenochtitlán y que en las batallas de Cortés con los tlaxcaltecas, al derrotar a este ejército indígena, diera paso a una alianza con los peninsulares en el periodo de conquista. Fundado en 1522 y protegido por la Nueva España, el virreinato ibérico les permitió tener su propio gobernador, logró varios títulos, así como preferencias por parte de la Corona y a finales del siglo XVI, fue el sitio donde 400 familias fueran enviadas a poblar varias partes del norte del país, a lo que se conoció como la “Gran Chichimeca”.

En la etapa de independencia, destaca la labor del cura e insurgente Mariano Matamoros en estas tierras, la entidad logra integrarse como estado libre y soberano en 1856. En 1910, Juan Camatzi junto con otros revolucionarios crean el Partido Antireeleccionista de Tlaxcala y el 1 de abril de 1911, los maderistas ganan las elecciones dentro del estado. Otro dato que vale la pena destacar, es que gracias a la Constitución de 1917, el movimiento laboral y agrario tlaxcalteca, logra eliminar la explotación de los hacendados, al ser obligados a pagar salarios, así como respetar las jornadas de ocho horas de trabajo.

Respecto a sus atractivos turísticos, Tlaxcala cuenta con varias edificaciones coloniales religiosas, principalmente de la orden franciscana, como uno de los primeros cuatro conventos en América Continental, la Catedral a la Virgen de la Asunción, sus famosos toros de lidia, la Gran Feria de Tlaxcala realizada desde 1963 y que dura 25 días, San Miguel Xoloxotitla, capital del taco de canasta, y que desde el 2005 celebra su Feria dedicada a este alimento tradicional.

Huamantla: Magia colonial, la tauromaquia y sus títeres

Pueblo mágico fundado por los conquistadores ibéricos el 18 de octubre de 1534, cuenta entre su arquitectura con el ex-convento de San Luis Obispo, edificado en el siglo XVII y de estilo barroco; la Parroquia de San Luis de Tolosa, con su cantera gris o el Palacio Municipal, que exhibe una reproducción en relieve del famoso “Códice de Huamantla”, pero sus haciendas como la de Santa Bárbara, La Compañía o la de San Francisco Soltepec, tienen una historia de construcción de cuatro siglos, además en la de Soltepec te puedes hospedar, ya que se encuentra completamente restaurada y por ahí, tomarte algún pulque o curado.

La oferta en pinacotecas es variada, ya sea que visites el Museo Taurino, para que “calmes tus ansias de novillero” al admirar los carteles de inicios del siglo XX, capotes, trajes, maquetas y otras piezas de la tauromaquia; pero tal vez prefieras darte una vuelta por el Museo Nacional del Títere, sitio que cuenta con distintos títeres de varias partes del mundo, así como una gran colección que Rosete Aranda presentó en cine y televisión.

En lo que se refiere a festividades, el 14 de agosto la “Noche en que nadie duerme”, es famosa por los tapetes de aserrín teñido, donde bellos diseños de flores, estrellas, grecas y otras figuras, se exhiben entre las calles principales de las iglesias y templos del mágico poblado y que en la madrugada, la imagen de la Virgen cruza por estas lindas creaciones de arrabal, acompañada por cirios, cantos, oraciones y fuegos artificiales. El día siguiente, la “huamantlada” da inicio al soltar toros por las calles, además se realiza una caravana de carros alegóricos y se corona a la reina de esta feria.

La gastronomía de los huamantlecos, es toda una delicia, platillos como la barbacoa de hoyo, mixotes, chinicuiles o el mole de guajolote son muy solicitados entre los restaurantes de la entidad, aunque sus artesanías como los bordados de canutillo de los otomíes, algún títere o un pintoresco tapete pueden ser un buen recuerdo.

 

Cacaxtla: muralismo prehispánico

Olmecas-xicalancas dominaron esta zona del valle poblano-tlaxcalteca, durante el periodo del 100 al 1100 d.C., civilización que poseía una ubicación estratégica y nombrada originalmente como Yancuitlanpan o “Tierra nueva”.

La zona precolombina de Cacaxtla, cuenta con un gran bastimento de 200 metros de longitud por 25 metros de alto, al destacar su sorprendente “Mural de la batalla”, el cual retrata una escena de dos grupos guerreros, de un lado los hombres jaguar olmecas y del otro el enemigo huasteco con sus guerreros pájaro, lo curioso, es que varios personajes cuentan con rasgos mayas y zapotecas. Otra zona arqueológica de este poblado es Xochitécat, que cuenta con cuatro pirámides y estos dos destinos prehispánicos, posen un museo local con distintas piezas de aquella remota época.

Por su parte, la influencia virreinal también se hace notar en esta localidad, al presumir una de las Parroquias más preciadas de Tlaxcala… el templo de Santa María, de estilo barroco y al interior un bello altar bañado en oro. También, este destino cuenta con cinco haciendas, edificadas principalmente en el periodo del porfiriato.

Otros de los encantos de Cacaxtla son sus artesanías, principalmente la cestería y su principal fiesta es el Carnaval de Nativitas, celebrado los días 16, 17 y 18 de marzo, donde las bandas de viento y los trajes típicos de los danzantes son todo un espectáculo.

Estimados lectores de Homo Espacios, les comparto algunos enlaces para que se animen a visitar y disfrutar del arte prehispánico y colonial de Tlaxcala:

Tlaxcala. https://youtu.be/sTh4rJHJTwk

Cacaxtla. https://youtu.be/HMNCzCDw368

Huamantla. https://youtu.be/NDk6WT62U7g

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06-Jul-2015

El Festival de Rock Progresivo y Jazz Fusión, gala rockera sincopada “de la comunidad para la comunidad”, celebrará el próximo 18 de julio su segunda edición, la cita es en el Centro Cultural Fausto Vega de la Ciudad de México, donde cinco propuestas nacionales alertarán tus sentidos y darán muestra de lo que el talento independiente puede hacer…  pero antes, comentaremos un poco de historia sobre el rock progresivo o mejor conocido como “prog”, la evolución del jazz fusión y la manifestación de estos géneros en México. Además, les presentamos la entrevista que Homo Espacios le realizó al Director Artístico del FestProgJazz, quien nos platicará sobre los antecedentes del Festival, las complicaciones para realizar su primera edición y lo que se espera a futuro.

El gozo que produce el arte de los sonidos se teje en un lenguaje interno, sensaciones que descifra lo intangible, motivos en un tema que le dan sentido a la vida, siempre que tenga alma, esencia y transmita aquellas emociones que nutren el ser. Aunque también existe mucha basura, principalmente esas manipuladoras empresas que pretenden posicionar las farsas, las cuales quieren vendernos y no las que podemos elegir, firmas que solo reflejan la escasez de su riqueza superficial, aliadas con medios igual de podridos, con ridículas estrellitas de televisión, en muchos casos patrocinadas por gobernantes incultos, que va, menos que ignorantes, los cuales forman parte de aquella mafia… la que mantiene el letargo cultural de México.

Por otra parte, también la comunidad emancipada despierta y cada día toma mayor fuerza, ojalá que en algún momento  todos los verdaderos valores estén en los sitios indicados, los que se merecen, sin la mano negra de intereses ocultos, ni la conveniencia de caprichos políticos, la vergüenza de los supuestos contenidos “culturales” de las principales cadenas de televisión o el desdén de funcionarios pandilleros e incompetentes… ojalá.

Sin un céntimo en la bolsa, pero con mucho corazón y entrega, así como la colaboración de auténticos músicos, personajes dispuestos a mejorar la oferta musical de nuestro país y el amor al prog y la sincopa de fusión, surge el FestProgJazz, encuentro melómano que celebrará su segunda edición y que inspiró con su creatividad inclusiva este artículo homoespaciero.

Entre el rock progresivo y el jazz fusión

Los principales éxitos de Pink Floyd, Frank Zappa, The Who, The Moody Blues, entre otros, forman parte del éxtasis por el prog que se vivió en los años setenta. La ideología de la libertad con aroma a psicodelia, un justiciero toque de rebelión, la genialidad del rock británico y los viajes de una suite musical inspirada en la música de cámara, fueron algunos elementos que dieron forma a aquellos tiempos.

La historia del rock progresivo inicia en los 70’s en el Reino Unido, donde el aprecio por autores de lo clásico inspiraban a bandas como The Mothers of Invetion, Bob Dylan e incluso The Beatles a crear el art rock y como consecuencia el prog, aunque algunos otros artistas juguetearon con sonidos étnicos, lírica oriental principalmente.

A Quick One, álbum lanzado por The Who en 1966 se le ha considerado por varios críticos como la primera joya del rock progresivo, aunque Freak Out! de The Mothers of Invetion, banda lidera por Zappa también provocó mucho revuelo en aquel año y Pink Floyd cerraría la triada de diamantes en los inicios del prog con su álbum The Piper at the Gates of Dawn (1969), al incluir casi diez minutos de duración en un tema... las famosas “suites”.

México, por su parte, recibiría la psicodelia en los setenta y el romance con el rock progresivo apenas iniciaba… El Ritual, Luz y Fuerza, Toncho Pilatos, Los Dug Dug´s y Nuevo México, iniciaron la aventura por este subgénero rockero, aunque en los años ochenta y parte de los noventa, Iconoclasta, Parxis, Delirium, Nobilis Factum y otros alocados artistas se posicionan entre las preferencias melódicas del público.

Respecto al jazz fusión, sus orígenes son bastante latinos… ritmos como la habanera, contradanza, fandango e incluso un toque de bolero se escuchaban entre los experimentos sonoros de Nueva Orleans a inicios del siglo XX.

La Big Band de Machito, Dizzy Gillespie, Dámaso Pérez Prado, Chico O´Farril, Tito Puente o Paquito D´Rivera, fueron algunos de los principales exponentes del jazz latino, no obstante otros ritmos como la bachata o el tango de Piazzolla, obtendría una gran aceptación en los años cincuenta y el bossanova de Vinicius de Moraes, Tom Jobim y Joao Gilberto contagiaba a los cariocas, esa “cosa nueva” entrelazada con la síncopa y Miles Davis, brinda un gran aporte al jazz fusión con su álbum Bitches Brew (1969).

El free jazz contagia a varias líricas del mundo a mediados de los sesenta, como el flamenco, enigmática acústica mediterránea… o el rock y de ahí, su amorío con el prog.

FestProgJazz, sus inicios y una melómana entrevista

Anterior a la primera edición del festival, en el año 2013, se tenía planteado realizar un festival dedicado al rock progresivo y el jazz fusión, ya que nunca había existido un formato dedicado a estos géneros en México. Mauricio Hernández, Director Artístico del FestProgJazz nos da una idea más clara:

“El que creó el nombre y la idea del festival fue Balam Sánchez –actual Director Comercial del FestProgJazz-, elaboró el proyecto piloto, abrió espacios en algunas delegaciones, pero las autoridades no entendían el concepto del festival. Pensaban que por ser rock progresista era algo anarquista y en parte también fue por la imagen que se tenía de la vieja escuela de músicos de este género. El 26 de julio del 2013 fue la fecha designada para hacer el primer FesProgJazz, pero en ese tiempo la CNTE se planta en el Plaza del Monumento a la Revolución y era en este sitio, donde originalmente se pretendía realizar el festival”.

Hernández agrega: “La finalidad, desde un inicio, era generar un evento de alto impacto para el bienestar cultural del país. Una ventaja era que ya se tenía al público adecuado, no se tocaría para los amigos, familiares, las abuelitas, groupies o un grupo de personas que se busca complacer pero que no aportan nada, ni están ligados a la escena, además que estratégicamente no conviene”.

Ezequiel Mendoza, Director estratégico del FestProgJazz y baterista de la banda Tzolkin, donde también tocaba Mauricio, decide participar como organizador, y tiempo después, Mauricio toma las riendas de la Dirección Artística.

Algunas de las bandas que participarían en el 2013 eran The Seamus, El Brujo, los callejeros Sonrisa Vertical, Burocracia Cósmica, Tzolkin y un par más. Eso los llevó a la primera estrategia para el 2014: “considerar ocho bandas dentro de lo progresivo, aquello iba a ser un maratón, además de que en vez de ayudar, aburriríamos al público” nos comentaba el Director Artístico del FestProgJazz.

La primera edición

Después del boicot de los plantones de la CNTE, los organizadores batallaron en encontrar un lugar, hasta que llegaron al área de cultura de la Delegación Iztapalapa, quienes apoyaron el festival, ofreciéndoles el Foro Fausto Vega, además les permiten realizar la rueda de prensa en el foro y aportaron la publicidad para esta gala rockera sincopada.

Respecto a los medios, Mauricio Hernández nos comento: “muchos solo suben la información, sin crear, ni proponer, así que también buscamos quienes realmente estaban involucrados y quisieran apoyar”.

Otro punto importante eran las propuestas, y un personaje que los apoyó a comprender, así como a motivar a la escena fue el violinista mexiquense Arturo Ramírez, quien les brinda una clara visión a los nóveles organizadores. La charla con Mauricio continuaba: “Así, apostamos por bandas altamente creativas, revolucionarias dentro de la escena al ser nuevas, músicos con los mismos intereses y visión, porque en los festivales de grandes carteles existen muchos refritos, músicos que siguen tocando la misma música”.

El cartel para la primera edición integró a la renombrada banda de rock progresivo Iconoclasta, la fusión sincopada de Arturo Ramírez Trío, el legendario Brujo psicodélico, el duende surgió con el flamenco jazz de Orion Belt, Kali Yuga con su prog psicodélico, Chuck Project una rica fusión de jazz y Ekos con más rock progresivo. Además, la música se vio acompañada por arte escénico, exposiciones de fotografía y pintura, así como arte en movimiento.

La prensa hizo notar su opinión dándole crédito al festival por sus artistas, pero con la sugerencia de mejorar en varios aspectos, como mayor tiempo a las bandas y un mejor audio para el 2015.

 “En este año, dejamos solamente la música, al darle a cada banda el tiempo que merece, una mejor programación, ser incluyentes con el público, pretendíamos realizar un tianguis de artesanías y otras actividades, pero las elecciones y otras cuestiones administrativas, mermaron el incluir otras alternativas. Habíamos rastreado la escena desde hace mucho tiempo, nos llegaron propuestas de varias partes del mundo, pero teníamos muy claro el panorama nacional del jazz fusión y del prog, queríamos hacerlo a nivel Latinoamérica, pero no contamos con la infraestructura adecuada, aunque pretendemos realizarlo para la tercera edición. Finalmente elegimos cinco propuestas para la segunda edición…” Nos explicó Mauricio Hernández

El cartel

Glass Mind: Banda instrumental de metal progresivo, fundada en el 2005 en la capital mexicana y que se ha presentado en escenarios nipones, así como en el Progressive National Sea, festival realizado en un crucero de Miami a las Bahamas. Cuentan con el álbum Hauting Regrets (2011) y tres sencillos. Al margen… “se ve que están muy mal tratados muchachos”.

Hector Hellion: Frenético guitarrista, bajista y compositor de un misticismo sonoro, que dicen ha hipnotizado a países como Italia, Francia, Suiza, Estados Unidos y varios rincones de México con su  adrenalínico funk, metal, jazz, balkan, rock y hasta clásico nos resultó este talentoso músico.

Takto Sperta: Miscelánea propuesta sonora made in Ciudad de México, que con su alegría latina, la rebeldía del prog y otras travesuras sincopadas, buscan posicionar sus dos producciones de este cuarteto de primos… que ahora dicen que son seis, digo, más dos amigos.

Ninja Quartet: Senseis del jazz, blues, progresivo y funk… pero a la mexicana, estos cuatro amantes de las cuerdas darán la frescura melómana a este festejo del prog sincopado.

T´orus: Sentimentales del groove hip-hopero… Aarón Flores, Eric "El Niño", Christian Balderas, Benjamín García y Enrique Nativitas, son nombres conocidos dentro de la escena jazzística mexicana y reconocidos en varias partes del continente, por cierto… andan muy sonrientes estrenando disco, así que aparten su lugar en el FestProgJazz para disfrutar a esta gran banda 100% mexicana.

Los patrocinadores

Expansión radial, es una plataforma artística digital y ha apoyado al festival respecto a la difusión, redes sociales, así como el trato con los medios.

Fundación Unidos, una A.C. que combate la pobreza y la marginación, así como propuestas culturales, ellos han participado acercándonos recursos, brindando mucho y dando además, causa al FestProgJazz.

¿Y para la tercera…?

Mauricio nos comenta: “Buscamos tener bandas de otros países y se está trabajando en ello. En lo que respecta al talento nacional, nos gustaría que participara San Juan Project, la Orquesta Nacional de Jazz de México o el latin jazz que hace Alberto García y su Caribbean Project”.

 

Estimados homoespacieros les comparto los medios de contacto del FestProgJazz, algunos clásicos del rock progresivo y del jazz fusión, así como unos melómanos enlaces de las bandas que participaran en la segunda edición de este… fusionado concierto:

Facebook. https://www.facebook.com/festivalderockprogresivoyjazzfusion?fref=ts

Twitter. https://twitter.com/FestProgJazz

Pink Floyd: The Piper at the Gates of Dawn (1969). https://youtu.be/gw745F2NEh0

Miles Davis: Bitches Brew (1969). https://youtu.be/icKxlYZLJfo

Glass Mind. https://youtu.be/llSBOna9CYc

Hector Hellion. https://youtu.be/ldNJeouuTWA

Takato Sperta. https://youtu.be/lSL5hIcbDmw

Ninja Quartet. https://youtu.be/maGUJGUHfq4

T'orus. https://youtu.be/r-LFkwqK6HI?list=PLZNp47jGTqB6i7iN-Cg0Z-fgX-JdHDyuY

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29-Jun-2015

La fascinación homoespaciera por nuestro continente americano, llega a su octava entrega, con un viaje entintado por tres destinos ubicados al norte de Sudamérica. El primero es una joven república que fuera dominada por los holandeses, país que aún cuenta con comunidades de indígenas caribes, la riqueza cultural de su variada mezcla racial, una capital al estilo neerlandés, la catedral hecha en madera más grande de todo el continente, un antiguo asentamiento judío del siglo XVII, su reconocida reserva natural y otros tantos hechizos de la naturaleza. La segunda propuesta, es una de las pocas colonias europeas que aún existen en América, habitada en sus inicios por indígenas arawakos, que tras la llegada de los conquistadores, les hicieran pagar caro su intrusión, al salvarse de la fiebre o la desnutrición en una famosa isla, lugar de relegados franceses en el siglo XIX, actualmente conocido por su duradero carnaval, una plataforma espacial gala y las delicias de su cocina. Finalmente, nuestro último destino, fue nombrado por los peninsulares -al descubrir estos arenales- como la “Isla de los gigantes”, formó parte de las Antillas Neerlandesas, actualmente territorio autónomo perteneciente al Imperio de los Países Bajos, que presume sus playas caribeñas, su bebida tradicional, un primoroso islote, edificaciones históricas, un dialecto creado por varios idiomas y su sugestiva vida nocturna.   

La incitación al pecado en un entorno virginal, suele ser tan atractivo, instintos primitivos a flor de piel y la noche… cómplice perfecta para esas historias de seducción. Otro aporte, es cuando paradisiacos panoramas hacen que nuestra parte novelesca surja… al natural, la relajación se aprecia mejor después de la agitación, el gozo de los sentidos que nutren al interno, que bien puede ser alimentado entre playas desoladas donde no hace falta nada; atardeceres en una laguna, la música de los ríos, verdes encuentros con la inspiración y esas celestes criaturas, que no pueden faltar como acompañantes en estos ensueños.

Por ahí se escucha... “los viajes ilustran”, pero creo que esta idea va más allá, ya que las experiencias suelen ser los párrafos esenciales en el libro de la vida, lecturas que forman parte de nuestras creencias, afinan la personalidad, moldean nuestra visión y engrandecen lo intangible. La sencillez de lo complejo, secretos de la creación que alientan, lenguaje milenario codificado entre las emociones, ahí, donde la conexión con la naturaleza surge espontáneamente.

Después de estas melosas reflexiones, hablemos de nuestro continente americano y sus edenes, que para esta ocasión, visitaremos -entre letras- tres virginales ensueños al norte de Sudamérica: Surinam, la Guayana Francesa y Curazao.

Surinam: Una verde República

Los primeros pobladores de estas tierras fueron los arawuacos, por ahí del siglo VI a.C., quienes fueron sometidos tiempo después por los caríbes, que por cierto aún permanecen algunos grupos de estos últimos en Surinam.

En 1948 Cristóbal Colon vislumbró los arenales de este país, aunque fue hasta 1593 que los conquistadores ibéricos regresaron a estas tierras. Los holandeses establecieron la Compañía de las Indias Occidentales en 1616, dedicada lamentablemente al tráfico de esclavos africanos, los británicos toman el poder en 1630, pero ceden el territorio a los neerlandeses en 1667 a cambio de Nueva Ámsterdam, actual Nueva York. En 1922 Surinam se integra a los Países Bajos, logra su independencia el 25 de noviembre de 1975, tuvo varios golpes de estado, sufrió la dictadura de Dési Bouterse en los ochenta, hasta que en 1987 dicta su Constitución.

Surinam se encuentra entre los límites de la Guayana Francesa, Guyana, Brasil y el Océano Atlántico. Existen diferentes grupos étnicos, desde indígenas caribes, hindúes, indonesios, descendientes de aquellos esclavos africanos, así como un limitado porcentaje de europeos y asiáticos, lo que le otorga una gran riqueza cultural, artística, gastronómica y artesanal.

Algunas de sus principales atracciones son: la pintoresca arquitectura estilo holandés de su capital Paramaribo, que cuenta con la Catedral de San Pedro y San Pablo, considerada la edificación más grande de América construida en madera; el Museo de Surinam Fuerte Zeelandia, realizado en el siglo XVII por los británicos sobre el Río Surinam, que sirviera como cuartel militar, así como prisión neerlandesa y que desde 1995, se convirtiera en museo que exhibe piezas de los primeros amerindios, así como otros objetos referentes al periodo colonial; la Plaza de la Independencia, que integra el Palacio Presidencial, edificado en el siglo XVIII, el Ministerio de Finanzas con su torre color blanco y a unos pasos, el Palmentium, un lindo parque con grandes palmeras y exóticas aves.

Las opciones ecoturísticas son variadas, ya que este país cuenta con 11 reservas naturales, un parque natural y cuatro áreas de naturaleza especial, pero la más famosa es la Reserva Nacional Surinam Central, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 2000, encuentro selvático de las amazonas, rodeado por salvajes lagos y una exótica fauna.

Otro sitio interesante es Jodensavanna, antiguo asentamiento judío del siglo XVII, que perteneciera a portugueses cariocas, ubicado a lo largo del Río Surinam, que cuenta con las ruinas de la sinagoga Baracha Ve Shalom “Bendición y Paz” de 1685, así como dos cementerios y dicen que hay un pozo que posee poderes curativos.

Surinam también cuenta con algunos resorts o cabañas, como Colakreek o Danpaati, para practicar deportes extremos como rafting, kayak o bien disfrutar de un entorno selvático en esta verde República.

Guayana Francesa: Un desconocido edén

Departamento galo de ultramar, la Guayane fue habitado principalmente por indios arawakos en su época precolombina y colonizada desde 1604 por Francia. Los primeros colonos galos, se vieron atraídos por esta región sudamericana gracias a la leyenda del “Dorado”, una oculta ciudad realizada en oro, donde lo que encontraron fueron nativos inconformes, fiebre y desnutrición, pero algunos sobrevivientes huyeron a tres pequeñas islas cercanas a la Guayana, llamándolas “Las Islas de la Salvación”.

Su nombre proviene de un dialecto amerindio llamado warao y el significado de Guayana es “sin nombre”, lo curioso es que mientras sus vecinos como Brasil logran un gran desarrollo, estas tierras permanecen desconocidas, desoladas en su mayoría y su ruta aérea es solo entre París y la Guayana.

Otros datos históricos son que en el siglo XVIII, se llevaron esclavos africanos para trabajar en distintas plantaciones, en 1848 Francia abolió la esclavitud, pero construyó en sus tierras tropicales en América algunas prisiones, la más despiadada fue la Isla San José… la Cárcel de Papillon, donde se cuenta una leyenda parecida a la de “Chucho el roto” pero a la francesa, un prisionero conocido como Henri Charriére “Papillon” que se escapa en forma mágica de esta cárcel en 1934.

En los años cincuenta y sesenta, la colonia sufría de escasez, los índices de desempleo estaban por los cielos, hasta que a finales de los sesenta surge la Agencia Espacial Europea en el Centre Spatial Guayane, lo que ayudó a que la economía se estabilizara un poco.

La Guayana Francesa, se encuentra cubierta mayormente por selva y muchas de sus tierras permanecen vírgenes. Algunos de los lugares que te recomendamos visitar son: las famosas Islas de la Salvación, donde conocerás la vida de aquellos prisioneros del siglo XIX; el Museo del Espacio en el Centro Espacial de Guayana, que con suerte hasta puedas observar algún lanzamiento de un cohete; su largo Carnaval que dura mes y medio, con desfiles musicales y bailes exóticos para finalizar “arrepentido de tus pecados” el miércoles de ceniza o bien, dar un recorrido en lancha por los distintos pantanos y manglares que posee este desconocido edén.

Curazao: La sanación del Caribe

Curación es su traducción al español… y realmente sí que lo es este insular territorio caribeño autónomo del Imperio de los Países Bajos, que lograra su libertad de las Antillas Neerlandesas en el año 2010, aunque lo curioso es que cuenta con un rey, un gobernador y un primer ministro.

Conquistada por la corona española en el siglo XVI, los peninsulares llamaron al sitio “La Isla de los Gigantes”, esto por la altura de sus nativos… los indígenas arawacos. Adherido a Venezuela en el sioglo XVIII y gobernado por los holandeses durante casi tres centurias, los curazoleños son un pueblo  que agrupa muchas culturas y tradiciones.

Aunque prevalece el holandés como idioma oficial, muchos de sus habitantes hablan papiamento, que significa “hablar” en portugués y el cual fue creado por la mezcla de idiomas entre africano, español, inglés, portugués, francés, holandés y arawuaco.

La caribeña isla cuenta con 35 pálidos arenales; el islote de Klein Curazao, donde las fiestas en la playa, el buceo y las barbacoas son la especialidad; la vida social del Mambo Beach, famoso por su bares y restaurantes; la exclusiva playa Jan Thiel, para practicar deportes marinos o Willemstad, capital de Curazao que cuenta con varias edificaciones estilo holandés, el Fuerte Ámsterdam o su agitada vida nocturna, y para culminar tu velada, entre la intimidad de algún arenal nudista que exprese los virginales ensueños, otorgados por alguna afable suramericana.

Estimados lectores de Homo Espacios, les comparto algunos enlaces para que terminen de enamorarse de estos tres mágicos territorios sudamericanos:

Surinam. https://youtu.be/daVuzbP3ox8

Guayana francesa. https://youtu.be/FR1fxhFFvzg

Curazao. https://youtu.be/1R8_jQ93zpE

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22-Jun-2015

Música raíz del siglo XVIII, en aquellos inmigrantes ecos apalaches del old time, voces de protesta perdidas entre esos viejos mineros montañeses pintados de carbón a finales de la centuria del 1800 y los sonidos afrancesados de un acordeón en el cajún canadiense. Pueblos marginados, el dolor de los pobres, algo de coquetería… y otros íntimos sentimientos entre las letras de la melódica popular norteamericana. El hillbilly que diera paso al country con las grabaciones en Bristol Tennessee orquestadas por el cazatalentos Ralph Peer, junto con las sesiones en la radio de Nashville de Jimmie Rodgers y La Familia Carter en los años veinte. El aporte afroamericano y la aparición del bluegrass con la banda de Bill Monroe a finales de los treinta, así como el sonido de Nashville en los sesentas y la fusión con otros ritmos a partir de los noventa, son el campirano gozo sonoro de este folklórico artículo melómano.

Las historias de la escasez, pueblos relegados que le dan voz a su alma, ahí, donde se encuentra la genuina riqueza, entre los nombrados “pobres”, título que pone a prueba la gallardía para enfrentar la vida, motivo que impulsa a encarar a la hipocresía social y el desdén de los gobiernos, gente que entrega lo poco que tiene sin ningún interés, mientras que los adinerados solo piensan como acaparar y que, en muchos casos, ignoran el significado de la palabra compartir. Ellos, los que nadie nombra, anónimas genialidades que han brindado en distintas manifestaciones artísticas verdaderas joyas… y una muestra, son los ritmos musicales, que en su mayoría, los más exquisitos nacieron sin un centavo, entre las calles, campos y otros rincones lejanos de la falsedad.

Algunos ejemplos del folklor melómano inmigrante europeo de los Estados Unidos, la cosmología de los indios nativos, la esclavitud que vivieron los hermanos afroamericanos en los crueles campos de algodón que convirtieron en música e incluso, influencias de la lírica mexicana, son una pequeña parte de aquellos antiguos ecos norteamericanos llamados… música raíz.

Sonidos apalaches y los francos murmullos del cajún

La riqueza musical de los colonos ingleses, escoceses e irlandeses en la Norteamérica del siglo XVIII, así como el blues de los afroamericanos, en la región conocida como Apalaches que abarca desde Belle Isle en Canadá, hasta Luisiana, Mississippi y Georgia, tomaban sus violines, banjos, guitarras y dulcimer (instrumento folclórico de cuerda punteada) para interpretar la música de sus patrias, lo que dio origen al ritmo homónimo de esta zona y las famosas baladas del nuevo mundo, entre los que destacan músicos como Omie Wise o Jhon Hardy.

A finales del siglo XIX, el escritor de Kentucky Jhon Jacob Niles, publica un libro-cancionero sobre este tipo de baladas en un recorrido por la zona de los Apalaches y en el periodo de la primera guerra mundial, los folcloristas Cecil Sharp y Maud Kerples, hacen una recopilación de 200 baladas del Viejo Mundo.

Otro ritmo que surge en el siglo XIX en América del Norte, pero entre comunidades francesas, es el cajún, famoso por incluir instrumentos como el acordeón, violín y el triángulo de metal, así como su contagioso baile, aunque sus letras estén relacionadas con el desamor, la pobreza e incluso la muerte y que por cierto aportó mucho a las bases rítmicas del country de Luisiana.

Dentro de la historia de los instrumentos musicales, el banjo se cree que fue traído por esclavos afroamericanos en el siglo XVIII, mientras que el dulcimer tiene una incierta procedencia, se cree que fue en los Apalches donde surge, aunque otros historiadores afirman que es alemán o escandinavo.

Ya para el siglo XX, la marginación social y abusos en las minas de carbón de Virginia, dieron origen a muchas canciones de protesta, que daban voz al sufrimiento de los mineros. Además, en los años veinte aparecen varias bandas que posicionaron un nuevo género musical… el hillbilly.

El hillbilly y los inicios del country

Las primeras grabaciones de la música de los Apalaches, fue organizada por el cazatalentos Ralph Peer en Atlanta, Georgia en 1923, al incluir a Al Hopkins y su banda The Hill Billies, causando un gran éxito, denominando a la música de estos músicos campiranos como… hillbilly. Un dato curioso, es que esta palabra aplicada como gentilicio, es una forma de expresión peyorativa para referirse a los residentes de la región de los Apalaches, al describirlos como blancos silvestres, alcoholizados y violentos.

Los principales acontecimientos y punto de partida para la música country, sucedieron en 1927 en las sesiones de grabación en Bristol, Tennessee, así como las transmisiones del programa de radio del Grand Ole Opry de Nashville, donde participaron Jimmie Rodgers (cantante reconocido por sus temas dirigidos a los “Hobos”) y La Familia Carter (banda que incursionó al integrar voces femeninas), considerados como pioneros de este ritmo norteamericano, conocido en ese tiempo como hillbilly, ya que la palabra country se adoptó hasta la década de los cuarenta, siendo el primer artista en presentarse en este afamado  programa de radio, el violinista Jimmy Thompson. Por cierto, fue también en esa época en la que este ritmo campirano se mezcla con el rock and roll y el swing, para dar vida al rockabilly.

En los años sesenta, el resurgimiento de la música popular de Norteamérica toma fuerza en Nashville, Tennessee, donde esta música rural se mezcla con el R&B y el rock and roll, creando lo que se conoce como Sonido Nashville, que contó con grandes íconos como The Greenbriar Boys, Johnny Cash, Jimmy Dean, Roger Miller, Marty Robins, Lefty Frizell o Hank Williams.

 

Bluegrass y el gran Bill Monroe

Considerado como “el padre del bluegrass”, Wlliam Smith Monroe nació en Kentucky en 1911 y fue el hermano más chico de los ocho hijos del matrimonio Monroe, su madre falleció cuando él tenía 10 años y seis años después su padre también muere. Bajo éstas condiciones de orfandad, su tío Pen lo acepta en su casa y empieza a desarrollar sus talentos musicales en la mandolina, acompañando al violín de su tío en bailables, lo que inspiró tiempo después a Monroe para crear el gran éxito… “Oncle Pen” de 1950.

El primer proyecto musical de Bill, lo realiza en 1929 con el nombre de Monroe Brothers, que duró hasta 1938, año en el que nace la banda Blue Grass Boys, integrada por el cantante y guitarrista Cleo Davis, Arte Wooten en el violín, Amos Garren en el bajo y Monroe como líder, lo que desencadenó el nombre del género… bluegrass, que es una hierba típica y nombre de una región de Kentucky. Tiempo después, a finales de 1945, Earl Scruggs se integra con el banjo y Scruggs -también en el banjo- crea un nuevo estilo para tocar este pintoresco instrumento, el cual lleva su nombre.

A mediados de los cincuenta, Earl Scruggs y Lester Flatt forman su propia banda, The Foggy Mountain Boys, que adicionó al bluegrass un nuevo instrumento… el dobro.

Por su parte, Monroe continuó cosechando éxitos, al crear en 1947 su principal joya "Blue Moon of Kentucky ", tema que fue grabado por Elvis Presley en 1954 y que apareció en el lado B de su primer sencillo para la Sun Records.

El padre del bluegrass, mantuvo una carrera profesional de cerca de 60 años y su última actuación se realizó el 15 de marzo de 1996, después de esta actuación, sufrió un accidente cerebrovascular y falleció el 9 de septiembre de 1996 en Springfield Tennessee, a tan solo cuatro días de cumplir 85 años de edad.

Estimados homoespacieros, como es tradición, les compartimos algunos melódicos enlaces para que disfruten del bluegrass… y las raíces del country:

The History of American Country (Documental en ingles). https://youtu.be/mzEwb9Ilq5w

“Mr Hobart Smith Cripple Creek” (Música de los Appalaches). https://youtu.be/5dCSdfZFTHE

“Kisses Sweeter than Wine” (Jimmie Rodgers). https://youtu.be/WNivTEdgT7Y

“Wildwood Flower” (The Carter Family). https://youtu.be/ewnfWoSQz3o

“Blue Grass Breakdown” (Bill Monroe). https://youtu.be/KYTvj9Z_rlo

“Blue Moon of Kentucky” (Elvis Presley). https://youtu.be/6AAOM-BRxcg

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15-Jun-2015

Veracruz, estado vasto en ecosistemas, tradiciones, cultura, gastronomía, música… y algún romance secreto, que en su zona central cuenta con una ruta para aquellos adictos a la adrenalina. El primer destino se encuentra bañado por los salvajes ríos La Antigua y Pescados, tapizado de verde, ahí, “En el rincón de la arena”, donde se ubica una de las expediciones pioneras en el turismo de aventura, caminatas acuáticas que te dejarán sin aliento, panoramas selváticos inolvidables y que además, guarda mágicas sensaciones… al anochecer. Nuestro siguiente encuentro veracruzano, solía ser una antigua localidad totonaca, misma que atesora una serie de virginales pozas, y un poco más allá, un sitio con aguas termales que otorgan… la armonía de lo natural.

Crónicas entre la naturaleza, ambientes que son el antídoto ante ese venenoso estrés que poco a poco consume y el tema de moda… las elecciones que hundieron en más escasez al país, así que fugarse, huir de tanto cinismo y de las caretas de la hipocresía, fue la mejor opción. Lejos, en un rinconcito de Veracruz, aprecié la calma que brinda la adrenalina, ecos selváticos que regalan quietud, escenarios cubiertos de verde… mi refugio, el murmullo de los ríos que entonaba su melodía eterna, una compañía nativa como inspiración y aquellos guardianes nocturnales, toda una mística sorpresa. Al final… un dulce recuerdo en los labios, la vitalidad que brindan los rápidos, una grata aventura en la memoria y el anhelo de regresar.

Novelescas líneas introductorias de una vertiginosa experiencia eco-turística, motivaron la realización de este artículo homoespaciero, en el cual comentaremos sobre el poblado de Jalcomulco y las expediciones del Resort México Verde, así como la relajación natural de las pozas de Apazapan y las medicinales aguas de Carrizal.

Jalcomulco: Una verde experiencia

Xalkomolco, que en náhuatl significa “En el rincón de la arena”, que fuera habitado en la época prehispánica por totonacas a un costado del Río de Huizilapan o Colibríes, conocido actualmente como Pescados, rápidos que nacen en el deshielo del Pico de Orizaba con desembocadura en el Golfo de México y que lograra la categoría de municipio en 1825.

El dulce sabor de sus mangos, su icónico puente colgante, delicias del río entre su gastronomía, viviendas pintadas de llamativos colores, artesanías elaboradas con otate, festividades jalcomulquenses que celebran a San Juan Bautista del 23 al 25 de junio y su gente… hospitalaria, intrépida, misma que despierta una conciencia ecológica.

Selvática decoración, flores silvestres, el afamado cerro de Acuamali  para los senderistas y sitio que incluso, sirviera como escenario para el filme hollywoodense Romancing the Stone (1984).

Pueblo pionero en el turismo de aventura, que lamentablemente nunca ha tenido un Congreso y que además, cuenta con una de las empresas fundadoras en este adrenalínico turismo… Expediciones México Verde.

El Resort México Verde tiene como apellido… la diversión, su campamento estilo Safari o una especie de casas de campaña lujosas, parecen salidas de alguna película de Indiana Jones, el despertador es una batucada acompañada por café coatepecano, que dejan en una mesita en la terraza de estas exóticas habitaciones con unas ricas galletas integrales.

Los cocineros preparan distintos platillos para todos los paladares, ya sea un caldo de camarón de rio, pescado a la veracruzana, así como sus postres que te dotarán de la energía necesaria para realizar las distintas actividades.

Algunas de sus principales atracciones son: el ciclismo de montaña entre huertas de mango, plantaciones de café y reconfortantes paisajes a un costado del Rio Pescados; la caminata de sobrevivencia, que es todo un aprendizaje sobre la voluntad humana; el campo de retos para ejercitar tanto el cuerpo como la mente; poner a prueba tu habilidad bélica en su campo de gotcha; sentirte todo un hombre araña en su muro de escalada o el perderle miedo a las alturas, con sus cuatro largas tirolesas que cruzan de monte a monte.

La especialidad de los “verdes mexicanos” es el rafting, del cual presumen ser los iniciadores de este deporte extremo en nuestro país. Instalados en una balsa, la cita con los ríos La Antigua o Pescados, ofrece una sensación de libertad al cruzar por sus rápidos y el trabajo en equipo, seguir las indicaciones del guía, así como un tanto de valentía, son la base para cruzar estos brazos de agua, aunque las emociones se profundizan al admirar la belleza natural del lugar.

Otra de las recomendaciones es el trekking, que consiste en una caminata por un pequeño rio encañonado, un relajante paseo en kayak o algo de rappel en paredes de roca de hasta 80 metros de altura. Al anochecer, la fiesta en el bar de este Resort te pondrá a bailar y cantar, para que finalmente regreses a tu suite y experimentes la mágica agitación del desvelo… en el hechizo de una veracruzana.

Confort natural, entre Apazapan y Carrizal

Apazapan, pequeño pueblo de origen totonaca que oculta entre su follaje las pozas de agua azul, en su río de agua turquesa, edén silvestre que brinda un instante de intimidad natural. El sitio se encuentra a media hora del pueblo y solo se puede acceder a pie. Estos jacuzzis de la naturaleza suelen mantener su virginidad y es una excelente opción para desconectarse de la civilización

Por su parte, Carrizal que se encuentra a unos cuantos kilómetros de Apazapan, cuenta con una de las mejores aguas termales de México, estas albercas contienen propiedades curativas, consideradas por especialistas como una excelente opción de hidroterapia. Acuático remedio veracruzano, que también es famoso por su parque con sus toboganes surrealistas estilo Gaudí.

 

Estimados homoespacieros, les comparto los tradicionales enlaces web para alimentar su lado atrevido y gocen de la adrenalina de estas tierras veracruzanas:

Jalcomulco. https://youtu.be/dYju4JRXNTM

México Verde. http://mexicoverde.com/

Apazapan. https://youtu.be/aEb214tTcsg

Carrizal. https://youtu.be/a9ekV9GjxkY

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09-Jun-2015

El pasado domingo 31 de mayo, sugestivas féminas al estilo pin-up, vibrantes figuras cabareteras, alegría circense, lindy hop en la pista de baile, venta de innovadores artículos del pasado, gastronomía cincuentera, autos y bicicletas retro, artísticas piezas del recuerdo… y los ecos del swing, rockabilly, jazz y algo de surf, formaron parte de la primera edición de la Expo Vintage Fest, celebrada en el Campo Marte de la Ciudad de México. Respecto a próximos conciertos de blues, el Foro Indie Rocks! y NotYet Entertainment, presentarán el próximo 1 de julio a las 20:30 horas el encuentro sonoro #NewMexicanBlues, integrando a este cartel a la banda capitalina Les Moustaches y al cantante ugandés Bob Sezibwa. Mientras que en los arenales quintanarroenses de Playa de Carmen, el Riviera Maya Jazz Festival 2015 por fin ya cuenta con fechas, el sincopado espectáculo será del 26 al 28 de noviembre y ya se conocen algunos de los artistas que participarán en el principal festival de los playenses.

La Expo Vintage Fest 2015 dio inicio a las 12:00 horas el pasado domingo 31 de mayo… y desde la entrada se notaba la influencia de esta expo, a la venta: antiguos teléfonos, de aquellos de rosca pero hechos lámparas; lentes sesenteros con anillos diseñados con partes de relojes; bicicletas con armadura de corte de los cuarenta y el “run run” de los autos clásicos.

El hambre ya hacía estragos entre tanta seducción que se paseaba por el Campo Marte, así que alivió un poco mi ansiedad un delicioso “Pretzel Dog”. Después, los instintos primitivos se degustaron un “taco de ojo” con la presentación cabaretera de la compañía Keep On Dancing Production y algunos actos circenses de Cracovia 32 que aliviaron un poco tan calurosa bienvenida. El tiempo detenía su curso con el regodeo del lindy hop y el rock and roll hacían sus danzas en la pista Saboy Ballroom, mientras que en el escenario artistas como Cocktail de Nervios, Louise Phelan, Infusyon Jazz y la coquetería sincopada de Donnah… ¡caray!, digo, Garay, entonaba afamados temas con mucho swing, pero el final y que la lluvia nos perdone, estuvo a cargo de la Calacas Jazz Band, los cuales, con su frenético dixieland… fueron todo un agasajo melódico vintage.

Respecto a próximas tertulias bluseras, el capitalino Foro Indie Rocks!, contará el próximo 1 de julio con la presencia de dos bandas que interpretan este embriagante ritmo: Les Moustaches, los cuales darán una muestra de su delta blues, blues rock, así como algo de garage blues y también Bob Sezibwa, quien tomará los micrófonos con su trío para darnos una probadita de su próximo EP Inédito.

Por su parte, el principal festival musical de Quintana Roo, el Riviera Maya Jazz Festival llegará a su edición número trece… y esperemos que no sean supersticiosos, ya que del 26 al 28 de noviembre ya se tienen confirmadas algunas bandas como Zappa Play Zappa (hijo de Frank Zappa), por segunda ocasión se presentará en este escenario rivereño el cantante y compositor canadiense Gino Vanelli, Zawinul Legacy Band (banda liderada por Tony Zawinul, primogénito del afamado teclista de jazz y compositor austriaco Joe Zawinul), la melómana banda sueca Dirty Loops, así como la participación del talento nacional de los funkeros Tio Gus, Resorte para los rockeros y se cree que Guacamole… y en el tintero, ojalá seleccionen a Fiusha Funk Band, que poco a poco se está posicionando como la mejor banda de funk mexicano.

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01-Jun-2015

Segunda entrega gastronómica desde el menú homoespaciero, donde nuestros deleites mexicanos, acompañados por algunas cifras de producción, serán la tertulia entintada, que para esta ocasión incluirá tres gozos al paladar: el primero, es un famoso desayuno norteño, que se cree era elaborado -desde la época prehispánica- con huevos de codorniz mezclados con carne seca molida; nuestro segundo tiempo, conocido como “Pan virreinal bajo”, creado entre las clases desfavorecidas en el periodo de la Nueva España y como postre, la culinaria ibérica mezclada con la cocina mexicana, dieron origen a un platillo de vigilia, muy famoso en la zona centro y norte del país… buen provecho.

Los sabores mexicanos… en momentos amargos, otras veces exóticos y en ocasiones dulces, mucho depende de lo que el país esté viviendo, si volteamos hacia lo político, mucho estará echado a perder, pero el sabor opuesto, la exquisitez, definitivamente es nuestra riqueza cultural, natural, arquitectónica y por supuesto, nuestra cocina. En la zona veracruzana de El Tajín les llaman mujeres de humo, indígenas que preparan verdaderos manjares precolombinos; Oaxaca con su basta variedad de platillos acompañados con un buen mezcal; Puebla con sus moles o el “chile en nogada”; Jalisco presume la “birria” o la “torta ahogada” y en la Ciudad de México se cuenta con las caldosas “migas”, que lamentablemente, poco a poco han desaparecido. En fin, por algo la gastronomía mexicana es considerada Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

De acuerdo con estos placeres, estimados homoespacieros, llegamos a nuestra segunda entrega de las cifras del sazón, festín a la tinta y otros números acerca de la norteña “machaca con huevo”, así como el “pambazo” y la “capirotada”, ésta de origen peninsular.

Machaca con huevo: almuerzo a lo norteño

Las versiones acerca del origen de este desayuno norteño varían. Algunos historiadores afirman que data desde la época precolombina, cuando las civilizaciones indígenas del norte mexicano consumían carne de venado seca al sol en rollos, que después molían en piedras y la mezclaban con huevos de codorniz, platillo que les permitía alimentarse en sus prolongados traslados. Otra teoría indica que alrededor del año 1928, unos mineros de Nuevo León, cansados de comer carne seca sola, encargaron al cocinero hacer un guiso, éste mezcló la carne con chiles, cebolla, jitomates y huevos, creando así el machacado de res.

En materia de producción, actualmente más de 70 empresas mexicanas de carne seca elaboran alrededor de 50 toneladas de machaca al mes. Respecto a la carne de venado, en México, anualmente se sacrifican 300 mil cabezas, que representan cerca de 12 mil toneladas de cárnicos, siendo los estados de Coahuila, Nuevo León y Tamaulipas los principales productores.

Por su parte, el huevo es uno de los productos preferidos en nuestro país, ya que México ocupa el primer lugar de consumo mundial. Se estima que cada mexicano come 22.4 kilogramos al año y ocupamos el sexto sitio en producción, al aportar más de dos millones 522 mil 428 toneladas de huevo, que por cierto, los estados de Jalisco y Puebla son los principales productores de este alimento.

Referente a las propiedades nutricionales, un huevo pesa aproximadamente 60 gramos y contiene 75 kilocalorías, mientras que la carne seca es baja en grasa, posee 82 calorías y brinda un alto valor proteínico.

Algunos certámenes en honor a esta delicia norteña, son el Festival Gastronómico “Almuerzos Típicos Mexicanos”, que se realiza en un famoso hotel zacatecano en el mes de junio. Otro festejo es el Machaca Fest de Monterrey, Nuevo León, aunque aquí el sabor... entra por los oídos.

Pambazo: gozo de barrios virreinales

El “pan basso” o pan virreinal bajo, era un platillo para las clases marginadas de la Nueva España, el pan se realizaba con restos de harina cernida o de calidad inferior, incluso existían tiendas donde se vendían y eran conocidas como “panbacerías”. Desde aquella época, la pieza de pan se rellenaba de papa, chorizo y posteriormente se bañaba en salsa de chile guajillo o ancho. En algunos lugares existe el pambazo “vegetariano”, preparado con hongos, rajas o incluso flor de calabaza.

La industria del pan en México tiene 111 molinos con una capacidad de molienda instalada de 6.9 millones de toneladas anuales; el consumo per cápita es de aproximadamente 53.4 kilos y su valor en el mercado asciende a 14 mil 807 millones de pesos.

Mientras que el cultivo de papa en México alcanza un valor cercano a los 11 mil millones de pesos, cifra que le coloca como el séptimo cultivo más importante en el país, con una producción de entre 1.7 y 1.8 millones de toneladas anuales y el 73.5 por ciento del volumen se recolecta en los estados de México, Sonora, Sinaloa, Veracruz, Nuevo León y Puebla.

Respecto a la carne de cerdo en México se consumen más de dos millones de toneladas al año, entre los principales productores se encuentran Jalisco, Sonora, Puebla, Guanajuato, Yucatán y Veracruz, que en conjunto, generan alrededor de 70 por ciento de la carne porcina del país y el mayor consumo per cápita está representado por carnes procesadas, como la longaniza y el chorizo.

Muchos festivales culinarios en nuestra nación ofrecen este platillo, por ejemplo en la Bienal de Arte Universitario de Guanajuato (BAUG) se realiza el Festival Universal del Pambazo en el mes de septiembre, aunque también es uno de los sabores favoritos dentro del Festival del Pozole y el Platillo Mexicano, en la Delegación Iztacalco.

 

 

 

 

Capirotada: dulzura hispano-mexicana

Algunos dicen que sus orígenes son peninsulares, otros afirman que apareció desde el siglo V con los romanos, pero lo que es un hecho es que este famoso postre ha formado parte de la gastronomía mexicana desde hace siglos.

La historia culinaria cuenta que la llegada de la capirotada a México fue desde las primeras visitas de Hernán Cortés, ya que un recetario de 1780, escrito por Fray Gerónimo de San Pelayo, refería a la “capirotada” como un platillo de vigilia, cuando realmente por incluir carne, no lo era. Fue hasta inicios de siglo XX que se conoció como postre, siendo México su dulce autor y convirtiéndose, ahora sí, en una receta de cuaresma típica de los estados de Aguascalientes, Guanajuato, Jalisco, Michoacán, Sonora, Zacatecas y Durango.

El producto básico para preparar este dulce platillo es el pan blanco, que dentro de la clasificación o tipos de panes es uno de los más consumidos. A nivel nacional existen más de 30 mil unidades de producción y, de cada diez, nueve operan en la elaboración de pan blanco y pasteles, al ser las microempresas o empresas familiares quienes representan el 96.7 por ciento del total de establecimientos en nuestro país, según datos de la Cámara Nacional de la Industria Panificadora y Similares de México (CANAINPA).

Por su parte, el queso le brinda un rico sabor a la “capirotada” y respecto a sus cifras, en México se consumen 363 mililitros de equivalente de leche diarios, es decir, quesos, leche, crema y productos derivados, siendo el estado de Jalisco el principal productor.

En el municipio de Guadalupe, Nuevo León, en el mes de abril se lleva a cabo el Gran Festival de la Capirotada, donde tanto vecinos como turistas pueden degustar este tradicional postre con la presencia de varios grupos musicales y shows infantiles.

Estimados lectores, con cerca de dos años y medio sin dejar de publicar el artículo semanal, tomaré un receso entre aires veracruzanos y como sugerencia de la directiva de Homo Espacios, así que nos leemos el próximo 13 de junio… sirve que me alejo un poco de la contaminación electorera, que creo que afecta más que el smog. Gracias y les comparto algunos enlaces de videos de estas tres delicias mexicanas, que por cierto aparecen en el noticiero Agronoticias de la Secretaría de Agricultura, Ganadería, Desarrollo Rural, Pesca y Alimentación (SAGARPA), por TV Ingenio de Televisión Educativa:

-Machaca con huevo. https://youtu.be/_3stlriri9o

-Pambazo. https://youtu.be/VRfW4090Ihc

-Capirotada. https://youtu.be/jVUOr73JSdw

-Sagarpa TV. https://www.youtube.com/channel/UCkDS5xFoMykJBe7wt0XgVLQ

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26-May-2015

El actual Coordinador General de Comunicación Social de la Secretaría de Agricultura, Ganadería, Desarrollo Rural, Pesca y Alimentación (SAGARPA), Abelardo Martín Miranda; el Señor periodista y Director del diario digital Entresemana, Moisés Sánchez Limón y el destacado reportero, así como Subdirector de Difusión de TV UNAM, Víctor Manuel Juárez, nos confiesan sus aficiones, experiencias profesionales y algunas recomendaciones, tanto turísticas, culturales, así como periodísticas, para cerrar esta tercera entrega de los apasionados por la comunicación.

La miseria humana que se comparte entre algunos hipócritas en el “poder”, la falsedad de las campañas electorales, el hastío del pueblo que llora la muerte de sus hijos y el pago realizado a esos “medios” que propagan su cieno a la sociedad, consumen con rapidez la tolerancia y esperanza de nuestro país. Ciclos repetitivos, discursos que nadie cree, “leyes” que complican la vida diaria, soberbia e inexperiencia en la burocracia, miradas cansadas entre las calles, la explotación de los desfavorecidos, voces independientes de un diario, que aún… no se imprime.

Parafraseando el escritor español Enrique Jardiel Poncela, mencionaba que “Decir la verdad es de mala educación”; aunque para varios reporteros este atrevimiento les ha costado la vida, imagino la satisfacción que vivieron el haberlo relatado, tal vez en algún reportaje, nota o crónica… en fin, grandes historias todavía esperan ser difundidas, los recursos tecnológicos bien utilizados facilitan la labor informativa, pero tal parece que faltan jóvenes apasionados que realicen esta adictiva tarea llamada periodismo.

Así que aprendamos de los maestros, de aquellos que su vida es el oficio informativo, los que realmente saben y que no necesitan cubrirse de soberbia con “tecnicismos actuales”, que solo denotan la ignorancia de ofrecer un texto o comentario de calidad. Hablamos de verdaderos periodistas, como lo son Abelardo Martín Miranda, Moisés Sánchez Limón y Víctor Manuel Juárez, a quienes agradecemos las entrevistas otorgadas a Homo Espacios.

Abelardo Martín Miranda… apasionado de las artes

-Homo Espacios (H.E.) ¿Alguna anécdota como reportero relevante en su vida profesional?

-Abelardo Martín (A.M.) Como reportero, mí reto siempre fue el estar en la primera plana del periódico, independientemente de la fuente a la que me asignaran, ya fuera, por ejemplo: cubrir el asesinato de un gobernador de Guerrero a principios de los setenta; giras del Papa por América Central -que significó cambios para todo el continente- o el reportaje sobre el accidente del pozo petrolero “Ixtoc I”, que fue todo un acontecimiento nacional e internacional, ya que estuvo descontrolado más de ocho meses de 1979 a 1980 y afectó las zonas costeras de Campeche, Tabasco, Veracruz y Tamaulipas, lo que me permitió experimentar la vida de los trabajadores petroleros, en el tiempo donde México, se colocaba en un lugar importante a nivel mundial como productor de petróleo.

Así que anécdotas, tengo muchas, ya que cada reportaje o entrevista fue una aventura, una experiencia de conocimiento y considero, que la principal cualidad que debe poseer un reportero, es la capacidad de sorprenderse, esto es lo que le permite ver la noticia en donde no la ve todo el mundo y de ahí, destacar el acontecer diario, el cómo construir y desarrollar una historia.

-H.E. ¿Cuáles fueron las entrevistas más complejas que ha realizado?

-A.M. Joaquín Hernández Galicia “La Quina” fue una entrevista que duró tres días, donde conviví con este líder de sindical y que se volvió un emblema de los trabajadores petroleros mexicanos, así como de la política del país. Mi misión era, no caer en calificaciones, no mencionar que era un cacique, ya que así se le catalogaba en aquel tiempo, sino reflejar su cacicazgo, sin mencionar que él era quien lo dominaba, hablar del poderío y los instrumentos de poder que manejaba un líder sindical.

También entrevisté a Fidel Velázquez varias ocasiones, tanto en exclusiva como en sus llamadas “Conferencias de los lunes”, aunque por mucho tiempo, en su plenitud, ofrecía conferencias casi todos los días. 

-H.E. ¿Cuáles son los principales elementos para ser un buen comunicador?

-A.M. En primer lugar, una disposición para aprender todos los días las novedades, tanto en tecnología, como en el acontecer político, que el comunicador debiera estar atento para interpretar y entender la realidad y lo que está pasando a “nivel de piso”, esta frase quiere decir, que entonces ¿perdimos el piso los comunicadores? o ¿los políticos?, esto tiene mucho de razón, ya que si uno no está tocando tierra, no puede ser un buen transmisor. Además, si el comunicador es solamente un agente de confianza, sin prestar atención a sus capacidades técnicas y se ocupa este criterio, es como si se eligiera en una operación al compadre como cirujano porque es el de mayor confianza, en lugar de un médico especializado. Esto es un problema que vivimos desde hace varios años, que en puestos de comunicación, se cree, que con una persona de confianza es suficiente y me parece, que eso es lo que ha venido deteriorando la comunicación. Lo que se requiere es más gente capacitada y técnicamente preparada.

-H.E. ¿Cuál es su apreciación sobre las nuevas generaciones de periodistas y comunicadores?

-A.M. Yo los prevendría del camino fácil de la investigación, ahora entre los jóvenes periodistas se habla de aquellos cuya fuente de información es Google principalmente… “lo que no está en la red, no es reportable” y la vida está fuera de la red también, a ras de piso, no en la web. La alerta para los jóvenes es no perder contacto con la realidad, si bien a quienes afirman que “lo que no está en la red, no existe”, también hay una frase que dice que “Los medios de comunicación deben ser el reflejo de la sociedad”, no el reflejo de la red. Incluso, el fenómeno de la “viralización”, es que un fenómeno que toma importancia en el momento que se “viraliza” y es tomado como referente, en los medios de comunicación.

Creo que, si el reportero no pierde ese sentido de la búsqueda de la realidad, no solo la de la red, sino la real, esto daría una visión más amplia de la información, no en la comodidad de la computadora, sino salir a la calle, porque existen muchos que viven ajenos a la web y a este sector, ¿quién los va a informar o va a hablar de ellos?

-H.E. ¿Sus pasiones o hobbies?

-A.M. Mi pasión, el trabajo. También me agrada la práctica de los deportes, el cultivo del espíritu a través de las artes de todo tipo, el ir aprendiendo cada vez más a lo largo de la vida, no solamente en la cantidad sino en el fenómeno de la calidad y eso tiene que ver con la pintura, escultura, música, literatura por supuesto y con el cine.

-H.E. ¿Existe alguna manifestación artística que más consuma más que otra?

-A.M. He pertenecido por épocas a actividades culturales, por eso hablaba de que la experiencia del arte, más allá de que un reportero siempre aspira a escribir de manera artística y de que se convierta su trabajo de alguna manera en literatura, aunque respetando el género del periodismo en comparación con la literatura y que solamente García Márquez, lo ha logrado.

Algunas actividades artísticas que he realizado, como por ejemplo tomar fotografías y te comparto: cuando trabajé en Presidencia, recorrí el país en helicóptero, prácticamente todos los estados, entonces formé una colección de fotografías aéreas del país, que después, cuando salió el libro de un autor francés que recorrió El mundo visto desde el cielo, que es el nombre del libro, pues me dije: ese es talento, no que yo tengo las fotografías en negativos tomadas en el desierto, mar, montaña y en toda la geografía nacional desde el helicóptero, pero no tuve la capacidad de crear un libro con el concepto de México visto desde el cielo, que hubiera sido algo verdaderamente grandioso. De igual manera, cuando incursiono de manera un poco accidental en el mundo de la música, al participar en un coro, en el momento en el que tienes la oportunidad de formar parte en una obra monumental coral, como la “Octava Sinfonía” de Gustav Mahler, te puedes dar cuenta del valor personal que te da la búsqueda de la experiencia del arte.

En materia artística soy ecléctico. Me encanta la experiencia nueva y sé que cuando arriesgas, te puedes llevar grandes deleites o también… grandes decepciones, lo mismo ocurre con el cine, música, literatura y en todas las bellas artes, así que no tengo una actividad específica a la que le destine más tiempo. Me gusta mucho ir al cine, visitar museos, admirar pinturas, esculturas o la arquitectura, ya que si uno va por la calle, ve tanto la belleza, como también la fealdad de las cosas y así procura uno también, ser equilibrado en términos de lo que ves, oyes o comes… hay un fenómeno que yo le llamo el “refinamiento”, el “refinamiento” tiene que ver con una conducta y una actitud por hacer algo mejor, por ejemplo en la comida, sí yo puedo refinarme a través de un ejercicio de autodisciplina, me voy refinando y como mejor, visto mejor, veo cosas que me enriquezcan, no perdiendo el tiempo en ver cosas que debo rechazar, porque no me aportan nada, yo le llamo a esa información: chatarra, existe muchísima información chatarra, de úsese y no sirve para nada, no nutre, no enriquece. Así que procuro consumir cosas y experiencias enriquecedoras, tanto en mi vida personal como en la profesional.

-H.E. Recomiéndenos un libro, una canción y una película

-A.M. Un libro, hay muchísimos libros, pero un libro que me gusta muchísimo es El hombre que amaba a los perros, novela con rigor histórico que narra la persecución de León Trotsky por el mundo… y que desde mi punto de vista, es una gran historia de una parte muy importante del siglo XX, no solamente la persecución de Trotsky, además narrada con una gran maestría por el escritor cubano Leonardo Padura y que es un gran, gran libro.

De música, pues hay tal cantidad de música, que decir solamente una pieza, se me hace tan limitativo, por supuesto, la primera que se me viene a la cabeza es la Novena de Beethoven, pero si uno escucha, vas aprendiendo a conocer a otros autores y a valorar su aportación a la música, así que yo no me llevaría solamente la Novena de Beethoven a una isla, me llevaría más bien a autores, autores completos, ¿de qué siglo?, bueno, por supuesto del XVI, XVII, XVIII, XIX y como dejar a los Beatles en el XX.

Respecto al cine… la trilogía del Padrino, pero también existen muchas películas, como El ladrón de bicicletas, toda la filmografía de Alain Delon, incluso tendríamos que seleccionar por países, ¿de qué país?, ¿italiano, francés, alemán, inglés? o de ¿Hollywood?, que también cuenta con una cantidad de obras memorables en su filmografía. En estilos, hay películas rosas que me encantan, como una película francesa  que se tradujo en algo así como Los niños del coro, que me encanta y tal vez ahí demuestro mis aficiones personales acerca de la música coral.

-H.E. ¿Cuáles son sus destinos favoritos internacionales, en México y en la capital?

-A.M. En la capital mexicana, el barrio del Jardín de San Fernando o el Panteón de San Fernando y la experiencia del Centro de la Ciudad, no referido solamente al valor artístico del primer cuadro, sino la colonia Guerrero y el propio Panteón, donde está toda la cuna de los personajes del siglo XIX, esa es una zona que disfruto muchísimo recorrer, ver y admirar toda su arquitectura, así como las experiencias que se transmiten en esa parte de la ciudad, que por cierto, por ahí está el Museo de San Carlos, muy recomendable. Los barrios de la Ciudad de México son incontables, recorrer el Centro, Coyoacán, el centro de Tlalpan o de San Ángel, pero como despreciar la experiencia de La Villa… en fin, creo que hay muchos lugares de la ciudad que se pueden visitar.

A nivel nacional, por ¿dónde empezamos? por ¿Puebla, Michoacán, Yucatán, Mérida, Campeche, Veracruz? Es decir, hay tanta riqueza nacional en arquitectura, gastronomía, en lugares naturales para visitar, yo por ejemplo tuve la oportunidad de subir al Popocatépetl, Iztaccíhuatl o el Nevado de Toluca hasta la cumbre, porque practiqué durante algún tiempo con mis hijos el alpinismo, y tuve la oportunidad de estar en la boca del cráter del Popocatépetl, ahora ya es imposible.

Del mundo… es poco lo mismo, hay tantos… parte de un sueño que tenemos mi esposa y yo, es que tuviéramos la oportunidad de vivir en lugares donde nos guste, por lo menos dos meses en nuestras vidas, cómo no decir que me encantaría vivir dos meses en Venecia, Florencia, Roma, París, Londres, en Moscú, China, o como no pensar por ejemplo en Asia… Asia es impresionante, muy impresionante, no solamente China, aunque este país es imprescindible en la actualidad, cualquier persona que quiera ver dónde está la modernidad tiene que estar en Shanghái, es una ciudad verdaderamente espectacular… por supuesto los pueblitos franceses, holandeses, belgas, que son un encanto y he tenido la oportunidad de estar en pueblos de Francia no un día, varios días y definitivamente, quieres vivir ahí… en fin.

Moisés Sánchez Limón… amante del reportaje y de lo femenil

-Homo Espacios (H.E.) ¿Cuál considera que es el verdadero “cáncer” del periodismo actual?

-Moisés Sánchez Limón (M.S.L.) La competencia de mercenarios del periodismo, los delincuentes que han desprestigiado al gremio, sumado a la falta de respeto del poder público a su ejercicio y la ausencia de oportunidades, es decir, el desempleo. Mata las ilusiones lentamente y termina por ahuyentar a los periodistas enviándolos a otras tareas.

-H.E. ¿Qué elementos o cualidades debe poseer un buen reportero?

-M.S.L. Vocación, olfato, agudo sentido común y dotes de poeta franciscano, escritor en potencia y, sobre todo, humildad.

-H.E. ¿Cuál considera que son las ventajas y desventajas de los medios digitales?

-M.S.L. Una ventaja es el enorme espectro de lectores; la desventaja es que la inmensa mayoría de lo que se publica carece de contenido. Se redacta mecánicamente en la computadora y se deshumaniza.

-H.E. ¿Qué opina sobre las llamadas redes sociales?

-M.S.L. Arma de dos filos. Herramienta de difusión a la velocidad de la luz pero igualmente de veloz en la carrera de mentir y escribir de supuestos.

-H.E. Coménteme ¿Cuáles son sus pasiones?

-M.S.L. Las mujeres, la lectura, una buena crónica, elaborar un reportaje, la pintura, la cocina y los buenos tragos. Todo se conjuga; la decepción te lleva al sentimiento y la lágrima de dolor de amor, de ése que destroza el corazón pero se cura junto con la cruda.

-H.E. En materia turística ¿qué destinos internacionales, nacionales y capitalinos son sus favoritos?

-M.S.L. Budapest, Hungría; San Francisco, California; mi pueblo, San Lorenzo Chiautzingo, Puebla; Nueva York y Milpa Alta, aunque ésta última queda requeté lejos en las faldas de la Sierra del Chichinautzin que, desde el oriente atestigua la vida del Valle de México.

-H.E. Recomiéndenos un libro, una canción y una película

-M.S.L. Uno de mis favoritos: Pedro Páramo; una de mis canciones de dolor: Desesperanza. Una película: Los Miserables.

Víctor Manuel Juárez… un rockero deportista

-Homo Espacios (H.E.) ¿Cuál es su opinión sobre la televisión que se realiza actualmente en México?

-Víctor Manuel Juárez (V.M.J.) La televisión comercial del país es prácticamente intolerable, empero, la televisión cultural que se hace es de muy buena calidad, y no porque trabaje para TV UNAM, el canal cultural de los universitarios… hemos realizado producciones y coproducciones a la altura de lo que hacen las grandes cadenas como la BBC de Londres, National Geographic o Discovery y eso que somos la televisora con menos recursos económicos, imagínate si tuviésemos la cantidad de dinero que gasta Televisa o Tv Azteca, haríamos prodigios de series y programas, pero éste país… está reñido con la cultura y el arte.

-H.E. ¿A qué periodistas admira y por qué?

-V.M.J. Admiro profundamente a dos: Julio Scherer por su tenacidad, su espíritu indomable, así como su compromiso con el periodismo crítico y comprometido; pero también admiro profundamente la gigantesca y genial tarea de Manuel Becerra Acosta, por su incomparable obra en el unomásuno… de donde emerge, sin duda, el nuevo periodismo en el país.

-H.E. ¿Considera que el verdadero periodismo se está perdiendo? y ¿por qué?

-V.M.J. Ya no hay muchos reporteros-reportero como los de antes, ya no se cultivan los géneros periodísticos en la mayoría de los medios impresos y electrónicos, existen muy pocos compañeros que van a las brechas, terracerías, los lugares más recónditos para buscar historias propias, son contados con los dedos de una mano los medios independientes que hacen su tarea social bien y que cumplen a cabalidad con sus lectores. La mayoría de los dueños de los medios son empresarios, no periodistas y están llenos de compromisos e intereses. El periodismo de investigación es incómodo y el poder se ha encargado de silenciarlo… pero es una lucha que se debe dar.

 -H.E. ¿Qué les falta a las nuevas generaciones de reporteros?

-V.M.J. Reportear, reportear y reportear.

-H.E. ¿Cuáles son sus pasiones y hobbies?

-V.M.J. Mi pasión mayúscula: mi nieto. Mis hobbies: el tenis y el rock & roll.

-H.E. Platíquenos acerca de su melomanía rockera

-V.M.J. Que te puedo decir, desde la primera vez que oí los acordes de un rock, me puse muy eufórico y empecé a bailar como loquito, luego descubrí a los Rolling Stones y me dije… es mi música, tengo toda su discografía, he ido a cuanto concierto de los Stones he tenido a la mano y así los fui a ver a Rotterdam en Holanda, a todos los que han tocado aquí y espero ir a verlos a San Diego, California próximamente, aunque también me encantan The Beatles, Pink Floyd, Let Zeppelin, Yes, Guns & Roses, Aerosmith, Joe Cocquer, Jenis Joplin o The Doors.

-H.E. Recomiéndenos algún destino turístico internacional, nacional y capitalino

-V.M.J. Soy totalmente Puerto Escondido, voy todos los inviernos para allá.

-H.E. ¿Cuál es su libro, canción y película favorita?

-V.M.J. Libro: 100 años de soledad y Noticias del Imperio. Canción: “Simpatía por el diablo” y el “Blues Cosmic”. Película: Soy fan del género ciencia ficción y de las épicas… me quedaría con Alejandro Magno y Troya.

Estimados homoespacieros, les comparto algunos medios de contacto de nuestros… apasionados por la comunicación:

Abelardo Martín Miranda (Twitter): @AMARTINM2013

Moisés Sánchez Limón (Facebook y Twitter): https://www.facebook.com/moisessl3?fref=ts  / @msanchezlimon

Víctor Manuel Juárez (Facebook): https://www.facebook.com/juarez.victormanuel?fref=ts

Amigos, los invitamos a que visiten www.homoespacios.com así como a escuchar las cápsulas homoespacieras dentro del programa “La otra frecuencia” en Radiorama 1530 AM, todos los miércoles de 20:00 a 21:00 horas y los lunes por la misma frecuencia Homo Espacios en vivo dentro del programa “Yo Campesino”. Pueden contactarme  a través de:

E-mail: glen@homoespacios.comhomoespacios@gmail.com

Twitter: @HomoEspacios / @glenrod85 

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YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCEqcZzyiOGLoUyw5Jd__H-A

 

 

18-May-2015

Tres maestros del periodismo, para nuestra tercera edición sobre el apasionado oficio informativo, que con su trayectoria y opiniones serán la nota en este artículo homoespaciero, ya sea la adhesión de un reportero por la letra con sentido y la capacidad de asombro detrás de una noticia, la lucha de un creativo de la televisión por realizar contenidos de calidad o la vasta experiencia profesional y humana de un destacado comunicador… a ras de piso, entre otras emociones reporteriles, anécdotas no descritas de un reportaje, entrevistas en medio de guerrillas, crónicas anunciadas en primera plana y algunos gustos secretos, de esos... que inspiran y nutren al interno.

El compadrazgo, la convencía y el precio que algunos directivos le ponen a su medio, tal parece que son la línea editorial o de contenidos para la influyente desinformación que nos rodea, mientras que aquellos osados reporteros que investigan, entrevistan y entregan con ahínco su vida al oficio… viven con los bolsillos rotos, zapatos desgastados, acallados tarde o temprano por atreverse a informar y no digo solo en materia política, en muchos ámbitos suceden estas iniquidades; un ejemplo, son aquellas agencias de “relaciones públicas”, que usan el trabajo del periodista para justificar su “destacada labor” ante las instituciones y así lucrar con las publicaciones de los verdaderos autores, en fin, como dicen: “nunca se sabe para quién se trabaja”.

Lejos de esa contaminación mediática, se encuentra la verdadera nota… la de los emancipados, obstinados por realizar algún reportaje que valga la pena, esos locos seducidos por descubrir lo auténtico, muchos dejan su investigación a causa de un cobarde y anónimo balazo. Muy doloroso resulta ver cómo desaparecen estos voceros del pueblo, mientras que el titiritero mueve sus hilos invisibles… y el gremio, se viste de negro.

Por su parte, la pasión detrás de los ecos de un teclado de computadora, la adrenalina que produce una cabina de radio o el reflejo sugestivo del lente de alguna cámara, contiene una fascinación tan profunda, es como regodearse al acariciar lentamente una piel femenina, la cual, para muchos reporteros… es un poderoso recurso periodístico.

Bajo este marco, llegamos a la tercera edición de los Homoespacieros, tres apasionados por la comunicación que nos compartirán sus inicios como reporteros, algunas de sus vivencias, conceptos sobre el periodismo actual… y sus principales aficiones.

Abelardo Martín: Comunicador “a ras de piso”

El verdadero significado de la palabra humildad, la sabia humanidad de su trato y su vasto conocimiento en materia periodística, es parte de la grandeza del actual Coordinador General de Comunicación Social de la Secretaría de Agricultura, Ganadería, Desarrollo Rural, Pesca y Alimentación (SAGARPA). Abelardo Martín Miranda, inició como reportero en Radio Noticias El Heraldo, donde incluso a finales de los años sesenta, procesó y envío por télex los servicios informativos para radio y televisión a nivel nacional. Se desarrolló como periodista en medios como El Heraldo de México, Ultimas Noticias, Excélsior, Proceso, El Sol de México y fue uno de los fundadores en aquel unomásuno de finales de los setenta; ha ocupado cargos en las direcciones de Comunicación Social de varias dependencias como en la Suprema Corte de Justicia de la Nación, Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Secretaría de Economía, Instituto Federal Electoral, Secretaría de Salud; Director de Información en Presidencia de la República durante del sexenio de Ernesto Zedillo Ponce de León; Director de Enlace, así como de Comercialización en Grupo Milenio; Director General de la Agencia AMART, Soluciones Comunicación, A.C e integrante de la Junta de Gobierno de Notimex, entre otros.

-Homo Espacios (H.E.) ¿Cómo fueron sus inicios en el periodismo y de qué forma se realizaba?

-Abelardo Martín (A.M.) Mis comienzos fueron en la Agencia de Radio el Heraldo, donde a finales de los sesenta, los noticieros se leían, no había testimonios en vivo o lo que llaman ahora en los guiones de radio y televisión o los insertos de entrevistas o de discursos, sino que, el noticiero de radio era una concepción del periódico o una síntesis de periódico, leída o transmitida a través de la radio. Las herramientas informativas eran los telegramas, los testimonios de los propios reporteros y de los servicios de las agencias nacionales o internacionales que existían en aquel tiempo.

Entonces, este tipo de periodismo destacaba: la información de carácter general, que se refiere a las noticias de política; después las notas deportivas y finalmente las de espectáculos, los acontecimientos sociales y de chismes no eran tan atendidos, como lo son ahora. Desde mi punto de vista, la información se ha venido abaratando, esto significa que producimos mucha información que no enriquece o no te informa auténticamente, sino que se trata de contenidos completamente desechables, es decir, a mí me da lo mismo que si fulanito(a) hagan de sus vidas privadas lo que quieran, esto corresponde al ámbito de sus vidas privadas.

Lo que veo también, es que a partir de los cambios tecnológicos, el periodismo ha venido transformándose y en este punto, lo que necesitamos entender, así como comprender, es la velocidad de la transmisión a la que se hacen las comunicaciones. En mis tiempos, cuando yo iniciaba, la velocidad era la de un teletipo, que producía 800 noticias al día, ahora la misma cantidad se produce en un segundo. Entonces, no hemos entendido que la velocidad de la transmisión modificó la oferta-demanda de contenidos informativos, por eso, ahora vemos tantas repeticiones de noticias, hasta que me las aprenda de memoria, cuando de lo que se trata es que la información periodística debe ser variada, oportuna, interesante y rica en contenido.

Los géneros periodísticos ya no se cultivan como se hacía en aquel tiempo. Los cinco géneros: noticia, entrevista, crónica, artículo de opinión y reportaje, son válidos para cualquier medio de comunicación tradicional o actual. El problema hoy, es que, ya no desarrollamos estos grandes géneros, existe una carencia de investigación de fondo o profundidad y esto es lo que está faltando en la gran mayoría de los medios actuales, porque ese tipo de información requiere mayor inversión. Es decir, si uno necesita hacer un reportaje de investigación, se tiene que destinar un reportero de buena calidad, que le dedique semanas o incluso meses a una investigación y en la actualidad nos conformamos con lo que va ocurriendo, aunque lo maneje todo el mundo, pero se usa la misma información porque tal parece que da lo mismo.

A mí siempre me interesó la cara oculta de la información, el sitio donde se produce y quién o quiénes la están realizando, cómo se gestan las noticias, porque mucha información no son acontecimientos que broten por si solos, sino que siempre hay un antecedente… algo detrás, esa parte siempre me llamó la atención. Además, yo encontré que era una veta para mi desarrollo profesional, en aquel tiempo como reportero, el estar del otro lado, en el área de Comunicación Social, en donde se genera y se distribuye la información de las instituciones públicas, privadas o sociales.

-H.E. ¿Cuáles son las similitudes y diferencias entre el periodismo y la comunicación social?

-A.M.M. Toda entidad, como toda persona, necesita herramientas de comunicación, y en el caso de las instituciones, una de las fallas en la comunicación, es que no se produce la información suficiente y oportuna que se demanda por parte de los medios actuales, ya que si éstos son instantáneos en publicar sus contenidos, la información que deben producir las instituciones debiera ser instantánea. Sin embargo, seguimos utilizando los criterios de los periódicos, es decir, la edición del día siguiente, cuando en este momento deberíamos estar preocupados y ocupados realizando contenidos informativos al instante, ¿cuántos?, eso depende de los tipos de audiencia a los que pretendamos llegar.

Así que, mi vínculo entre el periodismo y la comunicación tiene que ver con la parte oculta de la información, ya que la información es la materia prima tanto del periodista o de los medios de comunicación, como del área de comunicación social en cualquier institución, con una diferencia muy clara. Voy a darte un ejemplo: un periodista es como una pared de frontenis, si tu lanzas una pelota fuerte se regresa prácticamente con la misma fuerza, es decir, el medio de comunicación es como una pared que rebota hacia sus audiencias la información que el emisor envió a esa pared o medio; en cambio, un comunicador, esa misma información, la debe convertir en una estrategia de comunicación en beneficio de su institución.

-H.E. Respecto a periodistas destacados… a ¿cuáles admira?

-A.M.M. He contado con el privilegio de compartir redacciones y amistad con los principales periodistas de México de los últimos cincuenta años, desde Julio Scherer García, hasta Joaquín López Dóriga, aunque en el caso de Joaquín, es un precoz periodista multimedia, porque desde los inicios de los setentas realizó radio, prensa escrita y televisión. Por su parte, la gran trayectoria de Julio Scherer no se puede omitir, siempre comprometido con la noticia y la información independiente. Aunque existen muchos dueños de medios, columnistas y líderes de opinión, que han aportado mucho al periodismo.

Moisés Sánchez Limón: Un señor periodista

Licenciado en Periodismo y Comunicación Colectiva por la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la Universidad Nacional Autónoma de México, Moisés Sánchez Limón es un Señor periodista en todos los sentidos, amigo incondicional y uno de los mejores ejemplos de lo que es un verdadero reportero. En su vida profesional destaca el ser miembro fundador de la Federación Latinoamericana de Periodistas (FELAP), representante del Sindicato Nacional de Redactores de la Prensa ante el Congreso del Trabajo, Director de la Revista Impacto, Fundador del diario La Crónica de Hoy; reportero de periódicos como Cadena Avance, El Universal y El Universal Gráfico; asesor de prensa del Sindicato Único de Trabajadores de la Industria Nuclear, así como de diversos funcionarios, diputados, candidatos y gobernadores; comentarista de radio en distintos periodos de su vida profesional y actualmente es Director General del diario digital Entresemana, así como líder de la firma de periodistas Vanguardia Digital.

-Homo Espacios (H.E.) ¿Qué significa para usted ser un reportero?

-Moisés Sánchez Limón (M.S.L.) Privilegio y satisfacción de vida; la congruencia entre la vocación y las metas personales. Sólo quienes llegamos a la práctica de este oficio con vocación, sabemos qué enorme significado tiene lo que se denomina “La Rueda de la Fortuna”. Más allá de la propia definición de reportero que implica recolectar información y procesarla en la redacción, es como una misión franciscana de contrastes y paradojas, de un día ser Premio Pulitzer y, al siguiente, el más idiota de los periodistas porque perdió la nota del día.

-H.E. ¿Cuándo y cómo comenzó en el periodismo?

-M.S.L. Un día de julio de 1974, cuando decidí que mi vida debía girar en torno del periodismo y que de éste y para éste debía vivir; corté amarras de otras opciones y me lancé al Océano de esta profesión-oficio que conjuga todos los estados de ánimo del ser humano y resume los yerros de los mortales cuando se tiene olfato y capacidad de asombro. Comencé como “free lance” expuesto al robo de mis trabajos por editores y directivos periodísticos carroñeros que aprovechan la buena disposición de los jóvenes periodistas en ciernes. Reportero de la revista Cartelera, luego en la revista Enfoque.

-H.E. ¿A quiénes considera usted maestros del periodismo y por qué?

-M.S.L. Dos amigos tocayos. Roberto Hernández Hinojosa, mi maestro hasta en el arte de saber degustar unos tragos y ponerse como placa de tráiler sin perder el estilo; mi maestro de experiencias de vida, de quien aprendí que de nada vale arrepentirse porque los errores deben ser experiencias, y los arrepentimientos nada solucionan.

De Roberto Rodríguez Baños la congruencia ideológica, la rectitud en el trabajo y la congruencia de vida; me dio lecciones para cultivarme y nunca quedarme tendido cuando un revés de la vida me golpea.

Mi jefe Roberto Hernández Hinojosa atendió hace años la orden de trabajo y se fue a reportear a aquellas fuentes que son denominadas de diversa manera: Edén, Gloria, Cielo y etcétera y etcétera.

-H.E. Si tuviera que elegir dos anécdotas que lo marcaron en su vida profesional ¿Cuáles serían?

-M.S.L. La cobertura de la primera visita del Papa Juan Pablo II en enero de 1979 y la entrevista a Fidel Velázquez Sánchez en 1984.

-H.E. ¿Qué opinión tiene acerca del periodismo que se realiza actualmente?

-M.S.L. Dicen los clásicos y aquellos que pretenden quedar bien y no pisar callos, que cada tiempo tuvo su brillo especial. Sin duda; pero hoy galopan los reporteros incultos que hacen periodismo inculto para lectores incultos en una sociedad inculta que sólo lee periódicos porque éstos sirven para envolver al pescado, la carne para los canes y cubrir el piso para no mancharlo de pintura en los días de asueto. Son reporteros Kleenex, los usan y desechan.

Víctor Manuel Juárez: reportero entre guerrillas y la libertad expresión

Orgullosamente U.N.A.M., el periodista Víctor Manuel Juárez vivió el proceso de la lucha por la libertad de expresión, en los obscuros tiempos del gobierno de Luis Echeverría; formó parte del nuevo periodismo mexicano con la aparición de dos medios que revolucionaron el acontecer político y social del país; cubrir guerrillas en Centro y Sudamérica; así como desarrollar distintos proyectos para TV U.N.A.M, entre los que destacan un serial sobre la historia del Futbol Americano en México, el cual se puede adquirir en esta televisora y en donde actualmente ocupa el cargo de subdirector de Difusión.

-Homo Espacios (H.E.) ¿Qué representa el periodismo en la vida de Víctor Manuel Juárez?

-Víctor Manuel Juárez (V.M.J.) El periodismo es el todo para mí. De eso he vivido, vivo y viviré. Puedo decir que me inicie desde muy chico, cuando acompañaba a trabajar a mi padre los domingos. Él era jefe de fotograbado en Excélsior y cuando iba con él, me hacía entrar por la puerta de Reforma 18 para pasar por la redacción donde se encontraban las grandes figuras del reporterismo nacional. Uno a uno me los iba nombrando y detallaba sus cualidades. Ahí veía a los grandes reporteros firmar sus notas desde lugares lejanos y desde entonces me dije: yo quiero ser como ellos.

Pasado el tiempo ingresé a la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM donde cursé la carrera de Ciencias de la Comunicación y Periodismo. Nosotros, los estudiantes le decíamos ciencias ocultas y esotéricas. Ahí tuve la enorme fortuna de tener maestros prodigiosos tales como: Hugo Gutiérrez Vega, Gustavo Sainz, Fernando Benítez, Froylán López Narváez, Jorge Calvimontes y tantos más que me dieron  luz y muchas horas de lectura.

Tiempo después, cuando yo iba a media carrera y jugaba al Futbol Americano, en la categoría Intermedia con el equipo de los Cherokees, mi padre tuvo la idea de meterme a trabajar y dejarme sin mesada. Ingresé entonces a Excélsior en calidad de ayudante de la redacción y pude conocer de cerca a todos aquellos reporteros que yo admiraba. El gran diario de la vida nacional era dirigido por dos genios y de inmediato al conocerlos me dije “de aquí soy”: Julio Scherer García, director y Manuel Becerra Acosta, subdirector. Mi proceso como ayudante fue duro, tan duro que debí de dejar una de mis grandes pasiones, el Futbol Americano y hasta la novia me cortó, pues debía cumplir jornadas maratónicas.

Para el 8 de julio de 1976, fecha simbólica en el periodismo nacional, pues Luis Echeverría culminaba su embestida contra Excélsior, sus periodistas y reporteros, que le eran totalmente incomodos, yo ya reporteaba la fuente policiaca para la Primera de Noticias y empezaba a dar mis pasos firmes en mi objetivo de ser reportero. Dejamos el diario, fuimos arrojados a la calle violentamente y el patrimonio de Paseos de Taxqueña quedaba en riesgo. Mi padre, cooperativista retirado, dejó de hablarme seis meses por haberme salido y no pensar en el patrimonio familiar. Yo elevaba orgulloso la bandera de la libertad de prensa y expresión con las que acompañe a Julio y a Manuel… me fui con ellos a lo incierto, pues no sabíamos que íbamos a hacer y mucho menos a suceder.

Lo sucedido fue la primera gran gesta del periodismo nacional en los tiempos modernos. Paradójicamente del golpe a Excélsior y con el que el poder presidencial pensaba acallar para siempre a las voces libres, nacieron dos publicaciones emblemáticas y que cambiaron por completo el periodismo nacional. Nací, así, el nuevo periodismo en México de la mano de Proceso con Julio Scherer y el Unomásuno con Manuel Becerra Acosta. Publicaciones emblemáticas de las cuales soy fundador y me siento muy honrado y orgulloso.

Mi paso por Proceso fue corto, menos de un año donde mi trabajo y avance era difícil de ver, ya que el semanario estaba prácticamente reservado para las plumas fuertes y de gran calidad. Mientras que en el Unomásuno estuve 14 años, empecé como reportero de deportes, ya sabes el Americano y el Tenis, mis pasiones deportivas; luego pasé a información general donde cubrí diversas fuentes hasta llegar a cubrir Presidencia de la República en el sexenio de Miguel de la Madrid y el primer año de gobierno de Salinas de Gortari. Fui el reportero más joven en ir a cubrir la guerra de Nicaragua, tenía apenas 22 años y mi carrera empezaba a fraguarse. Llegué a ser subdirector de Información del diario, reportero de asuntos especiales, corresponsal de guerra y llegué a cubrir eventos en casi todas partes del orbe.

A la salida del Unomásuno, por presiones del gobierno de Salinas de Gortari y a los pocos meses de que el mismo Salinas desterrara a Manuel Becerra Acosta del país, Abraham Zabludovsky me contrató para ser el reportero de asuntos especiales de la revista Época, dónde seguí cubriendo asuntos de gran calado periodístico, como lo fueron los golpes de Estado en Venezuela o la guerra en los Altos de Chiapas.

A finales de 1997 hice mi última cobertura especial y me corte la coleta para dedicarme a la Comunicación Social en mi amada Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

-H.E. Como corresponsal de guerra ¿qué experiencia fue la más fuerte que vivió?

-V.M.J. La guerra misma. Hay mucho dolor, sufrimiento. Ver morir gente querida. Involucrarte con la gente del país que sufre la guerra y ver su agonía diaria. La muerte no es bella así sea muy heroica. Me dejó marcado de por vida la cobertura de la guerra de Nicaragua, muchas ocasiones pensé que no saldría ileso de ahí; pero también me han influido mucho las guerras de El Salvador, la de baja intensidad en Guatemala, los golpes de Estado en Venezuela. No hay un momento en especial, tal vez muy emotivo en Guazapa, El Salvador, cuando toda una columna guerrillera nos despidió con honores a mi compañero Dante Bucio y a mí, luego de estar cerca de una semana con ellos en sus posiciones de combate y aguantando fuego aéreo. Fue impresionante ver sus caras llenas de decisión por continuar con su lucha por la libertad.

Estimados lectores, les comparto algunos enlaces sobre nuestros apasionados por la comunicación y los invitamos a leer la siguiente semana la última entrega de los Homoespacieros III:

-Abelardo Martín Miranda (Entrevista). http://istmo.mx/2014/10/la-comunicacion-institucional-necesita-generar-contenidos-de-calidad/

-Moisés Sánchez Limón (Entresemana). http://www.entresemana.mx/ 

-Víctor Manuel Juárez (Reseña). http://aunamnoticias.blogspot.mx/2013/03/victor-manuel-juarez-periodista-puma.html

Amigos, los invitamos a que visiten www.homoespacios.com así como a escuchar las cápsulas homoespacieras dentro del programa “La otra frecuencia” en Radiorama 1530 AM, todos los miércoles de 20:00 a 21:00 horas y los lunes por la misma frecuencia Homo Espacios en vivo dentro del programa “Yo Campesino”. Pueden contactarme  a través de:

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10-May-2015

Nueva sección homoespaciera, donde realizamos un pequeño homenaje entintado a aquellos íconos musicales de nuestro país, Maestros de la lírica… ellos, los compositores del sentimiento mexicano, que para esta primera entrega, el frenesí por el bolero será interpretado por dos pianistas que surgen en la misma época romántica. El primero, es uno de los compositores más representativos de México, sus canciones se han interpretado en todos los continentes, la cúspide de sus femeniles conquistas fue la principal diva del Cine de Oro mexicano, le cantó a España sin conocer las tierras ibéricas, su genialidad melómana abarca más de 700 temas, la marca de una mujer en su rostro y sus orígenes, así como muchos otros datos, son tanto discutidos como desconocidos. Nuestro segundo bolerista, es un fino músico jalisciense, tocaba tres instrumentos musicales, famoso por realizar el tema “Vereda tropical”, musicalizó varias películas para Mario Moreno “Cantinflas”, compuso tres conciertos para piano y orquesta, se dio a conocer en la XEW a finales de los años veinte y fue uno de los fundadores de aquel Sindicato Mexicano de Autores, Compositores y Editores de Música (SMACEM).

Beethoven mencionaba que la música, era una imposición sonora que el compositor realizaba al público, algo hipnótico, ya que el que la escucha no tiene elección… este poder del arte sonoro surge en la inspiración del autor y su significado, en el momento que está viviendo. Es así como un literato disfraza entre líneas a sus personajes, un pintor interpreta en imágenes algo plasmado en su interno o el cineasta que en un film hace real su ficción. Al final, en el fondo… el artista algo oculta y guarda de su obra, algo que solo sea para él, aunque todos puedan admirar su creación.

Mientras que “Si el bolero tuviera palabras…”, fue el título de nuestro primer atrevimiento textual para ese sensual, nostálgico, meloso y exquisito ritmo, que se adentra para arrancar suspiros o tal vez… alguna lágrima furtiva. En aquel artículo homoespaciero, hablamos sobre sus umbrales arrabaleros en Santiago de Cuba,  “Me entristeces, mujer” o “Tristeza”, primer bolero instituido en 1883 por el Maestro Pepe Sánchez, entre otros datos de la evolución de este género melódico y algunos compositores destacados.

Ahora… nuevamente me embelesa la oportunidad de describir esta pasión sonora, ya que lo he escuchado y apreciado toda mi vida, los primeros recuerdos de infancia fueron entre tertulias periodísticas orquestadas con boleros, amante de la música con alma, de letras que son poemas, el gozo lírico de un bolero, que agita las emociones de aquellos que cuentan con sensibilidad. Disfrutarlo, es como probar la boca de esa fémina que nos ha sido “imposible” alcanzar, saborear un recuerdo tan íntimo que nos estremece y que “nadie” lo puede borrar, dejar que la “incertidumbre” nos envuelva de deseo y que el “temor” se aleje entre caricias... así, con el sonido de dos pianos, entre las composiciones de Agustín Lara y Gonzalo Curiel.

 

 

 

Agustín Lara, el Rey del bolero

“Su bohemia, disipación, amor sin límites, pasiones sin esperanza. Aún más, trazas de su oscuro y licencioso pasado fueron percibidos mediante su cultivada imagen como la de un desdichado e indefenso cantor de prostitutas, un dandy y un frágil poeta. Fue un personaje único que hizo de la cursilería su vínculo con el mundo, un ser enormemente pintoresco, cuya cúspide adquisitiva se llama María Félix…”  

Carlos Monsiváis

Veracruz, la Ciudad de México, y hasta Puebla, reclaman ser el lugar de nacimiento del “Flaco de oro”, el año también se discute si fue en 1897, 1900 o 1901. Algunos documentos oficiales dan fe de que Ángel Agustín María Carlos Fausto Mariano Alfonso del Sagrado Corazón de Jesús Lara y Aguirre del Pino, fue registrado en el Distrito Federal, pero Agustín Lara siempre se declaró veracruzano, y no culpo al Maestro, ya que las tierras jarochas poseen una belleza única, así que su origen seguirá siendo un enigma.

Lo cierto es que Tlacotalpan, Veracruz, fue el edén de sus años de infancia y la Ciudad de México, el sitio de su inspiración arrabalera, metrópoli donde aprendiera a tocar el piano a los 7 años de edad -cuando vivía en la casa de Coyoacán de su tía Remedios-, abandonando a los 12 años sus estudios, para aprender la vida de los clubs nocturnos de inicios del siglo XX. El padre de Agustín, don Joaquín, al enterarse de sus parrandas y un supuesto robo realizado por el músico-poeta, decide enlistarlo en la Academia Militar, institución de la cual fue expulsado y como castigo en 1917, el señor Lara, lo manda a Durango a trabajar en los ferrocarriles. Incluso algunos cronistas afirman que participó en la Revolución Mexicana, donde sufrió lesiones en sus dos piernas, pero como ya lo habíamos mencionado, la vida del “Flaco de Oro” siempre fue un misterio.

En los años veinte, trabajó como pianista en varios bares y “sitios nocturnos”, donde se cree que recibió esa cicatriz tan característica de Lara, algunos biógrafos afirman que fue una prostituta, otros dicen que una corista, pero el hecho es que siempre provocó ese magnetismo hacia las féminas, el cual, el músico poeta, pagaba con canciones… y solo recordemos que se conocen 700 temas de su autoría.

Respecto a sus musas, dicen que se casó muchas veces. La primera esposa fue Esther Rivas Elorriaga con la que contrajo nupcias en 1917, aunque algunos afirman que fue Carmen "La Chata" Zozaya su primer mujer en 1939, a las que continuaron Angelina Bruchetta de ascendencia italiana en 1928 y amores… muchos amores, como Clarita Martínez, Yolanda Gasca "Gigi", Irma Palencia, una joven de 19 años llamada Vianey Lárraga, a quien le dio el apellido Lara a su hijo. Aunque existen dos mujeres que lo marcaron: la primera fue la diva del cine mexicano María Félix, con la cual se casa el 24 de diciembre de 1954, considerándose la pareja icónica de los años cincuenta y su última mujer, Yolanda Santacruz Gasca, quien muchos piensan que fue el amor de su vida y con la que cruzó sus últimos años, aunque su última esposa fue Rocío Durán, fémina con la que contrae matrimonio en 1965 en España y que terminó separándose en 1967.

Hablar de la vida profesional del Maestro Lara, es mencionar los años dorados de la radio mexicana, la XEW, donde tuvo programas como “La hora íntima de Agustín Lara” o su destacada participación en “La hora Azul” durante la década de los treinta, así como su participación fílmica en 30 rollos. Un ejemplo claro fue el sonorizar la primera película del cine mexicano, la afamada “Santa” (1931) y composiciones de gran valía a sus intérpretes como el “tenor de la voz de seda” Juan Arvizu, Toña la Negra o su compadre Pedro Vargas, por citar algunos de los principales artistas que tuvieron la suerte de estrenar sus canciones, convertidas en grandes éxitos de ayer de hoy y de siempre.

España y el arte taurino fue otra de sus fascinaciones. Temas como “Granada”, “Madrid”, “Españolerías”, “Silverio” y “Novillero” las realizó mucho tiempo antes de visitar por primera ocasión en 1964 el país peninsular, del cual fue muy galardonado.

El cancionero de Agustín Lara cuenta con varios ritmos, desde sones cubanos, valses, pasodobles, fox-trot, danzones, huapangos, guarachas, bambas, guajiras, tangos, hasta incluso algunos temas sincopados; sus primeros éxitos como “La prisionera” o “Imposible” en los años veinte ya mostraban su genialidad sentimental; composiciones como “Veracruz”, “Oración Caribe” o “Lamento jarocho” muestran su amor por los arenales veracruzanos; “María bonita” y “Humo en los ojos” para la diva María Félix, mejor llamada “La Mexicana” a nivel internacional, considerada como una de las diez mujeres más bellas del mundo en aquella época; “Pervertida”, “Aventurera” o “Cada noche un amor” que muestra esa preferencia por la mujer del arrabal, ese amor callejero que sabe a besos ajenos… a consuelo para corazones quebrantados; otras emotivas joyas como el sentimiento de abandono de “Por qué negar”, “Por qué ya no me quieres” o “Nadie”,  la dulzura de “Mujer” y “Solamente una vez” o la propuesta exquisita de “Piénsalo bien”.

¡Sí!, eso y mucho más es Agustín Lara… el ¡Rey del bolero! y para nuestro orgullo, Maestro mexicano que convirtió en canción lo que el interno clama, lo que se calla. Para entender sus letras es necesario involucrar al corazón, para escucharlo, tener un poco de sensibilidad y para interpretarlo, ser un apasionado de este meloso ritmo, el resto… solo son pretensiones.

El “Flaco de oro” dejó de existir el 6 de noviembre de 1970 y fue enterrado en la “Rotonda de las Personas Ilustres” del Panteón Dolores, pero sus éxitos han y esperemos sigan interpretándose en todo el mundo.

Gonzalo Curiel: elegancia en el sentimiento

“La música de Curiel es de una belleza sobrecogedora y “Vereda tropical” ha sido un tema que varios países latinoamericanos dicen ser los autores. Parece no importar saber que es de él, porque es parte de un patrimonio musical fundamental de México…”

Arturo Márquez

Oriundo de Guadalajara, Jalisco, Gonzalo Curiel Barba nace el 10 de enero de 1904. A los seis años aprendió a tocar el piano y tiempo después guitarra y violín.

En su etapa como universitario, su amor por la música fue acallado por la imposición de su padre, Juan Nepomuceno Curiel, quien lo obligó a estudiar medicina, aunque después de cuatro años, no puede más y se rebela ante los deseos de su progenitor, iniciando su carrera artística entre bares de la capital mexicana y a finales de los años veinte ingresa a la XEW como pianista, al realizar sus “pinitos” profesionales con el gran cantante y doctor Alfonso Ortiz Tirado en una gira por distintos países.

En los años treinta dirige las orquestas Ritarmelo (Ritmo, Armonía y melodía), Los diablos azules, Los caballeros de la armonía y el famoso Escuadrón del ritmo, reconocida agrupación por varios países latinoamericanos, para que tiempo después fundara la Orquesta de Gonzalo Curiel. Además dirigió las bandas sonoras de muchos filmes de “Cantinflas” como Soy un prófugo (1946) o A volar joven (1947), entre otras 180 cintas, así como la realización de tres conciertos para piano y orquesta, que solo son admirados por conocedores, ya que la poca difusión, un cierto desdén de algunas instituciones e incluso de la sociedad,  son el motivo de que éstas joyas se encuentren olvidadas.

Respecto a sus principales éxitos, “Vereda Tropical”, tema de la película Hombres de mar (1938), ha sido su composición más famosa, aunque existen canciones que mantienen una gran finura sentimental como “Temor”, “Incertidumbre” o “Sorpresa”, pero “Ya nada soy”, “Calla tristeza” o “Llévame”, también son una muestra del gran talento del Maestro.

El también llamado “Médico de almas”, falleció a los 54 años de edad, el 4 de julio de 1959 en la Ciudad de México.    

Estimados lectores de Homo Espacios, les comparto algunas canciones y enlaces sobre estos grandes compositores del bolero mexicano:

“Imposible”. https://youtu.be/BbavurOqDV8

“Por qué negar”. https://youtu.be/fcglq_3zIbY

“Pervertida”. https://youtu.be/YxbYXtOIphY

“Arráncame la vida”. https://youtu.be/T3G8tPlz3N8

La vida de Agustín Lara (1958).  https://youtu.be/62zOvwjEPvA

“Temor”. https://youtu.be/vqSde6AcBcQ

“Incertidumbre” y “Sorpresa”.  https://youtu.be/vvSfWhs3YFA

“Ya nada soy”, “Llévame” y “Calla”. https://youtu.be/hCQhPG-iTk8

“Vereda Tropical”. https://youtu.be/b-5C7d7aW_0

Biografía de Gonzalo Curiel. https://youtu.be/T4t9fF4T9IE

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04-May-2015

Tradiciones, culturas precolombinas, fiestas, gastronomía, edificaciones sacras del periodo colonial y zonas arqueológicas… entre lagos y lagunas, son algunos de los atributos de dos mágicos poblados michoacanos. El primero, es reconocido por su celebración de día de muertos, tierras tarascas que fueran protegidas por el peninsular “Tata Vasco” en el periodo virreinal, llamada la “Puerta del cielo”, que cuenta con siete islas en su distintivo lago, de las cuales, una de ellas la convirtiera en canción el músico-poeta Agustín Lara, la pirekua entre sus callejones y el trato gentil de su gente. Nuestro segundo destino es un centro cultural para distintas civilizaciones indígenas, fundado por frailes agustinos el 1 de Noviembre de 1550, localidad que posee el segundo lago más grande del país, reconocido por el trabajo de conservación en su conjunto de conventos, las milenarias ruinas de “Tres Cerritos” y sus deliciosos platillos.

“Como brilla la luna en el lago de cristal… ¡Así brillan tus ojos!” escribía el Maestro Lara desde la Isla de San Pedrito en el lago de Pátzcuaro, al grácil… “Janitzio”, genio del sentimiento entre un panorama que se adentra, eso es algo de la inspiración que produce Michoacán. Estado vestido de mariposas monarcas, el verde de su piel cubierto de flores, purépecha de corazón que habla con sus pirekuas, conquista con serenatas, danza entre Los Viejitos, sabe a patria y presume en el alma… a México.

Menciono lo anterior, porque llevo sangre de sus hijos en mis venas, por conservar su pureza a pesar de sufrir lamentables acontecimientos que violentaron estas tierras… y provocaron tantas lágrimas, intrusos que pretenden dejarla desolada, pero en su verdadera esencia se encuentra el trabajo de los artesanos, el esfuerzo de los pescadores que resulta ser todo un espectáculo, las rondallas que alegran su capital, finas arquitecturas, la cultura de nuestros antepasados, los cánticos de sus cascadas, veladas acompañadas con las guitarras de Paracho, ocho mágicas poblaciones, seis patrimonios de la humanidad, arenales virginales y sus mujeres, que con figuras perfectas, ojos de ensueño y su íntimo trato, sencillamente enamoran, culpables de que los sentimientos surjan de forma… tan natural.

Bajo estas emociones entintadas, es que iniciamos el segundo artículo homoespaciero realizado a nuestro Michoacán, y que en esta ocasión, dejamos fluir las letras… entre los lagos y lagunas de dos inspiradores poblados: el misticismo romántico de Pátzcuaro y el relajante encuentro sacro de Cuitzeo.

Pátzcuaro: Misticismo romántico

La llamada “Puerta del Cielo”, fue una de las primeras ciudades purépechas, fundada por Curatame II, señor de Pátzcuaro en 1324, aunque se cree que su padre, el héroe Tariácuri fue el verdadero fundador. Además, su mote es debido a que en este sitio, se encontraba la entrada al inframundo, lugar que visitaban los dioses y el cual, fue un centro ceremonial muy importante, de ahí que sea tan famoso en el Día de Muertos.

A la llegada de los conquistadores ibéricos, Hernán Cortés envió a Cristóbal de Odid a someter al Caltzontzin Tangáxoan Tzíntzicha, el cual se rindió en 1522, incluso algunos historiadores afirman que después de su derrota, fue bautizado con el nombre de Francisco y su descendencia formó parte de las autoridades en esta región. Otro hecho relevante en la historia virreinal de esta localidad, fue la llegada de Vasco de Quiroga en 1533, apodado cariñosamente por los nativos como “Tata Vasco”, célebre personaje que eliminó el trato brutal de los peninsulares con nuestros antepasados, quien construyó varias escuelas artesanales, elegantes templos y que del periodo de 1539 a 1580 le otorgó el título de capital provincial a Pátzcuaro.

Otra personalidad muy apreciada en Pátzcuaro fue María Gertrudis Teodora Bocanegra Lazo Mendoza, novohispana que apoyó el movimiento insurgente durante el periodo independentista, al conseguir información de los realistas como espía y al ser descubierta fue fusilada por la Corona. En su honor, existe una estatua en la plaza de San Agustín.

Algunos datos históricos arrojan que en 1940, aquí en Pátzcuaro se realizó el Primer Congreso Indigenista Interamericano y en 1951 se funda el Centro Regional de Educación Fundamental para América Latina, actualmente Centro de Cooperación para la Educación de Adultos en América Latina y El Caribe (CREFAL). 

En materia turística, algunos de sus atractivos son el fino Antiguo Colegio de San Nicolás, construido en 1540 como convento jesuita y que actualmente alberga el Museo de Artes e Industrias Populares, que exhibe piezas prehispánicas de la civilización purépecha; el imponente Convento de Santa Catarina o mejor llamado la “Casa de los once patios”, edificada en 1747, que si acaso te pierdes entre sus pasillos, tal vez puedas encontrar alguna inquietante michoacana que pueda aliviar tu angustia o que te ilustre sobre la historia del ex convento.

Ya que conseguiste tan gentil guía, tal vez sea preciso que la invites a visitar algunas de las siete islas aledañas… Yunuén, con su lago en forma de media luna puede ser una señal clara -digo para tu itinerario- pero el más famoso es Janitzio, sitio que incita al romance, donde su gastronomía como el pescado blanco es tradicional, esto, bien podría ser el inicio para solicitar después de comer y caminar un rato, saborear algo que produce el hipnótico lago… sus labios y si su favor es enmarcado por el atardecer, el estremecimiento, va por cuenta de la casa.

Entre otras atracciones destacan la Plaza de Vasco de Quiroga, con sus casas estilo virreinal, nostálgicas calles empedradas, donde puedes escuchar algún acordeonista interpretando piezas de la entidad, alguna viejecita bordando sombreros o el exquisito arte arquitectónico de templos como el del Sagrario, el de la Compañía de Jesús o el de la Virgen de la Salud, al ser éste último donde descansan los restos de “Tata Vasco”, y en la Plaza Gertrudis Bocanegra, se encuentran el Mercado de las Artesanías y el Teatro Emperador Caltzonzin.

 

Cuitzeo: Relajante encuentro sacro

Después de tanta agitación, un respiro sacro puede ser la opción para relajarnos y Cuitzeo es la mejor alternativa, lugar que fuera poblado por diversas culturas prehispánicas como la Chipícuara, Teotihuacana, Tolteca y Tarasca.

La fundación del Cuitzeo colonial fue el 1 de Noviembre de 1550, día en el cual se inició la construcción del Convento de Santa María Magdalena, a cargo de los frailes Francisco de Villafuerte y Miguel de Alvarado.

Famoso por conservar casi intactos su conjunto conventual, el ex monasterio de Santa María Magdalena, con su fachada renacentista plateresca, es un elegante ejemplo de la arquitectura del siglo XVI, en su interior lo barroco se mezcla con lo gótico y en su costado el claustro muestra sus frescos casi incólume del arte de los agustinos y cuenta también con una biblioteca que aún conserva textos muy antiguos. Mientras que en la iglesia del Hospitalito o la “Casa de Indios”, encontrarás una figura realizada con pasta de caña de la Inmaculada Concepción.

Respeto a la gastronomía, en los restaurantes de la plaza principal puedes probar algunas delicias exóticas como Ancas de rana, Charales preparados de diferentes maneras o un Mole de guajolote acompañado con Pulque… y no olvides adquirir alguna prenda, ya que aquí, son expertos en textiles.

Para terminar nuestro recorrido, es obligado visitar el segundo lago más grande de México, homónimo a este mágico poblado, donde podrás admirar sus Tules y gran vegetación que lo abraza. Hablando de afectos, una opción es que te hospedes en alguna de sus cabañas, disfrutes del panorama y si eres de aquellos afortunados en contar con la compañía de alguna fémina, ten la plena seguridad que la inspiración llegará cundo al anochecer, las estrellas se reflejen en el lago y el resto… está por suceder.

Estimados homoespacieros, les comparto algunos enlaces en la web de una entrevista que le realizamos al Secretario de Turismo de Michoacán, Roberto Monroy García en la pasada edición de Tianguis Turístico de México, así como de estos dos mágicos suspiros michoacanos:

Michoacán... Tianguis Turístico de México 2015. https://youtu.be/7WSwP3o46BE

Pátzcuaro. https://youtu.be/22OIyCCPhKI

Cuitzeo. https://youtu.be/sCR2FrmXN9Q

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27-Apr-2015

Sexta delicia de los lugares con estilo a la tinta de Homo Espacios, que para el menú de este artículo sugerimos un afamado club fílmico ubicado a un costado de las Torres de Ciudad Satélite, donde se disfruta de una selecta colección de cintas, ecos independientes, una galería en la que el talento es el principal ingrediente y un ambiente solo para apasionados… al arte. El segundo tiempo, digo, destino, ofrece su “Comida lenta” a la italiana, esa que se disfruta acompañada de un buen vino o una cerveza artesanal, mientras saboreas algo de jazz en vivo en el corazón de la Colonia Roma, un restaurante donde se consiente tanto al paladar, como a los oídos. Nuestro último placer endulzará nuestros sentidos con mucho rockabilly, espacio dedicado al sentimiento de los cincuenta, donde el copete, las malteadas, lindas féminas al estilo de las “pin-up girls”, clases de swing, bandas en vivo y hasta una mesa adaptada al interior de un Biuck convertible de los años del rock and roll, forman parte del encantador reto de este sitio.

Los placeres que surgen en el interno, se saborean con arte; muchos lo alimentan admirando un lienzo, al encontrar lo significativo en una escultura, adentrándose en la lírica, en la inspiración en un filme, al contemplar la genialidad de una edificación, estremecerse en la danza o reencontrarse en las letras de un libro… bocados de vida que se consumen con delicadeza, cautela, frenesí y sensibilidad. Los insumos, suelen ser las emociones; muchos han creado grandes obras dentro del dolor, otros lo reflejan en la alegría, pero al final del camino, este goce… cruza la frontera de los sentidos.

Menciono esto, porque existen sitios donde se pone en práctica lo anterior, bajo la bandera de lo independiente, que por lo regular son los que tienen la mejor propuesta; sitios que quedan fuera de la contaminación mediática de la conveniencia, de la farsa televisiva y la manipulación de los apoderados. Lugares que defienden la cultura real, constructiva y productiva, no aquella del compadrazgo o del apadrinamiento, hablo de personas genuinas, vehementes por la causa de aquellos artistas que realmente tienen algo de calidad para ofrecer. Pero la lucha es continua y desgastante, ya que quitar el cochambre constantemente, no es tarea fácil, pero tal parece que poco a poco se abren más ojos, oídos y acciones al respecto.

Después de esta reflexión entintada, adentrémonos a los lugares con estilo, que para esta sexta entrega comentaremos sobre tres propuestas. La primera ubicada en Ciudad Satélite, donde la pasión cinematográfica, conciertos de bandas independientes, galerías de arte y la sazón son algunas de sus características, me refiero al Film Club Café. El siguiente destino ofrece “comida lenta”, platillos para tomarte el tiempo de saborear cada uno de los ingredientes, la exquisitez del arte culinario italiano, cervezas artesanales, donde los sonidos del jazz hacen de tu estadía en Las Musas de PapáSibarita, un encuentro con el regodeo en el corazón de la Colonia Roma. En los mismos rumbos, pero en la Calle de Medellín, el postre de este artículo es el Be-Bops Diner, restaurante al estilo cincuentero, donde el rockabilly, swing y otros ritmos, así como las provocativas miradas de las chicas, serán un incentivo para levantarte a danzar e invitarle alguna malteada a la que te haya favorecido en la pista de baile.

Film Club Café: pasión por el arte

Creado en el 2006, este cine club fue una propuesta cultural para todos aquellos cinéfilos, melómanos y hasta fanáticos de otras disciplinas artísticas, ideado por Claudia Luz y Raúl Ojanguren.

Literalmente underground, ya que se encuentra en un sótano, el Film es un proyecto independiente que cuenta con una gran selección de cintas, ya sea del periodo silente, varias de inicios del cine sonoro, grandes clásicos, cine de autor, artístico, que incluso han sido sede y jurado de varios festivales fílmicos. Así que si buscas a expertos del séptimo arte, éste es el lugar indicado. Además cuenta con distintos ciclos y temáticas que cambian cada mes, para que acompañado de un Baguel de jamón serrano con queso de cabra y un Smoothie de vino tinto, disfrutes de alguna película en su sala de proyecciones.

Respecto a conciertos, su programación cuenta con varias propuestas jazzísticas, aunque también puedes escuchar algo de tango, funk y otras fusiones rítmicas, pero existe algo que lo diferencia de otros sitios; aquí la interacción con los músicos es muy cercana, que incluso puedes tener antes o después del concierto. Otra de sus bondades es que realizan distintas exposiciones con artistas independientes, así que por talento, el Film Club Café, no para.

 Algunas… ¿curiosidades?

“La vez que se presentó Juan Manuel Torre Blanca en Film Club Café, a mitad del concierto llamó a Carla Morrison, como artista invitada sorpresa, quien cantó varias canciones y aunque  no era fan…me convertí, porque disfruté mucho de ver y escuchar su interpretación en vivo, ya que es muy distinto haberla oído en un álbum o en concierto masivo… realmente fue muy especial. También han rentado el lugar para eventos privados, pedimentos de mano, aniversarios, fiestas infantiles, quince años con todo y columpio e incluso una boda desde Las Vegas con los invitados en México viendo la boda transmitida por internet y proyectada en los muros del cineclub…”, nos comentó Claudia Luz Vega, Gerente y Co-fundadora del Film Club Café.

En su cartelera de mayo se realizará un ciclo con 13 filmes en homenaje a Orson Wells por el centenario de su nacimiento. Así mismo, proyectará la animación mexicana El increíble niño de piedra, Timbuktu, la película Güeros de Alfonso Ruiz Palacios y Un mundo secreto, ópera prima de Gabriel Mariño, quien ofrecerá una plática con el público en la última función. En lo que se refiere a conciertos, contarán con la presentación de Fratta (pop) el 3 de mayo. El día 17, La Shica (copla española, rap y hip hop) y Daniel López (jazz), y el 30 de mayo, Haciendo el mal (pop, folk, experimental).

Bulevar Manuel Ávila Camacho 1695, Colonia La Florida, Naucalpan de Juárez en el Estado de México, es la dirección del Film Club Café y sus horarios, de miércoles a lunes, son de las 12:00 a las 20:30 horas.

Las Musas del PapáSibarita: placer gastronómico y sonoro

“Somos lo que comemos” afirma Elen Esquivel, Chef y Directora General de Las Musas de PapáSibarita, ya que comenta que este restaurante de comida artesanal italiana, ofrece lo que otros sitios no poseen… “Comida lenta”, concepto que integra el darnos una pausa y disfrutar de un platillo elaborado de forma cuidadosa, ya sea una pizza a la vieja usanza napolitana, una pasta realizada al momento o un delicioso bacalao siciliano, aunque también sus cervezas artesanales como la “Fauno”, con un suave sabor a albahaca o la “Sibarita” con un ligero toque dulce de cacao, que suelen ser las preferidas de los clientes.

En materia musical, “Las Musas” catan con sonidos de jazz, música celta y hasta lírica italiana, al contar en su escenario con grandes artistas como Iraida Noriega, Todd Clouser, La Blues Band, Vintage Jazz Band, No soy y Bindu Gross, entre otros.

Cuatro días…

“Cuando recién adquirí el espacio, vía traspaso, justo unos meses antes de cumplir un año, debiendo una buena cantidad de dinero por la negociación, se vendió el edificio, por lo cual nos ofrecían los nuevos dueños una cantidad risible de dinero para que dejáramos el local. Insistimos en negociar nuestra estancia o salida y siempre obtuvimos negativas. La necedad y sobre todo la confianza en el proyecto, nos hizo resistir un largo, angustioso y pesado proceso legal de un año y medio. Finalmente logramos negociar; solo que había un pequeño inconveniente: teníamos quince días para dejar el local. Un amigo me mencionó otro sitio cerca, justo a media cuadra del anterior, en la misma calle de Orizaba, al siguiente día fui a verlo y me pareció perfecto para mudar a Las Musas. El local era más bien bodega y teníamos solo ¡12 días para adecuarlo, sin contrato de luz, baños, cocina… nada! Finalmente fue una gran hazaña la que logramos todo el equipo de Las Musas, solo tuvimos cerrado cuatro días y reinauguramos con todo en orden”, nos relata Elen Esquivel. Chef y Directora General de Las Musas de PapáSibarita.

Algunos de sus próximos eventos son: el International Jazz Day, el 30 de abril a las 21:00 horas con un concierto de piano a cargo de Roberto Verastegui; Daniel Zepeda Quinteto, el 1 de Mayo a las 21:00 horas; Phil Grenadier con Todd Clouser, el 3 de mayo a las 15:00 horas y  Mark Aanderud con Hernán Hecht el 7 de mayo a las 21:00 horas.

Las Musas abren de lunes a domingo y se encuentra ubicado en la calle de Orizaba 203-A, Colonia Roma.

Be-Bops Diner: un viaje a los cincuenta

Chamarras de cuero, peinados rocanroleros, coquetos vestidos retro, desenfreno en los pies con música de los cincuenta, tres autos de aquella época, una imagen de Elvis en tamaño real, su gran barra con una fila de guapas meseras que esperan su orden, un piso con cuadros color blanco y negro, clases de swing, bandas tocando en vivo como los Rebel Cats, Eddie y los Grasosos o Las Leopardas… son algunas de las cualidades de este restaurante de la Colonia Roma.

Explosivo, revelador y agitado sería una fugaz descripción de la esencia de este lugar, ya que las jovencitas suelen llamarte con la mirada, cuerpos tatuados, que solo mostrarán el dibujo completo si logras conquistarlas con el arte de la palabra… y el baile, suele ser el pretexto perfecto, pero si acaso desconoces los pasos principales, no te preocupes, ya que aquí dan clases para que puedas obtener esos primeros frutos, aunque también el invitarle una malteada de cacahuate acompañada con alguno de sus exóticos hot dogs, tal vez pueda ser de ayuda en tu primer acercamiento, pero definitivamente el platillo fuerte, se encuentra en sus fiestas temáticas.

Un inesperado Halloween…

“En noviembre del año pasado, se nos ocurrió hacer una fiesta Halloween, esperando que solo fueran unos cuantos disfrazados, pero nos dimos cuenta que casi todos los clientes traían atuendo. Al final, hicimos un concurso y premiamos a los primeros tres mejores disfraces”, nos platicó Uriel Rockers, Gerente de Relaciones Públicas y Booking de Be-Bops Diner.

El próximo evento importante del Be-Bops es su aniversario, que celebrarán el 8, 9 y 10 de mayo, donde presentarán el primer acoplado de bandas de rockabilly mexicano y tendrán algunas fiestas temáticas como la western el mes de mayo y que adornarán al estilo del viejo oeste.

El Be-Bops Diner se encuentra en la Calle de Medellín 188, Colonia Roma y abre de martes a domingo, de 13:00 a 22:00 horas.

Estimados homoespacieros, les compartimos algunos enlaces de videos de estos tres lugares con estilo:

Film Club Café. https://youtu.be/PAPpoLIvAu4

Las Musas de Papá Sibarita. https://youtu.be/da3WrzuMgyc

Be-Bops Diner. https://youtu.be/LhB9e9X9k34

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20-Apr-2015

Navegamos por la historia del barco desde sus orígenes, cuando los primeros pobladores utilizaban troncos de madera flotantes, la aparición de la vela creada por los egipcios en el 1300 a.C., el buque de manga ancha de los fenicios, las innovaciones de la civilización romana, los dragones acuáticos o drakkars  vikingos que eran el terror de los mares del siglo IX, la incorporación de varios mástiles en una embarcación realizada por los chinos en el siglo XIII, el poderío naval de España de los siglos XV y XVI con sus carabelas, e incluso la “Santa María”, que menciona Colón como un “nao” asiático y el origen del término “de buena gana” en las galeras. Además, daremos un recorrido por el piróscafo o barco de vapor, su discutida autoría entre algunos de sus inventores, la época dorada naval con los famosos trasatlánticos, la aparición de la turbina y el diésel, así como algunas curiosidades históricas, datos poco conocidos del Royal Mail Steamship Titanic… y otras rarezas marítimas.

El mar posee una conexión directa con las emociones humanas, tal vez sea por su inmensidad, sus distintas tonalidades de azul, los misterios que oculta o la inspiración que provoca al admirarlo, para muchos, una fuente poderosa de energía, entre otros, el recuerdo de nuestros orígenes y existen quienes hablan de él como una maravilla de lo divino. Lo cierto es que la humanidad siempre ha expresado una fascinación por lo marítimo, el golpeteo de las olas es un sonido tan profundo y relajante, la vista de un atardecer en algún arenal es una lectura conmovedora del ser, ahí, donde los pensamientos se vuelven reflexiones, los romances se tatúan en el interno, sitio donde uno encuentra la grandeza de sentirse insignificante… y la fortuna de pertenecer.

La genialidad, por su parte, también ha brindado su ofrenda a los mares… ¡barcos!, los llamamos, ese transporte náutico que dio conectividad a los continentes, un ejemplo más de que la inventiva nace de la necesidad. Actualmente la frustración tal parece que nos domina, pero la reacción que ésta condición brinda es tan poderosa, ya que la impotencia se puede tornar en pasión, lucha y entrega… estímulos que ven más allá. Grandes personajes han aprendido del infortunio y aunque provoque ese sentimiento de naufragio, siempre el enigmático impulso por vivir será nuestro salvavidas… mientras exista la creatividad por la supervivencia, el dolor de evolucionar y un pretexto para el cambio.

Así, entre abstracciones oceánicas y  una sencilla ideología sobre el ingenio, comenzamos esta cuarta entrega de las genialidades homoespacieras, que para este artículo, nos adentrarán por los mares, con algunas curiosidades sobre el barco, su historia y algunos datos no tan conocidos.

Orígenes náuticos y los primeros navíos

El sentimiento que une al hombre con el mar ha sido tan grande que lo impulsó a crear alguna forma para navegar en él. Se cree que los primeros humanos utilizaban troncos de árboles para navegar, ya que varias pinturas rupestres en islas comprueban que necesitaron algún medio de transporte para acceder a estos sitios.

Los primeros datos sobre el barco, mencionan a los egipcios, por ahí del siglo 1300 a.C. una nave cuyo armazón era de madera reforzada con cuerdas y cubierta por fibras naturales, y fue una de las iniciales embarcaciones importantes, que además contaba con un mástil, una vela cuadrada y presentaba algunos remos. En este periodo, los reyes de los mares eran los fenicios, con su buque de manga ancha que utilizaba velas en lugar de remos. En el siglo II, los romanos crean las galeras, donde esclavos y el servicio de hombres libres llamados “de buena gana”, remaban hacia los destinos que trazaba este gran imperio, pero tanto para los cautivos como personas que hacían esta actividad por dinero, en las noches todos eran encadenados y la falta de higiene provocaba muchas bajas en la tripulación.

Tiempo después, en el siglo IX, los vikingos invadían las islas británicas y mediterráneas con sus drakkars -largas, estrechas y veloces embarcaciones con forma de dragón- que incluso se cree llegaron a América mucho antes que los peninsulares.

España y Portugal, por su parte, lograron fama naval en los siglos XV y XVI. La mayor gloria –para los europeos-, fue la llegada a la isla de Guanahaní de Cristóbal Colón, con su nao chino “Santa María”, acompañado por las carabelas “Niña” y “Pinta”, a las 02:00 horas del 12 de octubre de 1492, a lo que estos españoles nombran como el “Nuevo Mundo”. En 1600 se funda la Compañía Inglesa de la Indias Orientales, que tenía una flota de barcos mercantes anchos, largos y lentos, los cuales eran muy atractivos para los piratas.

La última nave a vela fue el “clíper”, construido por los estadounidenses en 1840, de forma alargada y estrecha con tres o más mástiles, y caracterizada por su alta velocidad.

El piróscafo y su discutida autoría

Existen muchas teorías acerca del inventor del barco de vapor. Los ibéricos argumentan que Blasco de Garay, un misterioso capitán de quien no se tienen datos precisos de su nacimiento, ni de su fallecimiento, fue quien esbozó el primer diseño. Un documento de 1695 que se encontró en el Archivo de las Simancas españolas señala una galera, la “Trinidad” que era impulsada con un tipo de máquina a vapor.

Mientras que los galos, sostienen que el ingeniero Claude François Dorothée, marqués de Jouffroy D'Abbans, crea un barco de vapor de ruedas llamado el “Pyroscaphe” que navegó por el río Saona en 1783, aunque en 1776, el marqués construye un buque de vapor de trece metros, el “Palmipède” con un motor que movía unas simpáticas aletas equipadas con aspas giratorias, en el río Doubs de la frontera franco-suiza.

John Flich, fue otro inventor de este navío impulsado por el vapor y desarrolla en 1787, un barco de vapor de 14 metros de eslora, que ponía en movimiento una serie de remos, situados a babor y estribor de la embarcación, en el río Delaware, Estados Unidos. Esto provocó algunas incrédulas risas, pero cuando la nave cruzó el río, la gente enmudeció sorprendida. Lamentablemente, la falta de apoyo y como siempre pasa, el desdén tan común que las autoridades muestran ante el talento genuino, lo llevo a la desesperación y un 2 de julio de 1798, este ingeniero estadounidense se suicidó en Kentucky.

El siguiente inventor es a quien se le atribuye la creación del barco a vapor, el ingeniero oriundo de Pensilvania, Estados Unidos, Robert Fulton, quien por cierto, su formación académica fue como pintor en Inglaterra más que como ingeniero, pero su genialidad lo llevó a realizar en 1803 en Francia el “Sena”, barco cuyo propulsor era una rueda con paletas, movida con un motor de vapor, obtuvo poco agrado entre los galos y en 1807, crea el “Clermont” o mejor conocido como “El monstruo de Fulton”, que navegó por el río Hudson y que fuera el primer éxito comercial del barco. También este ingeniero diseño el primer barco de guerra de vapor del mundo, el “Fulton the First” o “Demologos”, aunque no logró verlo terminado, ya que fallece a los 49 años a causa de una pleuritis, el 24 de febrero de 1815.

La turbina, los trasatlánticos y el barco más famoso de la historia

Otros avances del barco fue el hierro para el casco, innovación incluida en el siglo XIX, lo que junto a la máquina de vapor dieron una nueva estética a los navíos. En 1894 surge otro adelanto, la turbina, creada por el británico Charles Algernon Parsons y en 1897, Rudolf Diesel brinda el motor con combustión interna, que permitió dar mayor movilidad a las naves.

Los primeros grandes cruceros o barcos para pasajeros, surgen a inicios del siglo XX o en la marítima época dorada, grandes navíos como el RMS Lusitania o el RMS Mauritania, seducían al mundo con sus lujosos salones interiores y cómodos camarotes, así que la firma inglesa White Star Line, entraría en la competencia en 1909 con tres majestuosos barcos: Olympic, Britannic y el famoso Titanic.

Muchos conocemos la historia de su hundimiento en 1912, tal vez algunos por el film hollywoodense homónimo de 1997, pero existen algunos datos bastante curiosos, por ejemplo que existió una novela 14 años antes del hundimiento, llamada Futility (1898) de Morgan Robertson, donde narra la historia de un enorme navío llamado “Titán” que al chocar con un iceberg comienza a hundirse; también en 1943 los nazis hicieron su propia película sobre el Titanic, para provocar publicidad negativa hacia los ingleses. Otro dato, es que este afamado barco fue el único de las tres enormes naves de la White Star en no bautizarse.

Respecto a los hermanos del Titanic, el Britannic terminó como barco hospital y se hundió en 1926 al colisionar con una mina. Mientras que el Olympic, fue el único que sirvió durante mucho tiempo, desde 1911 y hasta 1935, cuando fue deshuesado.

 Curiosidades y otras rarezas marítimas

Resulta que en el siglo XIV, existió una de las primeras mujeres piratas, Juana de Bellaville, que vendió sus propiedades para adquirir tres navíos y vengar la muerte de su esposo asesinado por las autoridades francesas. En 1871, un sobreviviente de un hundimiento decide dejar este lamentable incidente atrás y embarcarse 41 años después en un nuevo navío, el Titanic, en el cual falleció y para aquellos que sean supersticiosos, el silbar puede provocar fuertes vientos, según cuenta la leyenda del Royal Navy.

Algunas rarezas actuales son: el Earthrace, un veloz barco que puede dar vuelta a la tierra en casi 61 días o también puedes formar parte de la tripulación del Jahre Viking, el barco más grande del mundo que mide 458 metros de eslora por 69 metros de manga, pero si prefieres, visita el navío de Howard Hughes, realizado con partes de un avión B-307.

Estimados lectores de Homo Espacios, les comparto algunos enlaces en la web sobre el barco… y su historia marítima:

Historia de los barcos. https://youtu.be/UkQdhDNWoMc

El secreto de los barcos vikingos. https://youtu.be/wYGsk_HOCGA

James Watt y la máquina a vapor. https://youtu.be/p6P4bOUjRX8

Robert Fulton. Invents the Steamboat (Inglés). https://youtu.be/IkB47kYtMJI

TITANIC (1943). Película alemana. https://youtu.be/X7n6sNXggZU

Titanic (2012) serie TVE. https://youtu.be/frlSj7o2yr4?list=PL6EFAB2178E6E5614

Barcos raros. https://www.youtube.com/watch?v=Wj1DckHRYZQ

Amigos, los invitamos a que visiten www.homoespacios.com así como a escuchar las cápsulas homoespacieras dentro del programa “La otra frecuencia” en Radiorama 1530 AM, todos los miércoles de 20:00 a 21:00 horas y los lunes por la misma frecuencia Homo Espacios en vivo dentro del programa “Yo Campesino”. Pueden contactarme  a través de:

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13-Apr-2015

Los francos inicios del cine en México, la primera proyección pública de una cinta en una famosa droguería del centro capitalino, el rechazo del Vitascope norteamericano de Edison, la mala imagen fílmica que los estadounidenses hicieron del mexicano en los tiempos de la Revolución, algo del periodo del cine silente en nuestro país, la llegada de los rollos sonoros y los primeros “años dorados” de la cinematografía mexicana.  Además, en esta tercera entrega homoespaciera de las Divas, comentaremos sobre una capitalina que fuera la primera mujer en dirigir una película en México, una cineasta veracruzana precursora del film sonoro y otras divas pioneras… del cine mexicano.

El concretar un sueño, requiere más esfuerzo que la mera obsesión de un ideal, un tanto de fe, algo de locura para no aburrirse… y mucha, pero bastante pasión. En momentos cuando la pluma pesa, el agotamiento te recuerda el por qué es necesario luchar por un siguiente párrafo, batallas internas, análisis envueltos en textos, peleas con el “yo” y en ocasiones, asoma una lágrima anónima, de esas que se disfrutan acompañadas por el sonido de un teclado. Las letras… pero no esas que se hacen sin sentirse, hablo de aquellas que se vuelven obras de arte, y un claro ejemplo, son esos adictos al café cubiertos de humo llamados guionistas, personajes que ven las tomas sin que aún se hallan filmado, los creativos de la cinematografía, redactores que hacen de la utopía una escena que seguramente verán millones de personas, escritores hipersensibles dotados de historias que se reflejarán en la pantalla grande, ellos, los que forman los diálogos, paisajes, vestuarios, olores, sabores y los elementos más subjetivos que te puedas imaginar, sin temor a equivocarme… el origen del lente fílmico.

Motivados por estas líneas estimados homoespacieros, es como iniciamos este tercer artículo de las Divas, en el cual hacemos un sencillo homenaje a los inicios de nuestro cine, así como destacar la gran labor de mujeres que dedicaron gran parte de su vida al séptimo arte, como lo fue Mimí Derba, considerada la primera cineasta mexicana o la veracruzana Adela Sequeyro, que realizara uno de los primeros  rollos sonoros en nuestro país, entre otras féminas de los inicios del cine mexicano.

Recuerdos fílmicos de México

Francia elige a México como el primer país de América Continental para presentar su Cinématographe, luego de casi un año de su primera exhibición en un café parisino, los enviados de los hermanos Lumière, Claude Ferdinand Von Bernard y Gabriel Veyre, tuvieron una audiencia con el entonces presidente Porfirio Díaz en 1896, para presentarle este invento revolucionario. El mandatario, quien se presume fue el primer personaje en aparecer en un filme, siempre tuvo una fascinación de todo lo realizado por los galos, así que fue una afable bienvenida la que el séptimo arte tuvo en nuestro país en sus inicios.

Otra memoria, fue cuando se proyectó el 14 de agosto de 1896 en el sótano de aquella droguería “Plateros”, ubicada en el Centro Histórico capitalino, en la calle que ahora se conoce como Madero, cercano a donde se  montará la inicial sala de cine o mejor llamado “Salón Rojo”, las cintas realizadas por los Lumière, como aquella de la llegada del tren. En fin, hablamos de la época del “porfiriato” con su delirio afrancesado, en el cual, después de tanto alboroto por ese aparato que reproducía imágenes en movimiento, logró captar más de 35 cortometrajes de la vida en la Ciudad de México, Guadalajara y Veracruz. Por cierto, en ese mismo periodo, el ambicioso inventor norteamericano Thomas Alva Edison intentó incursionar en el mercado mexicano su Vitascope, pero sin éxito, ya que el Cinématographe galo le había ganado terreno.

Después de la visita de los franceses, en 1898 el ingeniero Salvador Toscano -nuestro primer cineasta- exhibe algunos rollos de su autoría; Enrique Rosas realiza en 1906, el primer largometraje mexicano, un documental llamado Fiestas presidenciales en Mérida. En 1907,  El grito de Dolores de Felipe Jesús Hard, se considera como la primera cinta de ficción.

En el periodo revolucionario, la novata industria fílmica de nuestro país se detiene. Los Estados Unidos aprovechan para mostrar en sus rollos al “mexicano bandido”, imagen rechazada tanto por el pueblo como por autoridades y en 1917 se crea el primer largometraje formal en nuestro país: La luz, tríptico de la vida moderna, melodrama romántico de Ezequiel Carrasco, producido por México Lux Film, S. A.

Algunas joyas de este tiempo del cine silente fueron Tabaré (1917) de Luis Lezama, que en 1950 inspirara al film Tizoc: Amor Indio con Pedro Infante y María Félix; la polémica Santa (1918), película tomada de la novela homónima escrita en 1903 por Federico Gamboa.

Respecto al film inaugural sonoro en México, El águila y el nopal (1929) de Miguel Contreras Torres fue el primero, aunque sin mucha aceptación, pero el primer éxito fue la nueva versión de Santa (1931) interpretada por Lupita Tovar con Música de Agustín Lara y dirigida por Antonio Moreno.

En 1930, el director de cine y teatro soviético de origen judío Serguéi Eisenstein filma ¡Viva México!, cinta que no logra concluirse por falta de recursos, pero que sirvió de aliciente para que apareciera un nuevo cineasta mexicano… el famoso Emilio “Indio” Fernández.

Dejaremos para otro artículo la época del Cine de Oro Mexicano, el cual surge con la película Allá en el Rancho Grande (1936), considerada como una de las mejores películas de nuestro país.

Mimí Derba: la primera cineasta mexicana

Oriunda de la Ciudad de México, esta diva nace el 9 de octubre de 1893, enamorada desde una edad muy temprana por el teatro de revista y las carpas teatrales de aquellos tiempos, María Herminia de Pérez Avendaño debuta en el antiguo Teatro Lírico bajo el mote de “Mimí” en 1912, eso luego de presentar su acto con un vestuario al estilo de los cabarets franceses y aunque competía con las “divinas” italianas en sus presentaciones, esto le sirvió para exigirse más, lo que la llevó a visitar algunos escenarios en La Habana, Cuba.

En 1917, decide incursionar en el joven mundo del cine y funda junto con el entonces camarógrafo Enrique Rosas la productora Azteca Films, que estaba ubicada en una de las esquinas de Balderas y Avenida Juárez. Firma con la que realiza cinco películas como actriz y dirige una, La tigresa (1917), brindándole el título de la primera mujer cineasta de México.

Aunque en 1919 se disuelve Azteca Films, Mimí continúa con su carrera como actriz al realizar más de 75 filmes, entre los que destacan: Santa (1931) con el papel de Doña Elvira; Flor Silvestre (1943) dirigida por Emilio Fernández; Cuando los valientes lloran (1945), Ustedes los ricos (1948) y Dos tipos de cuidado (1952), cintas en las que compartió créditos con Pedro Infante; ¡Ay amor… como me has puesto! (1950) donde actuó junto a Germán Valdés “Tin Tan” y su última participación fue en la película Casa de Muñecas en 1953, ya que el 14 de julio  de ese mismo año, Mimí Derba fallece en la Ciudad de México a la edad de 60 años

Adela Sequeyro: el cine sonoro de una veracruzana

Adela Sequeyro Haro, nace en el puerto de Veracruz el 11 de marzo de 1901, pero en 1910 sus padres deciden trasladarse a la capital mexicana. Desde muy temprana edad comenzó a trabajar como periodista, iniciaba como actriz escénica y a principios de los años veinte empezó a actuar en algunas películas mudas y debutó en El hijo de la loca (1923) de José Ortiz, lo que dio paso a otras cintas como: No matarás (1924), Un drama en la aristocracia (1924) y El sendero gris (1927).

Luego de la llegada del cine sonoro, Adela fue la primera mujer que escribe, actúa, dirige, produce y edita un rollo sonoro, La mujer de nadie (1937) bajo el sello de la productora Éxito, de la que también era fundadora. También dirigió otros dos filmes con esta firma Más allá de la muerte (1935) y Diablillos de arrabal (1938).

Perlita -como la apodaban- actuó en 16 cintas siendo La posesión (1950) su último trabajo. Al retirarse de la vida artística, retoma su trabajo como periodista y se especializa en la tauromaquia.

Sequeyro fallece en la Ciudad de México el 24 de diciembre de 1992, tenía 91 años.

En el tintero de las pioneras fílmicas

Existen varias mujeres que aportaron mucho a los inicios del cine en nuestro país, Adelina Barrasa que fuera la única fémina propietaria de una sala de cine desde inicios del siglo XX y hasta 1923; Cándida Beltrán, última directora mujer del cine silente; Juliete Barrett, que produjo la primer película americana filmada completamente en México; Carmen Toscano, una de las documentalistas mexicanas más importantes del siglo XX o Elena Sánchez Valenzuela, actriz, directora y conservacionista fílmica, así como cofundadora de la Filmoteca Nacional, entre otras muchas tantas… Divas.

Estimados lectores de Homo Espacios, les comparto algunos enlaces sobre los inicios del cine mexicano… y sus divas pioneras:

Cuando el cine llego a México.  https://youtu.be/7bUJc-g9kZk

Santa (1931). https://youtu.be/S-aQeywSswc

Mimí Derba (Fragmentos de Azteca Film). https://youtu.be/2suMdamDWiE

Adela Sequeyro. La posesión (1950). https://youtu.be/1_fOLTvOH6k

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06-Apr-2015

Orígenes prehispánicos de la cultura chichimeca, virreinales edificaciones del siglo XVI y XVII, referente de la historia minera mexicana dentro de la Ruta de la Plata, tierras que pertenecieran a la Nueva Galicia en el periodo colonial, los inicios del ferrocarril, aguas termales que le dieron nombre a este estado, el arte de Posadas y de Saturnino Herrán, su Feria de San Marcos con más de 180 años de antigüedad, los cuatro barrios de su capital, dos pueblos mágicos, la famosa Romería de la Asunción que cumplirá 60 años, vinos artesanales con sabor a guayaba, elegantes haciendas y los agraciados atardeceres de ésta… tierra buena.

Las bondades de nuestro México son tantas: patria, cuya música se aprecia con el corazón; sentimientos multicolores en cada uno de sus estados; el mexicano que aprecia sus raíces indígenas que son la base de nuestra identidad y cultura; el país del mariachi, de la charrería, la belleza de sus féminas; la mezcla cultural precolombina con la hispánica; sus festividades, sabores catalogados Patrimonio de la Humanidad; tradiciones tales como el Día de Muertos, la Semana Santa, nuestra Independencia y hasta el Día de la Revolución… grandeza de un pueblo que es reconocido por su sencillez y afecto. Ahí, donde la piel se eriza y en muchas ocasiones, las lágrimas reflejan la emotividad de haber nacido en esta bella nación.

Lo anterior se vive al admirar algunos de los tantos paisajes mexicanos, sentir la lírica del pueblo, probar nuestras delicias gastronómicas o reflejarse en los ojos de alguna fémina, que encanta desde la primera vista y… un estado que sabe de todo ello es Aguascalientes, y para este artículo homoespaciero, recorreremos -entre letras- su capital y el pueblo mágico de Real de Asientos.

La capital aguascalentense y sus festividades

Los primeros pobladores de Aguascalientes fueron un grupo de nómadas chichimecas, que tras la llegada de los españoles en 1530 a estas tierras hidrocálidas, fueron sometidos por el peninsular Nuño de Guzmán. Después de distintos combates con los nativos y al descubrir las aguas termales de la entidad, decidieron nombrarla “Villa de nuestra Señora de la Asunción de aguas calientes” el 22 de octubre de 1575. Aunque un dato curioso es que a causa de epidemias y pobreza que sufrieron los indígenas de la región en 1584, solo habitaban la Villa 16 soldados, un caudillo y dos residentes.

Entre otras referencias históricas, en 1568 se incorpora a la Nueva Galicia -hoy Jalisco- y en 1786 forma parte de Zacatecas, pero fue hasta 1857 que se declara a Aguascalientes como estado libre y soberano. También, en el periodo virreinal era un punto de descanso para los comerciantes que viajaban por la Ruta de la Plata, y otro fenómeno que ha predominado hasta nuestros días, es que muchos pobladores son de tez blanca, dada la mezcla de europeos que llegaron a habitar esta zona.

Algunas de las atracciones con las que cuenta la metrópoli hidrocálida inicia con su Plaza de la Patria, donde se encuentra la Catedral Basílica de Nuestra Señora de la Asunción, de estilo barroco; el Teatro Morelos que fuera utilizado en 1914 para la Soberana Convención Revolucionaria; la Exedra, columna realizada por el arquitecto Roberto Álvarez Espinoza en 1949 y quien también construyera la fuente del jardín central dedicada al músico Manuel M. Ponce.

Los cuatro barrios de Aguascalientes son el corazón de la ciudad, por ejemplo en el Barrio de la Estación se ubica el balneario de agua mineral Los Arquitos; en el Barrio de San Marcos, el Templo de la Merced que posee el grácil Jardín y la Plaza de Toros San Marcos; el Barrio de Guadalupe presume su elegante Templo de Guadalupe, de estilo barroco y el Barrio del Encino ofrece la vida nocturna, restaurantes tradicionales, así como el Museo José Guadalupe Posada, que cuenta con numerosas obras del grabador, entre ellas, la mundialmente conocida: “La Catrina”.

Respecto al turismo cultural, el neoclásico Museo de Aguascalientes contiene lienzos de Saturnino Herrán, que realizara varios murales en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Otra pinacoteca es el Museo de Arte Contemporáneo con su fachada de cantera o el Museo Regional de Historia, para aprender más sobre los antecedentes del estado.

En materia de ferias, Aguascalientes cuenta con la más importante de México… la Feria de San Marcos, llamada también “la feria de ferias”, cuya primera edición se realizó en 1828 y que se celebra en el famoso Jardín de San Marcos; cada año, se invita a un país y un estado de la República para que muestre su cultura y gastronomía. Algunas de sus actividades incluyen conciertos en su palenque, arte taurino de primer nivel, puestas en escena gratuitas, exposiciones agrícolas-ganaderas y la coronación de la reina, que por cierto para este año, se realizará del 17 de abril al 10 de mayo próximo.

Otros festejos son el Festival de las Calaveras que se lleva a cabo en el mes de noviembre, en torno al Día de Muertos y en honor a uno de los hijos de Aguascalientes, el Maestro José Guadalupe Posada, pero también, para fortuna de los amantes de la síncopa, la última semana de septiembre, el Festival de Jazz de Aguascalientes congrega a varios talentos nacionales e internacionales del ritmo roto.

Real de Asientos: magia minera

Pueblo mágico de origen minero fundado 1548, que posee una de las minas más antiguas del estado, el Tiro Coyote, así mismo cuenta con unos túneles o acueductos del siglo XVIII descubiertos en el 2001, que se conectan con la Parroquia de nuestra Señora de Belén, edificación con un Cristo hecho con restos humanos y el cual se comenta que es muy milagroso.

Algunas de sus atracciones son: el Museo Parroquial, que muestra una colección de retablos de los siglos XVII y XVIII, así como un cuadro único sobre la circuncisión del Niño Jesús y otras piezas de arte sacro, pero si prefieres algo tradicional, visita la Casa del Minero, con una bella portada en cantera y un fino trabajo de herrería en sus puertas; el Santuario de Guadalupe, porta su cantera rosa en la fachada, siendo ésta, una edificación histórica que data del año 1765.

Otro destino, pero un tanto fúnebre, es el cementerio, que por cierto es el más antiguo de Aguascalientes, donde el nivel social de aquella Nueva España se hacía notar hasta en los difuntos, aunque cabe destacar que sus frescos sobre del juicio final son bastante ilustrativos.

Por su parte, el Museo Vivo de las Cactáceas, seguramente será la opción para los fanáticos de la botánica, ya que posee más de 1,500 plantas de 45 diferentes especies, principalmente agaváceas, cactáceas y crasuláceas. Después de tu acercamiento a lo natural, a un costado de este museo, la Capilla del Cerrito te ofrecerá uno de los mejores espectáculos de Aguascalientes… sus atardeceres.

Para concluir este artículo hidrocálido, nuestra recomendación es que ya sea que regreses a la capital con su vasto entretenimiento nocturnal o permanezcas en este pueblo mágico, las veladas se disfrutan mucho más en compañía de alguien muy especial… que te inspire hasta el amanecer o más.

Estimados lectores de Homo Espacios, les compartimos los tradicionales enlaces para que continúes disfrutando de esta… tierra buena:

Aguascalientes.  https://youtu.be/XDqb8esVGcI

Real de Asientos. https://youtu.be/kEh8M91p4A8

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30-Mar-2015
Nueva sección homoespaciera donde destacaremos el sabor a México y sus números, con un productivo viaje gastronómico por algunos platillos de diferentes estados de nuestra patria, así como la distinción de la cocina mexicana, considerada Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco desde el 16 de noviembre del 2010 y que para esta primera edición, una delicia de origen precolombino un tanto caníbal, un afamado arroz muy veracruzano y el exótico caviar mexicano, los podrás probar en su tinta y cocinados… en las cifras del sazón.

El placer es una de las sensaciones más sublimes del ser humano, en ocasiones puede ser al admirar un lindo atardecer con sus pinceladas cromáticas que dibujan el cielo, un paisaje boscoso con la tranquilidad de sus diferentes tonalidades de verde o el vislumbrar la grandeza del mar; para otros, el gozo acústico al escuchar alguna pieza musical que se teje con el interno, ya sea una emoción bohemia, la alegría de algún eco festivo o un instante sonoro que te sumerge a algo divino, incluso los más íntimos perciben el regodeo de una caricia, tal vez en la piel de un torso desnudo o de un hálito de éxtasis… lenguajes del alma, descifrados por la realidad de lo subjetivo, sensaciones que accionan los sentidos para darle significado a la vida, esa, la que viene del interno.

Respecto al gusto, tal vez sus delicias sean las más sugerentes y altamente adictivas, la sensualidad al paladar, en la que los mexicanos, somos expertos y que en este nuevo Homo Espacio gastronómico probaremos entre letras y cifras de producción, uno de los principales platillos de nuestro país, el pozole, así como un rico “arroz a la tumbada” de las tierras alvaradeñas de Veracruz y el exótico manjar de la hueva de hormiga o mejor conocido como los escamoles, espero que sea de su agrado… provecho.

El pozole y su carnívoro origen ceremonial

Blanco, rojo, verde o vegetariano, con pollo, cerdo, pancita e incluso camarones, así como al estilo Jalisco, Sinaloa, guerrerense o chilango, el “pozole” es uno de los platillos preferidos por los mexicanos.

El ingrediente básico de este delicioso caldo es el grano pozolero o cacahuacintle, palabra de origen náhuatl que significa “mazorca o piña de cacao”. A nivel nacional, este tipo de maíz se cultiva en casi 800 mil hectáreas, de acuerdo con documentos del Servicio de Información Agroalimentaria y Pesquera, al ser el estado de Puebla que tiene el primer lugar de producción con un 45%.

Respecto a las proteínas de origen animal, en México se estima que se generó más de 2.34 millones de toneladas de carne de pollo en 2014, que significa 53% en la composición de la producción avícola. Mientras que en el sector de porcicultura, el año pasado se produjeron cerca de 1.33 millones de toneladas, al sobresalir Jalisco con un 19%; Sonora,  18%  y  Puebla, 11 % de participación.

Mientras que en los complementos del “pozole”, la lechuga mexicana tuvo una producción de más de 380 mil toneladas, la cebolla 1.27 millones de toneladas y más de 26 mil de rábano, según cifras del Anuario Estadístico de la Producción Agrícola del 2013 de la Secretaría de Agricultura, Ganadería, Desarrollo Rural, Pesca y Alimentación (SAGARPA).

El origen de este platillo es prehispánico y un tanto caníbal, ya que se cree que los aztecas consumían el “pozole” preparándolo con carne humana. Esto era de carácter ceremonial y consumido solamente por los sacerdotes del más alto rango. Tiempo después, en la época virreinal, los españoles sustituyeron la carne humana por la carne de cerdo, manteniéndose así en la cocina indígena.

El arroz a la tumbada, delicia veracruzana

Las delicias veracruzanas narran historias y una de ellas es el platillo típico del municipio de Alvarado... el “arroz a la tumbada”.

La tradición oral cuenta que a inicios del siglo XX, un grupo de pescadores que navegaban estas costas, esperaban la primera captura del día y solicitaron a uno de los tripulantes preparar la comida con lo que encontraran. Así que el cocinero embarró de manteca una cacerola, vertió agua, sal, arroz, pescados y mariscos. Al probar este platillo caldoso, la tripulación le dijo que el arroz estaba muy aguado, a lo que el jarocho respondió: “ustedes me pidieron la comida al aventón o mejor dicho a la tumbada”.

Algunas cifras relacionadas a este famoso guiso veracruzano, es que en México se consume cerca de un millón 100 mil toneladas de arroz anuales y el 80 por ciento procede de importaciones; existen cerca de 3 mil 800 productores de arroz en 13 diferentes entidades de la República Mexicana y Veracruz ocupa el tercer lugar.

Respecto a los mariscos, en el país se produce más de 1 millón 700 mil toneladas de productos marinos anuales, de los cuales sólo la tercera parte se destina a la exportación y cada mexicano consume 12 kilogramos al año de algún alimento derivado del mar.

Originalmente el “arroz a la tumbada” era comida de barrio, que se convirtió en manjar de la alta cocina mexicana, tanto que en la edición número veinte del "Arroz a la tumbada más grande del mundo", que se realizó el 29 de julio del año pasado, se prepararon 13 mil 500 platillos en el malecón alvaradeño, para satisfacer al paladar de locales y turistas.

Escamoles: el caviar de México

Bajo el mote del “caviar mexicano”, esta exótica delicia es creación de nuestros antepasados y su nombre proviene del náhuatl “azcatl-mol”, que significa guiso de hormiga. Relatos de la época virreinal realizados por Fray Bernardino de Sahagún, cuentan que los aztecas recolectaban las larvas de la hormiga en nidos bajo la tierra, principalmente en la base del maguey, nopaleras o junto a los árboles de pirul.

La temporada de cosecha del escamol es en los meses de marzo, abril y mayo, debido a que las hormigas escamoleras son sumamente agresivas, es complicado reproducirlas en todo el año y por su alto precio -entre 600 y 800 pesos el kilo- no resulta accesible para todo el público.

Los principales productores de esta larva se concentran en Hidalgo, Tlaxcala, Estado de México y Puebla, al recolectar cerca de una tonelada de hueva de hormiga durante una temporada, sin embargo puede alcanzar las 10 toneladas, pero existe una desventaja, únicamente se puede comercializar en los tres días posteriores a su extracción, o bien refrigerarse durante 96 horas.

Otros ingredientes para la preparación de los “escamoles” incluyen: cebolla, ajo, chiles serranos, epazote y mantequilla. Respecto a este último producto, nuestro país produjo 185 mil toneladas de mantequilla en el 2013 y se consumieron cerca de 230 mil toneladas ese año. La forma perfecta para saborear este manjar es en taco, la tortilla mexicana que es el producto comestible más popular, con un crecimiento de ventas promedio de 20 por ciento anual, según datos de la Corporación Gruma.

Respecto al valor nutricional, los “escamoles” contienen entre 40 y 60 por ciento de proteína, además de grasas, vitaminas y minerales, superando por mucho la proteína de la carne de res, así como la del pollo.

Como en cada artículo semanal, les comparto los enlaces web para que sigan degustando... las cifras del sazón y les comparto que esta sección aparece en el noticiero Agronoticias de la Secretaría de Agricultura, Ganadería, Desarrollo Rural, Pesca y Alimentación (SAGARPA), por TV Ingenio de Televisión Educativa.

Gastronomía Mexicana Patrimonio Nacional por la UNESCO (SECTUR). https://youtu.be/mPZEstUyrDs 

Pozole (Cocina Mexicana Prehispánica). https://youtu.be/jib4bAfxnoI

Arroz a la tumbada (Agrosabores). https://youtu.be/MXkCJIUmGtM

Escamoles (La ruta del sabor). https://youtu.be/knBFJeEcA3Y

Sagarpa TV México. https://www.youtube.com/user/SAGARPATVMEXICO

Amigos, los invitamos a que visiten www.homoespacios.com así como a escuchar las cápsulas homoespacieras dentro del programa “La otra frecuencia” en Radiorama 1530 AM, todos los miércoles de 20:00 a 21:00 horas y los lunes por la misma frecuencia Homo Espacios en vivo dentro del programa “Yo Campesino”. Pueden contactarme  a través de:

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23-Mar-2015

Más de 120 artículos temáticos, 250 notas y columnas, 200 participaciones en radio, cerca de mil colaboraciones de compañeros reporteros y de amigos periodistas, 30 sitios web, una agencia de noticias, diez medios impresos, tres programas de radio y uno de televisión, han sido parte de Homo Espacios, que entre lugares, música, arte, cultura y personalidades ha desarrollado 20 secciones, eso sin contar los nostálgicos San Jueves,  la producción de algunos reportajes en video de festivales o conciertos, promoción de eventos realizados por artistas independientes, así como compartir “Entre medios…” varios materiales informativos y el reciente apartado “Del tintero…” para difundir, tal cual, contenidos de algunas instituciones. Así que para este Segundo Aniversario homoespaciero, dejamos que quienes integran el proyecto nos hablen de él y elijan su artículo favorito, además comentaremos sobre las próximas novedades de este espacio, que sin tu apoyo, estimado lector, no hubiera prevalecido.

Curioso, cuando después de perderlo todo y estar en el fondo, ganas aún más de lo que habías tenido… al momento de resurgir. Podría definir que Homo Espacios le dio un cauce a la vida de este joven reportero, que sin un peso en la bolsa descubrió que la pasión, la entrega y el verdadero compromiso brindan una ganancia mayor que algo material. Me sorprendo al admirar que el punto de cambio es cuando no tienes nada que perder, y así, mi camino se abrió, entre el mundo cultural, artístico y melómano, que a diario, me nutre.

Tal parece que la locura de las letras me ha invadido, ya que esta bendita adicción por la información ha sido la mejor medicina para vivir y no he de mentirles, varias ocasiones las adversidades, conflictos o la escasez me han cuestionado en continuar, pero al final han sido mis mejores maestros, ya que quien imprime sus líneas con nobleza, descubre que esta profesión lo ha dominado, la seducción entintada podría ser muy similar a la de la mujer… caprichosa, exigente y fascinante. Mientras que los vínculos fraternales se estrechan al conocer a los verdaderos amigos; el trasnocharse entre música que alimenta el interno; sentir a México con sus paisajes, tradiciones y manifestaciones culturales; saber que mañana tendrás algo nuevo por teclear al estremecerte entre líneas; viajar a rincones que nunca has imaginado; maravillarte, es sencillamente… VIVIR.

Existen personajes que dentro del anonimato han sido la piedra fundamental del proyecto, ellos a quien debo la vida… mis padres. Él, un apreciado  maestro del periodismo y ella, cuya pureza ha sido mi mejor apoyo. Además del estimado master Jailovich Martínez, quien desde un inicio coloca los textos y fotos en su lugar. Sin más, queridos homoespacieros, dejemos que quienes alimentan este diario digital, lo describan y nos sugieran su artículo favorito.

Yazmín Alessandrini: Nuestra madrina

Homo Espacios (HE).- Cómo madrina del proyecto ¿Qué evolución detecta en estos primeros dos años?

Yazmín Alessandrini (Y.A.).- Es sin duda uno de los espacios más creativos, encontramos en él un apapacho para el espíritu, una especie de recreo para nuestra vida cotidiana; aprecio llegar por las noches y enterarme de lo mejor de las artes, música, turismo e incluso de la política y desde luego leer mi columna "Exclusivo para Hombres", porque al final del día todo me hace reflexionar en varias áreas de mi vida.

Homo Espacios (HE).- ¿Su artículo favorito?

Y.A.- Te puedo confesar que todo lo que se refiere a la música, porque encuentro enormes sorpresas, nuevos valores, los ya conocidos y no vivo sin la música, eso te lo puedo decir sin temor a equivocarme, pero también disfruto el cómo nos vas llevando por la gastronomía, los maravillosos rincones de nuestro país… me voy imaginando sus lugares, de pronto sórdidos, otros melancólicos y hasta bucólicos y románticos.

Me felicito enormemente de formar parte de  tan sólida página web y te felicito por el trabajo diario, así como la exclusividad y tenacidad con la que trabajas.

Sabás Huesca y Rebolledo: El Maestro

Homo Espacios (HE).- Desde su apreciación como escritor y comunicador, ¿cuál es su opinión sobre el desarrollo en el lenguaje escrito y textos que se han manejado?

Sabás Huesca y Rebolledo (SHyR).- Es evidente que en este tiempo has realizado una labor callada pero constante en lo que al manejo del lenguaje se refiere. Y es así precisamente como debe ser, pues si algo no se domina en unos cuantos días es un idioma, y el propio menos que ningún otro, pues tendemos a creer que nacemos con él, como ciencia infusa, y la realidad nos muestra una y otra vez, a cada paso y con todo concepto que queramos manejar, nuestro error. Puedo decir que la fluidez, la concordancia y el ritmo se sienten. Ya está tomando su lugar el uso de los adjetivos, al principio un poco atropellado y excesivo. En fin, eso se llama, en periodismo (y junto con otras cosas que se van adquiriendo por la vía difícil, la práctica representada por el ensayo-error), aprender el oficio, dominar la técnica, en dos palabras: saber comunicar. Trabajo de toda la vida.

HE.- ¿Cuál ha sido el artículo que más le ha gustado?

SHyR.- Como siempre pasa con este tipo de preguntas, algunas de las respuestas son meramente subjetivas, y tienen que ver con los gustos y disgustos del entrevistado, y por lo tanto pueden no coincidir con las de otras personas. Esto considerado, pues, yo no tengo uno sino dos artículos favoritos, de acuerdo con mis muy personales aficiones, uno en música y otro en literatura... El primero es aquél que dedicaste al Fado, la música portuguesa para mí por antonomasia, música intimista, nocturna, de bar de puerto y de barriada, desgarrada por una guitarra que acompaña generalmente a un solo cantante en penumbra... El segundo es el que habla de Hemingway, ganador del Premio Nobel, que combinó la literatura con el periodismo, quizá por eso me dice algo más que otros; viajó por todo el mundo, participó en guerras y terminó, muy dignamente, dueño de su vida hasta el final. Personaje él mismo, a su vez, de novela.

Gloria Hernández: Musa homoespaciera

Homo Espacios (HE).- ¿Qué piensas sobre la sección Homoespacieros?

Glória Hernández (GH).- Considero que un sitio o cualquier espacio que se dedique a la promoción de la cultura en todas sus facetas, debe nutrirse de diferentes plumas y opiniones. Por ello, la sección Homoespacieros me parece que complementa las diversas temáticas que conforman a Homo Espacios y permite la pluralidad de ideas desde la trinchera de la comunicación.

Me parece muy acertada la idea de entrevistar a aquellos que generalmente se encuentran en el papel del entrevistador y plasmar sus inquietudes a través de una amena charla, que nos da una gran idea de cómo los estudiosos ven y aprecian su entorno laboral. Creo que el oficio del periodista siempre ha sido uno de los más importantes en el quehacer cotidiano de la comunicación. Hoy en día, es importante rescatar la labor de quienes han hecho posible hacer llegar al resto de la humanidad las historias que es necesario contar, personajes que tienen muchas vivencias que compartir y muchas veces, nunca podrán hacerlo en el medio que cubren o bajo la línea editorial en la que ejercen su profesión. Destacar la labor de quien está detrás de la noticia, los conflictos políticos, el micrófono de una cabina, las páginas de un libro, del aula y la academia, es como presumir y enaltecer a los amigos que uno elige.

El periodista es culto y es un personaje de letras, por ello, considero que Homo Espacios les rinde un breve y certero homenaje a los denominados “Homoespacieros”,  quienes desde su perspectiva y posibilidades, han contribuido a la creación de historias a través de su trabajo.

HE.- ¿El artículo que más te ha agradado?

GH.- Sin duda ha sido el de Ernest Hemingway en la sección de “Personalidades”, considero que es un personaje cuya vida resume lo que busca Homo Espacios: creatividad, periodismo, cultura, histrionismo… Si alguien escribió fue Hemingway y me gusta este pequeño homenaje que, en forma de artículo, nos presenta al periodista y escritor.

Homo Espacios no sólo pretende darnos a conocer lugares, recomendaciones u opiniones diversas, sino también pretende recordar la labor de los grandes que han dejado huella en la cultura universal.

Vladimir Galeana: El periodista

Homo Espacios (HE).- En materia periodística ¿Cuál cree que ha sido el aporte de Homo Espacios dentro del gran mundo de la comunicación?

Vladimir Galeana (VG).- Principalmente en la especialidad de quienes en este importante medio de comunicación colaboran, lo que enriquece la oferta y la convierte en amena y atractiva, porque los temas son amplios y variados abarcando la mayor parte del interés de los mexicanos.

Homo Espacios tiene la característica de ser ágil y ameno para quienes nos visitan, pero además profundo y formativo por los temas que se abordan. La crónica, el artículo, el reportaje y el análisis, encuentran su máxima expresión por la especialidad de quienes aquí tornemos nuestra vocación por las letras.

Si de algo puedo enorgullecerme es que no solamente aporto mis disertaciones, sino que tengo la oportunidad de visualizar lo que cada uno de mis compañeros relatan en sus espacios. "Informativo y formativo" pudiera yo otorgar a Homo Espacios como la principal peculiaridad de su contenido.

HE.- ¿El artículo que más le ha gustado?

VG.- El recorrido que hiciste de la música mexicana y aquel de la historia del tango.

Arianna Alfaro: Amante del turismo

Homo Espacios (HE).- ¿Cuál es tu punto de vista respecto a la sección turística?

Arianna Alfaro (AA).- Recomendaciones más prácticas o cotidianas. Cartelera amplia de a dónde ir y consumir cultura.

HE.- ¿Cuál es tu texto preferido de Homo Espacios?

AA.- Coyoacán jazz, Oaxaca funky y una celeste fémina carioca, y de mi sección: Rutas con sabor, colorido e historia  ¡Vamos en dos ruedas!

Hugo Moreno: Un experimentado melómano

Homo Espacios (HE).- En materia de periodismo musical ¿Qué te parece nuestra propuesta informativa y la sección “El amor a la melomanía”?

Hugo Moreno (HM).- Me parece un propositivo y valioso espacio en el que se le da prioridad a las propuestas (en toda la extensión de la palabra) realmente independientes, que sobreviven fuera del monopolio que existe en la industria musical en la actualidad. Gran espacio para todos aquellos que buscan ser conocidos.

HE.- ¿Qué artículo recomendarías?

HM.- Compositores de la libertad. Buen artículo enfocado a nuestras raíces y con información que no es común.

Moisés Sánchez Limón: El profesional de la información

Homo Espacios (HE).- ¿Cuáles considera son las fortalezas y debilidades de Homo Espacios en materia informativa? y ¿Por qué?

Moisés Sánchez Limón (MSL).- Como una nueva oferta de espacio de comunicación, es temprano para evaluarlo en niveles de fortaleza y debilidad porque desde su génesis trae debilidades y fortalezas. Débil porque se incorpora a un mercado de suyo competido y su fortaleza estriba en la capacidad de su creador y operadores para destacar en este espacio en el que los recursos económicos tienen la paradoja de financiar un proyecto bien presentado, moderno, dinámico, visualmente atractivo pero, éste es el quid, faltó de contenidos que inviten al visitante-lector a volverse un lector consuetudinario.

Y, ese factor se llama precisamente información. Un problema visual que detecto en Homo Espacios, es que la información tiene un exceso de acompañamiento visual. Hay barroquismo en la página que no deja espacio a la brillantez de un artículo, nota informativa o reportaje. Lo nuevo que tiene mucha reminiscencia de los diseños contemporáneos del México de por lo menos las últimas tres décadas, aplica en los espacios tendentes un tanto al minimalismo gráfico. Aire, aire es lo que piden los textos breves y los extensos, con imágenes dinámicas y no siempre ajustadas a la del declarante, cuando lo que importa es el objeto de la declaración.

HE.- ¿Algún artículo de su agrado?

MSL.- Todos los especiales, trabajos específicos que son reportajes de fácil digestión. Los que hablan de lugares históricos y hasta del reventón. En general, es una buena propuesta con mucho futuro selectivo, de consulta obligada.

Carlos Armando: Entre el arte

Homo Espacios (HE).- ¿Qué opini&